2011年12月31日 星期六

歲末贅筆


        附帶略誌歲末感懷,雖則今年的音樂會尚未結束,不過書寫跨年音樂會的感想,必然是明年首篇誌文,此處先略抒一年雜感。

        今年年初起頭的論文,如今正在趕寫最後一兩章,這一年來多有怠惰荒廢之時,但大致還照著自己預先規劃的行程前進。只是空有許多想法,付諸實行才知道困難重重,要符合自己理想中的標準,勢必得再耗上半年或一年的時間,參讀更多資料,做更周全的補菹罅漏。然而時非所予,錯過不再,目前僅能將自己的想法鋪寫成秩,其餘俟後再補,庶幾能頭過身過,換來一份畢業證書。至於能否發人所未發,言人所未言,就看口考諸委員同不同意、欣不欣賞以及後續時光的考驗了。學術之路遙遙,不求聞達,只願盡心思考、探究,開拓出不一樣的風景。

        也因近期趕寫論文,網誌的更新略顯滯緩,然而音樂依然流淌著,積累了數十張得以細細分享的專輯。貫串巴洛克、古典與浪漫、現代,包含無伴奏大提琴、大提琴二重奏、豎笛協奏曲、小提琴協奏曲、中提琴與合唱團、室內樂(弦樂四重奏、鋼琴五重奏)等,橫跨法國、愛爾蘭、英國、波蘭、德國等地,接續書寫的作曲家有Tavener、Cras、Delius等,其餘則賣個關子,以增添驚喜感。這些都是預定排好的,但隨著論文之進行而擱置著、日益堆疊,舊債新曲同存。還有休兵許久的孟德爾頌、李斯特、舒曼和去年就承諾的馬勒、布魯克納、柴可夫斯基等。經過一年,唱片擴充了不少,聽與寫的時間卻更有限了。未來必然會進行的聆聽,巴洛克是一大區塊,冷門的作曲家或曲目也是一大區塊,版本對話也是一大區塊,當然經典通俗的樂曲依然會視情形穿插分享,這些安排,都將一一分期付款,留下足跡,至少不會讓樂友一直撲空。雖然巴洛克音樂是票房毒藥,從自己的網誌中附帶的人數統計中即可見出此現象,但巴洛克音樂卻如冷門的曲目(古典、浪漫、現代)一般,給予我更多尋幽探險之樂,這是我過往一年披荊斬棘的心得,如今也將要繼續探詢未知的星圖。

        書法方面,今年十一月底十二月初,耗費許多心力終於完成的十朋首展,留下了豐碩的感受和持續進步的動力。明年,盤石與標草都將同時聯展,依然也要認真以對。過往的這一年,風風雨雨,搖盪心情,一路走來,原先讓人擔憂焦慮之事,所幸目前依然順遂。度過了讓人煎熬的七月初,這是年初以來就讓人懸心之難題,還好順利挺過,交織著不安的陰影,也疊加上安然度過後的一段美好時光,成為這一年最重大的事件。而隨後的兩次意外,所幸都還能回歸生活常軌。未來的這一年,將是劇烈變動的一年,要把握的是最後半年的學生時光,順利完成論文、畢業,邁向另一階段的人生。而音樂、書法、藝術、閱讀與思考,將同樣伴隨著我,探訪美的感動、生活的起起伏伏,平淡中的幸福、幸福中的波折,都將一體同受,在吐納中形塑自我的心靈世界,甘之如飴。也祝所有前來此地拜訪盤桓的旅人、過客、朋友、嗜美嗜樂的心靈們,新年快樂!嘉樂環抱、心想事成!

註:附圖取自網路,見此 拍賣網之介紹。去年以仿吳昌碩之印為圖,今年則取缶翁之篆書與墨梅圖,正好相續互映也!

2011年12月30日 星期五

Marini樸實優美之琴音


        這張義大利巴洛克前期作曲家Marini(1597-1663,也有標注其出生年為1594者)的弦樂奏鳴曲,初聽之時毫不起眼,可是多聽幾次之後,甚至完整聽到最後一軌時,真正讓人出乎意料之外的體驗產生了!為了這最後一軌而購入這張唱片也值得了,更不用說其餘的二十幾曲,都是清新悠揚、配器、曲風都很耐聽的巴洛克音樂。

        先前提過法國巴洛克作曲家Michel Corrette(1707-1795)的六首大提琴奏鳴曲,是法國土壤中的義式花朵,以其明快活力讓人印象深刻。將時光再往前推移一百年,彼時的義大利音樂,雖沒有一百年後的明快昂揚,但在樸實的抒情中,已孕育著超技的小提琴風格,並隱藏著無法掩蓋的鮮活明暢。Marini生於北義大利Brescia,這是最早的製琴重鎮之一,晚年於Venice過世。他是技巧卓絕的小提琴手、歌唱家與作曲家。曾在聖馬可教堂擔任小提琴手,當時樂團的指導總監是著名的作曲家蒙臺威爾第( Monteverdi,1567-1643)。1623年到1645年間,他曾在多瑙河畔的Neuburg擔任Wittelsbach宮廷的樂團指揮,在此時期他展開了許多旅程,足跡遍及Brussel、Milan、Bergamo、Düsseldorf,可說是當時最早的旅行超技小提琴家。Marini譜寫了許多聲樂、器樂曲,不過大多已散佚。留存的三組完整的器樂曲,分別是Opus1、8、20,其中Opus1是其二十歲的少作,已可見出其小提琴的才華。本片收錄的Opus8則是其樂風成熟之作,在小提琴的超技表現上比Opus20有過之而無不及。

        此組作品,作於1626到1629年間,乃是為Neuburg的Brussels Isabella公爵夫人所作,除了小提琴獨奏之外,還包含著各種樂器的搭配如cornetts、tombones、bassoons、violas da gamba、flutes、organ、harp、chitarrone等。這些樂器間的搭配變化,也有可變性,可視情形替換改變。正是在這些撥弦、管樂器、號角樂器的變化組合中,讓Marini的音樂在雍容堂皇的宮廷風格中,有如歌般的抒情性和多樣化的樂器組合,比如第六軌出現的tombone(長號)音樂,渾圓溫潤,與前幾曲以小提琴為主的吟唱相映成趣,第七軌在長號聲中加入清亮的小提琴,更可見出兩者間的情韻差異和對照應和的特殊效果。Marini也是最早將歌劇的詠嘆調和宣敘調運用到這些器樂曲的作曲家,其作品因此在樸實歌詠中,格外具有抑揚頓挫的風味,尤其可見第二、三軌中的音樂,在抒情吐露中有著更酣暢的動態變化。而最能彰顯此一特色的,莫過於最後一軌,錯過此首,將會以為Marini的音樂不過是平平無奇的前巴洛克音樂而已。這最後一軌所煥發的熱力和動能,直可與Vivaldi媲美,雖僅短短一分鐘多,但已讓人刮目相看,大吃一驚。

        我最喜歡的樂曲分別是第八軌、第十八軌、第十九軌,當然還有最後一曲。第十九軌一開始就浮現的抒情樂音,優美動人,一聽難忘,相較於其餘的樂曲高潮或引人注目的樂音,都隱藏在該曲的中後半段,此首是十分慷慨的美聲悠揚。第八軌和十八軌以及其他樂曲,在從大調轉入小調從光亮轉入陰影之處,最讓人屏息,即使大都一閃而逝如流星。第八軌一開始的明亮主題即相當吸引人,這首用變奏寫成的樂曲,在三分七秒之後出現的幾句,低吟迷濛,最是動人。第十八軌則在二分二十幾秒後所匯聚而成的音樂最吸引我,其後三分鐘左右音樂轉成更激昂的風格,燦爛變化,節奏飛揚,則是此曲迷人之處。第十九軌讓人難忘之處,除了一開始的如歌詠嘆之外,前面出現的以小提琴模仿落淚的樂段(此影片中約從三分四秒開始),更是感人之極。關於演奏的樂團Ensemble CordArte, Mingus兄在其網誌中曾加以介紹,有興趣者自可參閱。也許正是透過此團優異的演奏,更讓Marini音樂中的神髓得以鮮明展現。對我而言,此張唱片愈聽愈有味,不如Corrette大提琴奏鳴曲一開始即擄獲我的注目,但在多聽幾次之後,我不得不承認Marini的音樂,更適合擔任這一年巴洛克音樂之總結。

以下聽的是Marini此張專輯中第十九軌的樂曲Sonata Quarta。專輯中演奏此曲將近六分鐘,但此影片則用了八分鐘多。兩版各有韻味,快則凝練專注,慢則細緻挖掘。當然我更欣賞CordArte之演奏。

2011年12月29日 星期四

Grimal兩場巴哈無伴奏小提琴


        繼今年五月聽過顧德曼(Gutman,1942- ) 現場演出的巴哈無伴奏大提琴全曲,九月底看到法國小提琴家格里摩(David Grimal,1973- )全本巴哈無伴奏小提琴的兩場音樂會,就毫不考慮地購票,畢竟能在一年內完整聽過巴哈這兩套器樂經典的現場演出,機會並不多。

         2000年Grimal不到三十歲的時候,就錄製了第一套巴哈無伴奏,由Transart發行。八年後,2008年又再度於naïve錄下現場演出的無伴奏,發行了CD和DVD的版本。對於巴哈無伴奏曲的喜愛與探究,早從Grimal二十幾歲的時候就開始了,在音樂會解說中有一篇Grimal自己撰寫的文章,描述了這十五年來他如何透過巴哈音樂,與小提琴前輩Hirschhorn切磋討論,並帶著這套曲目展開了許多音樂旅成,包含了與當代作曲家一起發表新曲目、演奏全套貝多芬弦樂四重奏、於世界各地演出獲得音樂的觸發、聆聽芬蘭吉他演奏家Korhonen的巴哈演奏而產生啟發、試探不同的古樂器的演出效果、以及一場在印度演出的心靈之旅和音樂的碰觸,是最有價值的一篇文章,從中可瞥見Grimal十幾年來沉浸在巴哈音樂的摸索與思考、提升的過程。

        雖然Grimal的新專輯在演奏前早已購入,也先聽了現代作曲家Brice Pauset(1965- )應Grimal的要求而譜寫的對位組曲(Kontapartita),但現場聆聽的聲響共振,依然是錄音所無法取代的。即使現在我的唱盤放著Grimal的專輯錄音,依稀可捕捉昨晚、前晚的聆聽印象,但已失真許多,尤其現場湧現的共鳴和感染力,琴音在鼓膜的鳴響,如此真切,是難以忘懷的體驗。

        無伴奏小提琴,前年已聽過明茲的帕格尼尼,但對我而言,巴哈的共鳴更有過之。Grimal的無伴奏,不是溫暖莊嚴如謝霖的經典版本,也非孤高奇堀如米爾斯坦的個人口味,更與甜美舒暢的葛羅米歐大眾品牌有所不同。他的琴音屬於清冷中又銳利,流暢明快中又能保有低吟傾訴之語態。演奏速度偏快,尤其巴哈原曲的快板或稍快之舞曲,Grimal的加速度和轉折無痕的流暢輕巧,形成一股奔瀉不已的驅力,由此形塑樂曲內在的情感張力和噴湧的迭宕變化。但是Grimal並不在細部的轉折或內在的情韻作太多刻意挖掘之處,因此他的演奏式樣在極富現代感的外表中,灌注了個人式的思索、經歷。看似簡鍊輕快的握弓,塑造出纖細又強韌的線條,雖然不以宏大扎實和飽滿的音樂刻劃與和聲處理彰顯出巴哈音樂中的宗教性,但卻盈滿著豐沛的內在情感力量,琴音間透出一股滄桑感,一種人世歷練的痕跡,隱藏在銳利明快的姿態下,更耐人尋味,讓人想聽完樂曲,直到結束。而現場的體驗更能感受到的,除了巴哈音樂之多聲部線條外(雖然Grimal不刻意強化多聲部的一面),還有琴音本身的音色變化,Grimal對於樂句的呈現,不是一弓到底的扎實觸弦,而有著輕重濃淡的層次變化,其佳處則讓音樂的共鳴響動更為豐富,彷彿陶瓷般散發出的光韻,這也是他手上的琴最讓人著迷的色澤,但缺點則容易走位失準,和習慣聽到的準確扎實之音略有不同,因此有時候過於輕浮飄移。大抵而言,快速段落Grimal憑著一股驅力讓音樂奔湧跌宕,是最精采之處,但慢板的樂段則稍嫌用力不夠,著墨不深。

        Brice Pauset的三首對位組曲,穿插在巴哈音樂之間,交疊著傳統與現代、古與今的奇妙對話。Pauset的音樂,已無明確的線條和和聲,但弦與弓的碰觸撫摸,在打破了固定的音樂語法之後,更敞開新的聲響關係,輕盈的、翻滾的、細不可聞的奇異聲響,似觸非觸、實拉虛碰、彷彿琴弦自己發語顫動著,不需要弓的引領。而弓、弦、音樂廳內屏息以對的寂靜,三者交融不分,讓Pauset的現代語言有了穿透時空,浮漾出巴哈對位語法之歷史感的可能,此種體驗,既鮮明又純粹,實在讓人難忘。兩天的安可曲,第一天的易沙意無伴奏曲和第二天更為現代化的樂曲,不知作曲家為誰。前者見出Grimal駕馭易沙意之功力,後者見出現代樂曲之新穎聲響所探掘的心靈圖景,更有機鋒可體。音樂會結束後,Grimal趕搭十一點多的飛機,返家見即將臨盆的妻子,迎接新生命之後,不知道他第三次灌錄巴哈此曲時,會有怎樣的新體會?


PS:後來透過網路資料,得知第二天的安可曲是巴爾扥克無伴奏奏鳴曲第三樂章,見此 網誌


以下聽的是David Grimal演奏巴哈Sonata for solo violin no.2 - Grave

2011年12月22日 星期四

Corrette歡愉中的一抹孤寂




        與法國巴洛克作曲家Michel Corrette(1707-1795)這張六首大提琴奏鳴曲,同時聆聽的是義大利作曲家Biagio Marini(1587-1665)的OPUS8室內弦樂曲,第一次分別聽這兩張唱片的時候,只覺得Corrette的音樂像極了義大利作曲家的作品,而Marini反而像法國作曲家之作,後來轉念一想,除了兩位作曲家分別處於巴洛克早期、中晚期之間橫亙的一百年的時空外,法國音樂與義大利音樂之間的消長也是另一個原因。在巴洛克中晚期,義大利音樂席捲法國宮廷,傳入了巴洛克大提琴,而法國在1700年之前,還很少知道這個樂器,主要流行的是古大提琴(viola da gamba)。十八世紀初Vivaldi的器樂協奏曲風行歐洲的時候,義大利風格更被法國所接受,法國作曲家也逐漸喜愛上獨奏樂器如大提琴、小提琴的魅力。作曲家Joseph Bodin de Boismortier(1689-1755)於1726年出版了法國第一部獨奏大提琴音樂輯,標誌著大提琴如歌的音質和多變的表現力更受法國作曲家重視。

        關於Corrette之生平,可參考 Deadlockcp兄 介紹的Corrette六首聖誕歌交響曲,剛好是去年年底的文章。直到我聽了Corrette此張專輯,翻找資料時恰巧又連上這篇過往曾讀過的文章,冥冥中的緣分串起了這種遇合。擅長各種樂器,寫了許多教學書籍的Corrette,十分重視大提琴這個新興樂器,他關於大提琴的理論、實務的教學方法,是法國十八世紀初最早出現的專著,涉及到弓法、指法、發音、分句等相當細部的具體實踐面向,可見他對此樂器的掌握能力。他所譜寫的這組大提琴奏鳴曲,標題為The Delights of Solitude(孤寂之喜),明顯可見受義大利三、四樂章形式的影響,但Corrette在樂章中安排了不少舞曲,如Allemanda、Sarabanda、Giga、Corrente,也有不少Aria,除了充分展現大提琴多變的色澤和技巧之外,如歌的慢板聲腔更是Corrette此作讓人著迷之處。

        千萬不要受標題影響,這些大提琴曲並沒有太多孤寂的況味,反而以其生氣勃勃的流暢性和如歌性為其主調,節奏鮮明活潑,旋律優美動人,很容易被其吸引,題為孤寂,可能跟大提琴給予人憂傷深沉的感覺有關,但作品所透出的喜悅色調卻十分鮮明。在閱讀內頁解說之前,我還不知道封面上的題名是The Delights of Solitude,卻很快掌握了Corrette明朗亮麗的特色。Corrette之樂風有濃厚的義大利色彩,其明朗如歌的抒情性,和先前聽過的法國古大提琴曲所強調的優雅、迷人更迂迴的姿態不同,更容易親近,更直率有力。雖有不少樂章以舞曲為題,但也可以不用舞曲的精神來掌握,而將之視為一種多變樂風之展現。我最喜愛的樂章是第六號奏鳴曲第二樂章(第二軌)和第二號奏鳴曲第三樂章(第十軌)。前者的Aria,彷如美聲歌劇般由大提琴吟唱的詠嘆調,淳厚溫暖的歌聲,低吟豐美,讓人不由自主也想引吭高歌,是最能彰顯Corrette慢板抒情之美的一個樂章。第十軌的音樂,盤旋舞動的激烈色彩十分鮮明,也是整張專輯中最能與義式風格聲息相通的精采樂章,Corrette讓大提琴舞出飽滿深沉的律動,每次聆聽此曲,總讓我想起Vivaldi音樂讓人振奮飛揚的昂然情懷。

        擔任演奏的兩位大提琴家Seung-Yeon Lee(兼指揮)、Se-Hee Kim是韓國人,巴洛克吉他Fernando Reyes Ferrón是西班牙人,大鍵琴演奏者Mami Kurumada是日本人,他們組成的Bassorum vox,以演奏16到19世紀的法國、義大利、德國音樂中較冷門的曲目為主。從解說中附的照片來看,俊男美女的組合,都很年輕,正適合展現Corrette音樂中鮮活生動的一面。兩把大提琴的低吟交疊,尤其慢板樂段,是最讓人陶醉入迷的,而其活力昂揚的一面,正切合即將來到的聖誕佳節。在歡樂的愉悅中透漏著一絲孤寂的抒情之美,則是不足為他人道的個人體驗。

以下聽的是Corrette第五號奏鳴曲最後一樂章(此唱片中最後一軌)

2011年12月19日 星期一

Scriabin之抒情與狂喜


        前一章論文約略提到了作曲家史克里亞賓(Alexander Scriabin,1872-1915)與梅湘(Olivier Messiaen,1908-1992)的通感能力(還有林姆斯基—高沙可夫(Rimsky- Korsakov,1844-1908)),除了Rimsky- Korsakov之外,為了更深入這兩位作曲家的音樂,我找出了Scriabin的交響詩Prometheus:The Poem of Fire(普羅米修斯:火之詩)以及Messiaen的Catalogue d’oiseaux(鳥類圖誌),卻無意發現了Scriabin的少作,鋼琴協奏曲之優美迷人。
  &nbsp Scriabin的鋼琴曲,先前聽過不少,已初步能掌握其早期受蕭邦影響的抒情樂風,轉變至受宗教冥契體驗影響的神秘化、冥想、自我中心性的晚期風格,但卻始終不曾仔細地聆聽Scriabin主要的作品。但為了追蹤與色光風琴(Color Organ)有關的交響詩:火之詩,由此體驗Scriabin形塑的宗教狂喜境界,卻讓我發現了更具親和力更具抒情之美的鋼琴協奏曲,一首可媲美蕭邦鋼琴協奏曲和拉赫曼尼諾夫鋼琴協奏曲之作,屬於浪漫化的俄國音樂世界,也算是意外的收穫吧!

        三樂章的鋼琴奏曲,於1896年秋天到隔年的五月間完成,並於1897年十月23日於Odessa首演。眾所週知,Scriabin與拉赫曼尼諾夫在莫斯科音樂學院是同學,在師長們如Safonov、Arensky之眼中,對此兩位傑出的學生各有不同的預期,Scriabin被認為是傑出的鋼琴家,而拉赫曼尼諾夫則被視為作曲家,最後的結果揭曉,拉赫曼尼諾夫抱走了鋼琴金牌第一名,而Scriabin則位居第二。最後我們接觸的音樂史、演奏史、唱片史等材料顯示,拉赫曼尼諾夫無論在作曲上和鋼琴演奏上都比Scriabin知名、影響更廣泛。畢竟,光鋼琴協奏曲,拉氏四首中就有兩首成為二十世紀後大受歡迎的名曲,四首全集也幾乎是所有鋼琴家挑戰的里程碑,而Scriabin的鋼琴協奏曲,則冷清許多,寂寞許多。

        三樂章的協奏曲,在鋼琴與管弦樂團之間細膩應和的織體,就比蕭邦鋼琴協奏曲貧弱的管絃樂法出色許多。許多優美動人,讓人留連忘返的旋律,都是從樂團中傾訴、流洩出來的。而同樣是俄國作曲家,Scriabin的少作沒有拉赫曼尼諾夫艱澀難啃的厚重、膠著化不開之深美,而更為清爽清新,但在技巧上則有近似於拉赫曼尼諾夫繁複多變的俄國風味。因此,當初為了消化拉三,同一曲至少聽了十幾次以上(非連續),然而Scriabin的鋼琴協奏曲,聽一兩次就對其俄式抒情產生共鳴。第一樂章與古典曲式聽感中的快板不同,更為抒情、更為細膩優美,醉人之旋律漂蕩輕浮著,在鋼琴與樂團之對話中凝聚力量,發出渴慕之激情,又轉入輕快樂段,由此交錯著,鋪展著抒情與濃烈傾吐之口吻。第二樂章是我最喜愛的樂章,聆聽此曲總讓我浮現某些電影畫面,裝了弱音器的弦樂所鋪展的主題旋律,淡雅抒情,語態自然,像電影鏡頭中籠罩原野的薄霧,緩緩展開憑跳的視野,從此主題開展了鋼琴與樂團五段變奏,第一變奏豎笛與鋼琴之對話,第二變奏詼諧曲般激動了起來,第三變奏鋼琴轉入左手,同樣與弱音弦樂群應和著,第四變奏轉入完全不同的氛圍,鋼琴跳躍著,是最扣人心弦的音樂,也是我最喜歡的變奏,第五變奏,先前的主題再次由弦樂引領著與鋼琴對話,慢慢結束此樂章。隨後轉入的第三樂章,是更有力量、更炫技的一章,充滿著突如其來的情感噴發,是第一章濃烈激情更白熱化的集中,但其第二主題之抒情力量更讓人印象深刻,是此首樂曲最觸動我的一小段音樂。此樂章之動態力量和隨衝突發展而湧現的戲劇張力,讓此曲更有活力,更壯闊,而不流於一往不返的浪漫抒情。

        收錄的其他兩首樂曲,除了火之歌之外,還有交響詩狂喜之詩:The Poem of Ecstasy (Le Poème de l'extase) op. 54,從中可以瞥見Scriabin後期所探究的宗教狂喜之境,如何匯聚成壯盛、嘹亮、充盈一切的聲響齊鳴,雖然其略顯華格納式的浮誇,但仍可見Scriabin如何塑造音樂向上升騰的力量。但此曲與火之歌相比,只是一種片段的冥契體驗,不如後者企圖涵括、容納全人類的命運於一爐。火之歌所運用的色光風琴(Color Organ)的實際演奏,僅透過錄音當然無法得窺聽覺與視覺聯覺並現的極致體驗,但此曲的聲響更為豐富,管風琴、鋼琴、無歌詞之人聲,在曲中交會湧動於壯盛浩大的氣勢中,繽紛燦爛不足以形容之,而從一開始的幽深冥思,轉化成為無所不在的聲響體驗,想必在現場演出中更為過癮,也讓人對Scriabin晚年未完成的作品Preparation for the Final Mystery,結合音樂、色彩、香料與舞蹈的聯覺大作更感好奇。但由於Scriabin這種孤絕的冥契體驗,僅限於自身的狂想、狂喜,對我產生的震撼力還不如先前聽過的Tavener之安魂曲,有更動人的情感深度和人道精神。

以下聽的是鋼琴協奏曲第二樂章,Ugorski與Boulez合演之版本。

2011年12月17日 星期六

交響人生與柴可夫斯基


        神奇的是,因為一部電影,讓我又拿出柴可夫斯基小提琴協奏曲聆聽,還從將近四十個版本中挑出Oistrakh與Kondrashin合演的版本。並接著聽同片中收錄的Glazunov小提琴協奏曲,這首許久未曾重溫的樂曲,聽來備感親切。連愛樂電台都會三不五時響起柴可夫斯基的音樂,Glazunov則冷清許多。

        早已忘記多久之前在電影預告中看到「交響人生」的劇情,就興起想看的念頭。但真正上映時卻錯過了,最後是到亞藝影音租來此片,一解我的好奇心。一開始的莫札特鋼琴協奏曲,塑造的是淪為清潔工的指揮家跟著音樂的節拍忘情地指揮,情感投入,動作有模有樣,但突然響起的手機鈴聲擊碎了他的大夢,揭露出難堪的現實。隨著劇情的發展,顯示出荒謬離奇的喜劇安排,也慢慢浮現讓我意外的主題,原來柴可夫斯基小提琴協奏曲,是此部電影的核心音樂和劇情靈魂。三十年未曾登台的指揮家,要重新網羅淪落於社會底層的樂團樂手,組成一支冒牌樂團於法國公演,本身就是荒誕不經的故事。好不容易解決了諸多困難,到了法國,這些樂手如同烏合之眾,各忙各的,又玩樂又趁機撈一筆,毫無專業樂團的風範,根本無法聚在一起排練。而原訂演出的女小提琴家,也在與指揮聚餐共談後打消演出的念頭,因為她不願意成為指揮家治療傷痛的替代品。

        最後所有的混亂、各自為政,在一封簡訊的串聯下結束。如期舉行的演出,一開始讓人皺眉的失誤連連,獨奏家投以冷峻的、不信任的眼光,但仍賣力演出。而在獨奏家優美樂音之感染下,喚起樂團的過往記憶,脫胎換骨般奏出飽滿扎實的俄國之音,伴隨著獨奏精湛的演出,獲得滿堂喝采並加演的盛況。而演出時獨奏家從訝異到感動的表情變化,曲終與指揮相擁而泣,更是感人的畫面。最後的轉折當然失之於一廂情願和過於美化的完美結局,畢竟三十多年未曾排練的樂手,即使音樂已深入骨髓,但臨時合演能達至一流境界,只能是電影劇情,現實中則不太可能。不過此種矛盾,並非導演在意的重點,藉由音樂來說出感人的故事,才是所有劇情安排匯聚之高潮。最感人的時刻,在影片結束前的十幾分鐘,樂曲的演出從散漫走拍到一氣喝成,扣人心弦,同時也用同一首樂曲串聯起前後三十年時空的變遷和人事之對比,獨奏者也於這種交疊映照中,揭露身世之謎。於是,柴可夫斯基的樂曲,就疊加上了劇情所賦予的追求音樂之美、抵抗政治勢力粗暴干預的美好投射,所有關於劇情的不合理或過於喜劇、巧合的安排等等質疑,在最後磅薄齊奏中煙消雲散。讓人感動的,是音樂的感染力量,讓指揮家在三十年內念念不忘鍾情於音樂之美極致、合諧的世界,由此超越了種族、政治、時間的藩籬,成為人心持續鳴響沛然莫之能禦的力量。

        唱盤上的柴可夫斯基樂曲,早已失去了劇情所賦予的激勵人心的燦爛光輝,但Oistrakh溫暖飽滿的琴音,比之影片更別有風味。然而透過電影的營造,我們聽的又不只是柴可夫斯基的音樂,而是一段笑中有淚的音樂故事。在我早已對這首樂曲失去興趣,久矣不復聆聽柴可夫斯基之後,電影喚起我對這首樂曲的熱情,喚起我多年前著迷這首樂曲,反覆聆聽的回憶。如果能吸引少聽古典音樂的電影迷藉此接觸柴可夫斯基,從中打開音樂之窗,體認音樂之美,就是此電影成功之處了。更讓我興起再次於現場音樂會中感受此曲壯闊優美之念頭,更是這意外邂逅的新機緣了。

以下是電影片段

以下是電影預告

2011年12月14日 星期三

十七世紀英國Viol音樂




        這張十七世紀英國Viol琴音樂,是幾個月前誠品八五折時買的(不過這是古碟的特價品,沒有折扣,後來又看到相近的封面,但是由韻順代理的高價品,不知為何相同曲目有兩種封面、價位?),當時購買的幾張唱片中,這是最早拆封最早聆聽的一張。從彼時到現在,靜夜時分飄盪在臥室的音樂。許久了,一直不想將這張唱片收起來,畢竟Viol的琴音串起了許多夜晚平淡但雋永的生活斷片。

        平淡,是的,最初的聆聽印象就可用此二字概括。妻子總希望睡前聆聽的音樂,不要太多抑揚起伏,太吵雜、動態對比太激烈。為了達成這樣的要求,我總找出手邊的大提琴音樂,巴洛克時期古大提琴的樂聲,總能符合這樣的要求。尤其這張唱片,音量轉小些,更適合夜晚靜謐的氛圍。但是,一旦深入音樂,一旦抓住這些Viol琴的發聲特質,會發現平淡只是表層的初步印象,音樂內裡有著情感蘊蓄、發展、堆疊的細膩變化,如不多次聆聽、深入玩味,很容易錯過隱藏期間的光譜變化,尤其動人的樂音總隱藏在樂曲的中段之後,如不按圖索驥,很容易錯過神來之筆的觸發。

        英國Viol琴音樂之興盛,乃是十六世紀引進義大利音樂後的產物,Viol作為被引進的樂器,經過推廣發展,在十七世紀初達到高峰,在此黃金時代有許多作曲家如O.Gibbons、J.Ward、J.Coperano、T.Lupo、A.Ferrabosco等為代表人物,其後雖然風潮停歇,但依然有一些個別的著名的作曲家如John Jenkins(1592-1678)、Matthew Locke(ca.1630-1677)等承接著Viol音樂之譜寫。透過此張唱片,讓我接觸到未曾接觸過的英國巴洛克早期的作曲家,如Thomas Ford(1580-1648)、John Jenkins、Matthew Locke、Christopher Simpson(ca.1615-1669)的Viol音樂,徜徉於此一時期低吟淺唱的Viol樂音中,渡過好幾個清淡宜人的夜晚。
   關於Christopher Simpson,樂友 Deadlockcp兄 在其網誌中作了介紹,讀之可掌握英國此一時期的政治氛圍和音樂特色。對我而言,Christopher Simpson在第十軌的Divisoins on a Ground,六分多鐘的音樂,在頑固低音上的變奏,深深吸引我的聆聽之耳,是一首百聽不厭的樂曲。簡單、明晰、層次明確,但卻充滿低吟深沉的情感張力,和跌宕飛舞的變化姿態。和第一、二軌收錄的Christopher Simpson兩首Divisoins on a Ground(for two bass-viols)相比,雖僅有一把Viol琴,但音樂比後者的輕快悠揚更具抒情力量。對我而言,改變此張唱片平淡的印象,就是從邂逅此曲開始的。其後,我更著迷於John Jenkins於第十一軌的d小調Fantasia,四分多鐘的音樂,一開始平淡無奇,複音的織體低低吟唱著,但從一分十九秒左右,音樂突然盤旋飛動起來,清雅中帶些歌吟的傾訴口吻,情感更為濃烈,舞動的節奏讓人著迷,是無可言喻的觸動共鳴,每次重聽,我期待的就是這短短幾秒鐘的撞擊。坦白說,此張唱片即使只有此樂段值得留存記憶,其餘的音樂都平淡無趣,也值得讓此唱片列入我的觸動心弦之章。然後又從此曲發現了John Jenkins於第三軌的g小調Fantasia,從一分四十幾秒左右浮漾出一條動態的旋律,雖不如第十一軌般同樣手法所揮灑的深入人心,但也讓我驚豔留連。而Thomas Ford的Pavan and Galiard,出現在十二軌,是所有曲目中演奏時間最長的,七分多鐘的音樂,舞曲曼妙優雅的細膩音樂,從厚實飽滿的低音開始,有種幽深鋪展的意味,一層層地剝開情感的深度,照見其間深不可測的渦流與內裡,又是截然不同的感受。

        對我而言,多次聆聽的體驗,首先習慣了第一軌流暢簡易的音樂,然後發現了第十軌之後一曲一世界的美妙體驗,然後再重新回到前幾軌,慢慢聽出餘味。需要長時間陪伴,付出耐力和關懷,然後,你會發現,音樂說出的,遠比解說文字、遠比匆匆一瞥的聆聽還多、還深、還難以窮盡。兩把Viol琴之交替歌詠,搭配大鍵琴數字低音,卻能在樸實淡雅的表情中深寓耐人尋味的餘韻。

找不到同曲曲目,只好找了John Jenkins 的 Pavan for 2 bass viols,讓樂友領略兩把Viol樂音之美

2011年12月11日 星期日

Dohnányi與高大宜




        在Dohnányi十七歲創作第一號鋼琴五重奏之前,他已有一些作品如弦樂四重奏、六重奏、彌撒曲,幾首鋼琴曲和歌曲,但他卻把這首鋼琴五重奏標示為作品一,因為這是Dohnányi自認為成熟之作的開始。

        1894年Dohnányi於聖誕假期譜寫這首作品,並於隔年年初完成。Dohnányi與室內樂的淵源,可追溯至他的首度登台演出,九歲時演奏莫札特鋼琴四重奏,十一歲演出舒曼鋼琴五重奏。十七歲進入布達佩斯音樂學院學習,他的作曲老師是Hans Koessler,他於1895年夏天向布拉姆斯推薦Dohnányi這首鋼琴五重奏,布拉姆斯讀過作品後,隨即安排此作於11月25日在維也納演出,先前的首演則是在布達佩斯舉行。布拉姆斯對此曲的稱讚是:「我不可能寫出比這更好的作品!」

        第一號鋼琴五重奏,的確是一首成熟之作,主題明確、結構清晰,風格高貴而洗練,充滿浪漫時代樂觀、抒情之氣息。四樂章首尾應和,主題連貫,第一樂章高貴、堂皇之主題,或許受布拉姆斯影響,而呈現濃厚的德式浪漫風格,但Dohnányi能調和他所受的諸多影響:如布拉姆斯、舒曼、華格納、理查史特勞斯等,而形成自己的語法。旋律簡潔明晰、織體綿密,情韻淡然悠長。第二樂章詼諧曲的快速音群近似布拉姆斯,帶有一種驅力,ABA形式,中段Trio是一小段抒情主題。第三樂章慢板更具細膩抒情之美,由大提琴帶出的沉思低吟旋律,則讓人想到舒曼濃厚文學氣息的內斂特質。第四樂章以更亮麗燦爛的色彩展開,但其第二主題也相當迷人。進入六分半之前浮現了第一樂章的主題,應和著第一樂章,作為終曲的一部份,有著更為複雜的發展變化,最後匯流入此樂章壯盛昂揚的主題。

        作於1914年的第二號鋼琴五重奏,是Dohnányi圓熟之作,更能展現他的作曲技巧和深度。與第一號五重奏相比,更為複雜有深意。三樂章的形式更為簡鍊,一氣呵成。第一樂章之主題來自於理查史特勞斯式的合聲,更為幽深凝重,更具有抒情之內斂、冥思力量,在情感上比第一號鋼琴五重奏之明朗、燦爛有更多糾葛、陰影、更耐人尋味,也更難親近。一分三十九秒之主題,讓人動容,雖僅出現幾句隨即消失,但屬於Dohnányi擅長營造的深美氛圍。第二樂章詼諧曲式的變奏,多變的、閃亮的音樂,讓我們從第一樂章的陰鬱、緊張中獲得鬆弛、放鬆。第三樂章以弦樂的賦格開啟,三分四十秒再次浮現第一樂章的主題,五分鐘左右則與原先的主題交融在一起,在隱約中可辨認舊的形貌。此樂章無疑是此首五重奏最精采、技巧最艱難、感情最激盪、深沉的樂章,新的主題與舊的蹤跡交錯漲跌,不是將近二十年前寫的鋼琴五重奏所能企及的艱澀和深度。

        加收的一首高大宜(Kodály,1882-1967)小夜曲作於1919到20年間,這是高大宜個人窮困失意的時期,此曲也不像期待中的小夜曲那般宜人舒暢,而蘊藏著一股寂寥孤寂之情緒。高大宜的音樂語法,比起Dohnányi之精練浪漫化,而有著更樸素、生硬的特色,是一種未經琢磨鍛造而漾現的自然原色,更富民歌氣息。但此曲孤絕、獨吟的氣息,則潛藏在表層的生動、活潑之音型變化之下。和Dohnányi相比,高大宜的音樂更具有原創性、更新鮮、更不諧和,更匈牙利。最吸引我的是,此曲逸離了小夜曲的制式樣貌,而融合了熱情明朗的節奏(第三樂章)和孤吟幽絕的心靈樂聲(第二樂章),是和Dohnányi的浪漫精神截然不同的新鮮體驗。

以下聽的是Dohnányi第一號鋼琴五重奏第一樂章

以下聽的是高大宜Serenade第二樂章

2011年12月8日 星期四

凝思與明燦-兩種豎笛體驗




        透過這張唱片,我第一次接觸到俄國豎笛大師Vladimir Sokolov(1936-1999)的豎笛演奏,重新溫習了布拉姆斯讓人悠然凝思的豎笛三重奏,並接觸到Weber著名的豎笛五重奏,沉浸在溫暖輕揚的豎笛琴音中,還有什麼比這更讓人享受的事情呢?在最近紛忙的生活中,只有豎笛能寧定我的心神。

        Sokolov擔任俄羅斯國立室內交響樂團(SASO)的豎笛首席長達三十年以上,是俄國首屈一指的豎笛大師。對於豎笛,我接觸的不過是Emma Johnson的幾張錄音,以及網誌中曾提過的David Campbell,至於Karl Leister、Richard Stoltzman、Sabine Meyer等豎笛家,雖也有幾張唱片收藏,但都不是衝著演奏家而買的。對於豎笛,我不曾發揮探究鋼琴演奏樣式、風格之精神來比較不同豎笛家之音色、詮釋特色,只是乘興聆聽,自在地感受豎笛溫潤宜人的音色,如此就能暫時滿足我對這個樂器的期待、想像。

        許久未聽布拉姆斯這首豎笛三重奏了,多年以前,布拉姆斯的室內樂和晚期鋼琴小品,是我消憂撫慰的良伴,孤獨者彷彿可以從布拉姆斯的音樂中,照見自己的身影。在著迷於豎笛奏鳴曲(中提琴版)之前,豎笛三重奏是我探測布拉姆斯與豎笛情緣的豐美園圃,我喜歡加入大提琴豐厚溫暖的吟唱,與澄潤靈動的豎笛歌詠細膩地對話、交替歌詠,唱出了晚年布拉姆斯微醺心事,唱出了蕭索秋意中一抹溫厚的、細膩的詩人形象。比起豎笛奏鳴曲,此首三重奏語意情感,更為明白清晰,簡單易懂,由大提琴引領而游移、淺斟清唱的旋律都十分醉人,這是豎笛奏鳴曲中難以體會的感受,也讓此曲更平易近人。

        四樂章的豎笛三重奏,除了第四樂章起伏變化更精鍊之外,其餘三樂章更偏於低吟沉思的風格,有時候更有枯寂空靈之境,此非品嚐過大寂寞、大孤獨者所能揭露、體會之境。尤其第一樂章更淋漓盡致地展現這種視境,其深度和蕭瑟美感,甚至到了讓人不忍卒聽的地步,典籍所載如母猿悲啼,寸寸斷腸之傷心體驗,大略可以彷彿,但實難對外人道也。每次重聽此樂章,總讓我怔忡以對、灑然興悲。直到第二樂章撫慰人心的溫潤笛音浮現,慢板的抒情旋律悠悠吟唱著,總算消解了一些先前積累的鬱悶、骨骾在胸的感受。此樂章大提琴與豎笛之對話,彷彿兩位好友晤對,接膝傾談,鋼琴之聲響則為兩人吐露之話語,在悠然自適中有著淡然的寧靜感。第三樂章又流動了起來,像泉水流入溪澗,激起澄澈的水花,這是四樂章中最淡然無悲,最明淨無暇的樂段,彷彿是為其後的湧動匯聚,調配著聽者的期待,放寬了接納的空間。最後一樂章又墬入豐美多變的織體,節奏鮮明、情感濃烈,但枯寂蕭瑟的氛圍依然。

        Weber豎笛五重奏與布拉姆斯、莫札特齊名,此三位作曲家也是古典、浪漫時代最著名的豎笛音樂作曲家。此首五重奏比布拉姆斯豎笛三重奏深美孤絕之境,更明亮灑脫,更流暢清新,Weber沒有布拉姆斯凝重的音樂織體和情韻塑造,樂句之轉折都清晰可循,飽滿圓潤之笛音如精靈般超群脫俗,聽到Weber這首樂曲,彷彿撥雲見日,重新窺見朗朗大地、明燦萬物。或許,這樣的音樂接在布拉姆斯之後是恰到好處的安排,能讓我從耽溺中回神。或許,古典精神就是針對浪漫體驗一往不返之沉溺、迷醉的一帖良方。

        Sokolov之演奏讓我驚嘆的是笛音轉折無痕,飽滿扎實,又空靈澄澈,自然清新,始終維持著綽有餘裕的神情。不刻意加快速度,沒有故作姿態的表情,讓音樂既妥貼溫潤、餘味無窮又高揚神舉,聽來只覺得舒服順暢。至於另一首史特拉汶斯基為小提琴、豎笛、鋼琴所作的士兵故事組曲,因與此兩首作品情調不和,在此就略過不書了。

以下聽的是Brahms Clarinet Trio Op 114 - I

2011年12月2日 星期五

Avdeeva協奏曲之夜


         昨晚的Avdeeva鋼琴協奏曲之夜,除了最後簽名時不能簽在CD上的遺憾和不快之外,Avdeeva的演奏實在沒話說,兼容了理性思考和詩意情韻之動人性。

        上半場的莫札特,指揮Wilder呈現清暢、優雅的維也納式莫札特風之詮釋,雖然不討好,過於平淡的音樂表情也激不起聽者更強烈的情感共鳴,不過倒是從這樣的演奏,感受到考究的古樂詮釋之浸潤。TSO的表現,已經比我印象中的國內樂團好多了,可見這幾年來,引進許多指揮大師和知名指揮家擔任客座,對提升國內樂團的素質確有成效。當然在蕭邦協奏曲中法國號的出槌,還是引起了不少討論,但是國內一部分的樂迷如果只重視挑錯、正確無誤的演奏,而不能照應到詮釋本身的風格和特色,如此態度並無助於音樂欣賞。

        很多年沒有聽魔笛序曲了,印象中透過唱片,此首音樂總能讓我產生激昂振奮的歡快情緒,不過現場的感染力則打了折扣。結合莫札特第十七號鋼琴協奏曲的伴奏,和哈弗納交響曲的演出來看,指揮Wilder想要呈現的是流暢明晰,優雅新鮮的莫札特,這應該是目前古樂風格的一種面貌,因此他以更快更輕活的速度引導著樂團,而Avdeeva則很貼心地配合著,於是就有網友覺得指揮太趕。從詮釋風格來看,Wilder之理念不一定不能呈現,輕快優雅的莫札特也有其魅力,但是TSO受限於合奏密度之不足和音量之有限,也因此聽來更接近室內樂的簡潔風,更適合較小的音樂廳(某方面來說切合於莫札特當的時代特色),在較大的音樂廳,則不容易討好所有的聽者,而Avdeeva之觸鍵,也改以更輕巧澄澈的靈活之音配合,更接近於古鋼琴之韻味,而不強調琴音的穿透性和力度,也因此聽來木管聲或樂團聲會掩蓋鋼琴,而距離更遠之座位,聽來不如預期飽滿、響亮,但這都是可預期可接受的現場體驗。此次音樂會之準備,只找了很少聽的第十七號鋼琴協奏曲,是Abbado與Serkin之演奏版本,Abbado同樣也採用精簡的近似於室內樂團之詮釋,但是樂團質素高,轉折頓點比Wilder之輕滑更明確,而Serkin雖不如Avdeeva年輕單純,但返老還童式的精簡凝鍊,依然比Avdeeva之靈巧流暢更有餘味。但是此首協奏曲雖然優美,但缺少引人注目之動態變化,加上Wilder之詮釋過於節制,聽來稍有沉悶之感,而許多鋼琴與樂團的對話也欠缺一些細膩性,但還不至於各唱各的調。至於哈弗納交響曲,節慶歡樂之氣息還不夠到位,不過由於第四樂章是我相當喜歡的音樂,聽到這一樂章還是十分投入。

        最後一首大曲蕭邦第二號鋼琴協奏曲,Avdeeva一出手,就展現出與莫札特協奏曲不同的觸鍵質感和音色變化,Avdeeva蕭邦不是俄式鋼琴家飽滿有力陽剛味十足的一路,而是細膩詩情中有理性的、一擊到位的力量。Avdeeva的觸鍵不強調穿透力和飽滿度,音色也不屬於燦爛明亮之色澤,但她對於樂句之鋪陳和音樂性、情感之拿捏,的確別有會心,會吸引聆聽之耳緊緊跟著她的琴音,翻越蕭邦少年時期的初戀、稚嫩、淺愁輕唱。更重要的是,Avdeeva之詮釋,沒有耽溺故作姿態之處,她是以對音樂整體綜觀之方式帶出蕭邦音樂之全貌,而不在局部細節作誇示、強調、沉浸之處理,既精簡明確地點到為止,卻又能透出餘韻和詩情,展現出蕭邦清新抒情之詩人形象。最讓我陶醉的大概是第二樂章後半如夢般的思慕主題,餘韻繞樑,難以忘懷。兩首馬祖卡安可曲,第二首Op.67-4是我相當喜歡的一首,沒有樂團的獨奏,更讓人感受Avdeeva對於蕭邦的詮釋,能在熟悉之音樂中發現新鮮的體驗,情感是傳統的,讓人懷念的蕭邦抒情之美,而技巧和思考則是現代的,不出之以驚人炫世之面貌,在簡鍊流暢中自有深味可尋。

        最後排隊等簽名之時,發現等候簽名者的平均年齡更低了,像我這種青壯年接近中年大叔的愛樂者,反而不多。可見Avdeeva對年輕人的號召力。雖然事先準備好的唱片臨時被迫收起來不能簽,稍有不快,也只好接受。心想可能是協奏演出,要兼顧指揮的面子,所以獨奏家的唱片不能簽。真是如此還是另有原因,還是主辦單位這個「象」跟某動物耳朵一樣規矩、限制多,就不得而知了。

以下聽的是Yulianna Avdeeva 演奏 Mozart Piano Sonata No. 6 in D major, K. 284 'Dürnitz' 1. Allegro

2011年11月29日 星期二

Galuppi宗教聲樂曲




         我的義大利作曲家Galuppi之旅,在這張唱片結束後將暫時凍結,待春暖花開時解凍,但春信之蹤跡無憑,目前只得逡巡於過往的點點足印,以慰Galuppi音樂之思。

        已經習慣於Galuppi音樂的陪伴,一步步地在網誌披荊斬棘,留下觸興動情之痕。驀然回首,才發現Galuppi之樂音稀少得可憐。我不習慣在Youtube上找尋Galuppi音樂之斷簡殘音,彷彿是對原作之閹割和巧取豪奪,我寧可寄望於唱片行中不起眼的一角,寂寞的Galuppi隱藏在其中,靜待我拂去塵埃,發出巧遇適興之滿足。

        目前,這種想望,應該是落空了。不過前陣子發行的這張Galuppi新片,早在博客來新片訊息一出,就被我列入必買清單中。上市後很順利地購入,如今各大唱片行應該也可輕易入手。此唱片是加強型CD,樂曲的歌辭收錄於內附的PDF中,夾頁之解說則精簡許多。也因此,平常可見的義大利文與英文之歌辭對照,參照起來更為費事。如此作法自有環保考量,但我還是更懷念厚厚解說冊頁的年代。

        五首宗教樂曲,包含Dixit Dominus(上主說)、Nisi Dominus(除了主之外)、Kyrie(垂憐經)、Gloria(榮耀經)、Credo(信經)。由Prandi指揮Ghislieri合唱團及合奏團演出。我對此團毫無既定印象,全憑著Galuppi,讓我毫無保留地接納這樣的詮釋和音樂。Prandi的詮釋,似乎走中庸路線,沒有現代化古樂的輕巧和生動感,但也不是傳統演奏法之莊嚴、深邃挖掘的路線。也因此依然能照應到Galuppi音樂中精巧流暢的音樂線和鮮活明燦的歌劇風,尤其Galuppi最擅長的優美歌詠和如歌劇詠嘆調之聲腔、聲部對話,依然是此張唱片中讓人滿意的音樂風格。

        但這些宗教樂曲,卻讓我盤桓多次後方得略有所感,已非先前震盪心靈的共鳴和沁心感所能比。唯一的例外是第一組宗教曲Dixit Dominus(上主說),五樂章中,前四個樂章一曲一變,深具搖憾情感的力量。從第一樂章深具表現力的管絃樂法,即揭示出此套樂曲充滿著情感交織之戲劇張力,此種凝聚之力量,是Galuppi讓人不可解的謎團,深具魅力,彷彿毒癮般難以戒除。一曲一世界,第一樂章即是此五樂章之縮影,其情感之跌宕變換,極具力量。第二樂章更以女高音與女聲合唱細膩對話為特色,帶點親暱之抒情口吻,又是不同的光景。第三樂章更以奇詭的和聲吸引我的注意,晦暗之陰影揮之不去,讓穿插於其中的女聲歌詠更純淨、可貴。第四樂章則以更為溫柔、抒情、清暢的女高音歌詠讓人懷念。第五樂章則與首樂章應和,這似乎也是Galuppi慣用的手法,在陌生中遇見熟識的音樂,更會烙下刻痕。

        其餘的四組宗教樂曲,都沒有此曲鮮明直截的感染力般動人。也因此一開始無法吸引我的注意。直到反覆聽了幾次後,才略能領授其平淡中的虔敬之情。這幾首Galuppi樂曲,需要更耐心地陪伴,方能在嚴冬過後,綻放鮮潤的光采。輕易地帶過,輕率地聆聽,都是對Galuppi音樂之褻瀆。其中吸引我的還有第三組Kyrie(垂憐經),雖只有兩樂章,同樣也充滿張力和情感深度之樂音,很容易浮出水面,濺射出耀眼的光芒。這是Galuppi1746年之作,也是其早年之作,更可見其有血有肉,盈溢飽滿情感和燦爛管絃樂之特色,相較而言更晚之作如Gloria(榮耀經)作於1779、Credo(信經)作於1781,則更顯的枯淡平實,而第一組Dixit Dominus(上主說)則無明確的紀年可考。但是多聽幾次後,更可以感受到Gloria(榮耀經)和Credo(信經)中,Galuppi不依靠華麗管弦樂之歌劇作風,更能將人聲、樂團、與宗教情感結合,情感更為真摯,也更傾向於簡鍊的古典曲風。這才是這些樂曲乍聽之下不甚出色,卻更具後勁之原因。

以下聽的是Galuppi: Dixit Dominus(Psalm 110 for choir in G minor),由Ghislieri Choir & Consort演出。

2011年11月26日 星期六

書櫃拍照及其他

        在展覽前抽空返回南部老家,一時興起,拿起相機拍了書櫃,一格格拍攝,按照書櫃之排列,而不按照書籍之種類。拍照動機,不是炫耀自己的藏書,實際上,有人是一卡車一卡車地灑錢買書,也有人刻意網羅二手書店之孤本、珍本書,作為收藏沽寶之途。對我而言,除了提醒自己有什麼書留在南部老家外,也記錄著自己從國中到研究所之間,閱讀活動之變化,沒什麼好炫燿的,畢竟藏書比我多者比比皆是。然而在之後的研究生活和家庭生活中,這些過往的書籍,無論是讀過或未曾讀過的,放在老家後,只怕更難一讀了。有些尚有學術用途的,正好趁此拍照的時機,留下紀錄,方便我需要時按照片索驥,得以快速找到。留下紀錄也避免自己糊塗,買到重複的書,雖然書和唱片一樣,數量一多,四處散置,不常親近,記憶一模糊,重覆購買是不可免的。

        最近已很少買書了,一來家中空間有限,再像大學、研究所一般肆無忌憚地購書,再買一個樓層也不夠放。二來距離台大圖書館走路也不到二十分鐘,騎鐵馬更快,需要時到圖書館借用即可,不必跟自己的小朋友、跟自己的家庭空間過意不去,再來書是買來讀的,不是拿來展示的。但是與學術有關的重要書籍,非買不可還是會出手,只是要更精、更善於撿擇。

        過往買書過於隨性,是以積累了許多至今看來毫無用處的閒書。過往與現在買書的類別,大抵如下,最早以勵志書、生活散文為主,國高中時代則搜集了遠景版金庸小說全集,和不少袖珍本古龍小說,其餘倪匡、諸葛青雲、梁羽生則點綴而已。當時也喜歡閱讀歷史小說,蒐集幾本高陽歷史小說,其餘都是從文化中心圖書館借閱而得。也喜歡科幻小說,最早的幾本星艦迷航記的小說也是購於此時。除此之外,高中時喜讀詩詞,也有一些注釋本詩詞選集。大學之後,中文本科的課業要求,自然有許多花費在本科的基本經典上,十三經、史記、說文解字、資治通鑑、左傳,都是必備的書籍,更不用說除了考研究所才會翻檢的聲韻、訓詁類書。但本科的學習中,我最喜歡詩詞類,尤其詞勝於詩,因其幽微情思,尤其觸動維特之煩惱。關於詞集、詞學研究,也累積了不少專門的書籍,詩集、詩學研究亦然。除此之外,小說,尤其是明清小說,也有部分的網羅。現代文學方面,則專力於現代詩的閱讀、創作模仿,尤其喜歡楊牧的散文、現代詩、洛夫、鄭愁予之現代詩,現代小說、散文之閱讀,則不如詩歌之所好。但比之於書法、古典音樂,現代詩更是一時隨性為之而已。與文學相提並論的是對思想的興趣,中西思想皆然,有許多老子莊子的研究,以及西方哲學史之著作,是當時購入閱讀的,要不是研究所考試思想成績不盡理想,也許就轉以思想為學術研究之重心,而非文學。但兼及文學與思想,又融入對藝術之興趣,則讓我在文學批評之視域中,更傾向於美學、藝術哲學。除此之外,西方的翻譯文學,主要的經典作品,也都是大學時期閱讀、購買而來的。尤其我幾乎買了讀了卡爾維諾小說,打開我對現代小說的視野,除了最近發行的《在美洲虎太陽下》尚未購入外,卡爾維諾是我幾乎蒐集且讀完全集的現代作家。其它從十七八世紀以來的經典小說,以及當時流行的翻譯小說,雖然尚未定論成經典,也隨性購買,其中米蘭昆德拉、安伯托.艾可之作是搜羅較多的。日本的小說對三島由紀夫、夏目漱石較有興趣,對村上村樹則不著迷。

        閱讀之外,書法字帖、書論、篆刻印譜;中西繪畫的畫冊、博物館圖冊、藝術家的畫冊,也在能力所及和興趣之下努力蒐羅。其中,最值得一談的,就是書法中的「書譜」雜誌和篆刻中的「印林」雜誌,雖然都不全,但當時從光華橋下的光華市場舊書攤中,賣力地找了好幾次,才東湊西湊而成。與此類似的是巨匠藝術雜誌,傳統繪畫和近現代畫家較為齊全(但跟全集依然還有距離),西方繪畫則缺散更多,都是在光華商場一本本地比對名單編號,網羅而來,但也沒有閒錢各買兩套全集了(雖然看起來比較有質感,更可以炫燿),但我還是相當懷念窮學生抱著對藝術之美的好奇心,接觸到一個個完全沒聽過的畫家名字和畫風而興奮不已。我常想,如果大學時沒有花這麼多資本在購買書法、藝術類的書籍,又買了跟學術研究不相干的閒書、雜書,而將之投注於唱片上,想必目前唱片早就破萬張了。但有得有失,閒書有閒書拓展眼界之作用,不讓我變成只專注於學術領域內的學究而不通世事;藝術書籍也讓我拓展了審美心胸,不讓我眼中只有古典音樂而排擠了其他接近美的藝術體驗。

        研究所之後,買書更不手軟,相對於老家中幾櫃的閒書、藝術書籍,北部的家更有超過於此的學術書籍。碩士論文以葉維廉美學為題,連帶地網羅了許多比較文學的書,現在覺得太多了。但在此之前,西方文論和現代美學、藝術論、哲學之類的書籍也有所涉獵,除了讓我感興趣的現象學,其餘結構、解構主義、後現代主義、女性主義、神話學等則隨性點染,與此相較,傳統文論如詩話、詞話之原典、詩詞批評之二手研究;詩品、文心雕龍等以六朝為主的文論、詩人文集等,比大學時更擴充了好幾倍。與此同時,古典小說、詩詞論著,依然不曾放過。在博士班之後,我日益體認到閱讀原典之重要,就很少購買二手研究了,除了與博論有關的題材之外。博士班之後接觸的閒書中,最讓我印象深刻的是,艾希莫夫的基地與帝國、機器人系列小說,是科幻類的經典之一,其餘像菲力浦‧普曼「黑暗元素三部曲」、盧基揚年科的「巡者」系列、史迪格‧拉森的「千禧年三部曲」,則是之後新讀的作品,但都不如艾西莫夫讓我震撼。目前還想讀的閒書,是亞瑟克拉克的「拉瑪」系列四部曲、布蘭登•山德森的「迷霧之子」三部曲,還有納博科夫的小說、評論、村上村樹1Q84、法蘭克薛慶、(威爾森的時間漩渦則尚未購入),書都有了,卻無時間可讀,只好等論文寫完再說。更不用說還有許多非閒書但與學術活動有關之著作,也排隊等著!至於博士班之後累積的字帖和書法、篆刻類之專輯、古典音樂類之書籍,也所在多有,反而繪畫類就很少再碰了。

        因為博論之寫作,讓我熟讀先秦漢魏晉南北朝詩,又對一些先秦典籍下過工夫,讀詩和讀古文之語感早非大學、研究所所能比。先前讀來覺得困難的,如今已能掌握其基本語意,剩下的就是細部個別字詞的解釋問題而已。對於魏晉六朝詩也如此,大學時喜歡的唐詩、宋詞,如今反覺得不如魏晉、先秦之詩歌來得深厚有味,六朝之駢偶文字,也更能欣賞其文詞之美與構思之奇,這是自己閱讀視境之改變,連帶的也提高了自己書寫古文之能力。

        從拍書櫃閑扯、灌水,映帶出如許文字,大略僅點出了自己與書籍、閱讀的緣分,相對的,創作就擱下了。但這幾年經營部落格,則是讓自己在抒詞賦境之面向有了練習的機會,至少讓我生疏之語詞,得以在訓練中依然跟得上心念電轉之流布,雖然距離作家之咬文嚼字,尚有許多光年之距離,能交代生活瑣事描繪自己之美感體驗,如斯之園地已足。從所學所讀來看,吾之宜古宜今,不偏中西,尚有痕跡可循。古則願能探頤傳統文化之精髓,今則於現代文明之科幻、未來世界維持想像、人性之興趣;中則以傳統典籍為好,西則參照西儒哲匠、文論家之所探究精思,予我深入思考之觸發。同時亦兼容視覺、聽覺之知覺體驗,融書法、音樂之藝術體驗於文字閱讀之視野中,優游自在,無求於人,無可炫示於人,唯以文藝自適。而在家庭上盡心、於友朋間用心,培養一己游藝品賞之美感,斯願已足。欲認識一人者,先從其所讀所喜之事入手,以見其人如何陶養造就,此文雖小,可以喻大。

(ps 僅從所拍的八十張選出幾張,其於更完整的會分享在臉書,但也不是全貌。不需要一本本呈現,僅以書櫃可見之角度便於我翻查而已。)















2011年11月23日 星期三

Mendelssohn鋼琴曲選輯


        除了鋼琴獨奏小品無言歌之外,Mendelssohn還有許多獨特的鋼琴曲,值得探究。先前已在網誌分享過的 Rondo capriccioso ,是我相當喜歡的一首,還有Variations serieuses(莊嚴變奏曲),Op54,也是常被錄音的知名樂曲。手邊Rondo capriccioso有九個版本(皆包含Cyril Huvé此版)、Variations serieuses有八個版本,均非刻意搜羅而來,卻是手邊Mendelssohn鋼琴曲中版本數較多的曲目。其次,Prelude and Fugue,Op35 No.1有三版,是另一首讓我注目的樂曲。除此之外,此張專輯又收錄了更少見的曲目:Scottish Fantasy,Op28、Three Studies,Op104,再點綴幾首無言歌,就成為此張選曲獨特,讓人耳目一新的古鋼琴Mendelssohn詮釋。

        Rondo capriccioso有著Mendelssohn早慧的火花,如同十七歲創作的仲夏夜之夢一般。有著真摯如夢的純粹和無憂無慮。古鋼琴的演奏,讓此樂曲更為純淨靈動。Scottish Fantasy,是Mendelssohn1829年遊歷蘇格蘭之後,於1833年譜寫的鋼琴曲,題贈給Moscheles,此曲依然可見蘇格蘭多霧的原野,對於Mendelssohn詩意想像的觸動和深邃的情感刻畫,也迴盪著近似於Fingal’ Cave的奇詭繽紛之色彩。此首三樂章十五分鐘左右的樂曲,是整張專輯中演奏時間最長的樂曲,聽了幾次之後,我將這首第一次接觸的樂曲,列為意外觸動和驚喜之來源。尤其是第一樂章之深廣幅度和第三樂章急版之燦爛生動,如旋風般席捲,都讓人印象深刻。

        Prelude and Fugue,是Mendelssohn研究巴哈平均律鋼琴曲集而產生的模擬之作,巴洛克對位音樂的繁複、立體又簡潔的精神Mendelssohn學來唯妙唯肖。又不僅於此,Mendelssohn在巴洛克形式中注入了浪漫精神,以更飽滿的情感深度和細膩氛圍之塑造,強烈之動態對比,賦予此曲更具神采的個人特色。Mendelssohn這種兼容巴哈精神與個人才氣、演奏視域的曲風,無疑啟發了浪漫時期鑽研巴哈音樂,而出之以新的音樂語彙,復興巴哈精神的作曲家如Franck與Reger、Busoni之創作。Variations serieuses(莊嚴變奏曲)是Mendelssohn最著名的一首變奏曲,受擅長變奏曲的貝多芬影響,也同時承繼著巴哈對位音樂之精神,此曲的簡潔、流暢、精巧自然和磅薄氣勢,更足以展現Mendelssohn古典氣質中的浪漫性。三首練習曲在知名的練習曲如蕭邦、李斯特、德布西等作中,是較不起眼的無名之作,但可以瞥見Mendelssohn涉足於此一曲類的新意所展現的個人特色。

        法國古鋼琴家Cyril Huvé,是智利鋼琴大師Arrau的弟子,也向匈牙利鋼琴大師Cziffra請益學習過。此張專輯演奏的樂器,是1840年的古鋼琴Broadwood,用古鋼琴詮釋同時代的Mendelssohn,在氣質上比之於現代鋼琴更為冷硬的音色,有著更讓人滿意的溫潤舒適感。高音清亮燦爛而不尖銳,低音溫厚自然而不具有壓迫感,交替呈現的時候,聲響織體不會互相干擾,高低音自然均衡地呈現,讓Mendelssohn樂曲如歌的一面更淋漓盡致地展現出來。當然,在展現技巧和輝煌樂段的力度和暢快感,不如現代鋼琴飽滿生動之穿透力,讓人過癮神動,但由於錄音優異,古鋼琴的色澤和動態,依然有不遜於現代鋼琴之表現力。尤其是獨特的選曲,讓我接觸到Mendelssohn更多動人的珠玉之音,是收穫豐碩的旅程。Cyril Huvé別出心裁地在最後一軌中收錄了舒曼為了紀念Mendelssohn而譜寫的短曲「Erinnerung 4 XI 1847」(記得1847年11月4日,後收入舒曼Album for youth,Op68)Mendelssohn逝世的一天,一首觸動人心的紀念短章,記錄了兩位作曲家的情誼。

以下聽的是孟德爾頌Prelude and Fugue,Op35 No.1,Serkin之現場演奏版

以下聽的是Perahia演奏孟德爾頌的Scottish Fantasy

以下聽的是Nelson Freire孟德爾頌Variations Sérieuses之現場演出

2011年11月20日 星期日

Laks,Szymanowski,Ravel


        此張專輯收錄的Szymanowski(1882-1937)、Ravel(1875-1937)、Laks(1901-1983)的弦樂四重奏,其中Szymanowski的Nocturne & Tarantella,Op28原為鋼琴與小提琴所作,2005年由Szymanowski四重奏委託Myroslaw Skoryk改編成弦樂四重奏。這正是為了十月初的Szymanowski四重奏的現場演出所購買的專輯,除了引起我重新注意到Ravel四重奏之外,也讓我接觸到Laks這位較冷門的波蘭作曲家。

        忍痛購入這張所費不貲(將近600元)的專輯,除了是對一個新興四重奏團的好奇、冒險嘗試之外,也是我開啟Szymanowski音樂之旅的啟程點。此張專輯的曲目,策劃重心以法國為主題、而聚焦在舞曲和民謠音樂。除了三位作曲家都與法國巴黎這個城市有關之外,樂曲中也都蘊含著舞曲風格和受民謠影響的旋律節奏,如此別具觀點的曲目安排,如同Szymanowski四重奏另一張專輯,以維也納串起貝多芬到魏本的四重奏樂章一般,都別有巧思,兼及了熟悉的作曲家,和很少浮現在聽域中的名字。

        拉威爾的四重奏,先前已分享過,切合主題的是第四樂章的舞曲。先前聽慣了Melos四重奏的詮釋,可以發現兩團樂風之不同。Melos四重奏讓拉威爾的樂曲更為立體浮凸,嚴整精練,而Szymanowski四重奏,則更以流暢生動的方式詮釋,比之於第二樂章,Melos四重奏之嚴整讓撥奏之呈現層次更清晰,而Szymanowski四重奏則稍顯凌亂不整,這是我聽過最大的區別。Szymanowski的Nocturne & Tarantella,是Szymanowski早期的作品,Szymanowski於曲中援引了南歐的音樂素材,包含了西班牙舞曲和西西里傳統,這是Szymanowski探究波蘭音樂傳統之前,醉心於歐洲音樂傳統的時期。寫作此曲的同時,Szymanowski正譜寫另一首小提琴作品「神話」,由希臘神話汲取靈感之作。因此此二曲有相近的語法和色澤表現。尤其Nocturne在西班牙舞曲憂愁又熱情的旋律結束之後,四分鐘左右一段更內斂、更冥思的樂音,小提琴在超高把位上的低吟,別具特色,然而僅閃現一瞥,即進入Tarantella更引人律動連翩的樂章,激情、飽滿、熱切的音樂襲捲著,製造出既熾熱又渴望的音樂情緒,應該說,是舞曲的熱情力量讓趨於內斂深思的Szymanowski,有著冰火交融的情感迴旋,吸引人盤旋墜落,耽溺在表面張力之律動與內在引力之渦流冷凝間。一種巧妙的搭配,一種氣質的噴湧,迂迴地,以敞開的口吻招引著聽者,冷不防地,被內裡的幽微性和神祕性襲捲著,不由自主讓音樂重新來過。

        Laks之作更接近於受新古典主義之影響的風格展現,其四重奏中也容納了許多民謠元素,尤其是波蘭風。Laks曾被拘留於Auachwitz集中營,擔任抄譜員和營區樂團之指揮。此種經歷讓樂曲烙下了陰影,尤其是第二樂章,充滿著寬慰性、深沉的悲哀和幽深之情緒,在前後以舞曲風為特色的樂章之間,成為最吸引聽域注目的動人樂章。對於悲慘無能為力的困境,音樂的救贖能力只是蒼白的指間音符,然而,這樣的音樂,還是有貞定人心的力量,因為它蘊含了同情心、關懷與悲憫力量,是無聲的語言,連綴所有受苦心靈的無形支柱。在此情境之下,心靈渴望音樂的存在,音樂說出了被拘禁的人們所不敢說出的話語,將希望的根苗散播在這些人的心底,即使相當微渺、讓人不敢奢望的音符,終究能引導這些受苦的心靈,不論即將步向刑室的步伐,或痛苦地看著熟悉的身影消逝的眼光,感受一星點身而為人的存在感。Laks的音樂或他所指揮的樂曲,必然都在這些默默無名者的心間扎根、流淌,蔚成片段美好的風景,即使鍍上了苦澀的辛酸。此樂章,是此專輯最讓我意外而眷戀的一抹嘆息,即使每次重聽,免不了心情激盪和陰沉懷想,但這是人性必經的焠鍊,焠鍊心靈同情與悲憫的敏銳性,不受冷漠淡然的世界影響。且喚起了多年前觀賞電影、閱讀辛德勒名單小說的震撼衝擊。一曲六分多鐘的音樂,說出了太多音符之外的故事,而更多音樂無法傳達的故事,則消逝在遺忘中,只有憑藉藝術的關懷力量,才能重新淘洗歷史,發現被湮沒的人性,卑微地堅持著自己的光芒。

以下聽的是Simon Laks - String Quartet No. 3 第二樂章 ,由Messages Quartet演出

2011年11月17日 星期四

兩首法國弦樂四重奏




        一個半月前,為了準備齊瑪諾夫斯基四重奏的音樂會,拿出這張拉威爾弦樂四重奏複習,當時預習的重心,應在齊瑪諾夫斯基四重奏曲,也為此買了幾張齊瑪諾夫斯基的四重奏唱片,但真正聽出心得的,卻是拉威爾這首四重奏,尤其是第二樂章的撥奏,喚起了我多年以前接觸此首樂曲的模糊印象,多年後,此樂章依然讓我難忘,以至於一聽即有感覺,是過去與現在的奇妙交會。

        相信多年以前,這張專輯必定更難咀嚼,拉威爾和德布西這兩位法國代表作曲家,我尚未仔細探勘的處女地。當時我喜歡拉威爾從鋼琴編寫為管絃樂曲的幾首樂曲,喜歡德布西的鋼琴獨奏曲,可是他們的室內樂如四重奏、小提琴奏鳴曲,卻引不起太大的共鳴。這張專輯可能聽過幾次後就擱置著,但沒想到,拉威爾四重奏第二樂章,多年後依然有印象。如今,我更能欣賞第一樂章抒情優雅的美妙和聲,如同先前說過的,此一樂章讓我置身於秋意蕭索的氛圍,感受落葉在秋風中瑟縮、飄落,灑滿水塘一地。然而,是誰驚起這樣的幻想?是第二樂章,活潑有力的撥奏傳來爽朗的暖風,撥奏後傳來的駘宕主題,更具有酥暖怡人的氣息,轉入中段後,迎來的是弱音演奏的靜謐樂段,這更是讓人心醉神迷的精緻樂音,彷彿情侶依偎著,彼此醉倒在對方的凝視中。如此迷人的樂音一閃而逝,撥奏的主題逐漸插入吟唱歌詠中,一次次地加深,終於又將音樂帶往一開始的熱鬧、飛揚,盤旋舞動的主題中。

        拉威爾的這首四重奏,首演後引起注目,有批評家認為一位新的作曲巨星就此誕生,也有人認為此曲是法朗克與德布西之後,法國最傑出的四重奏。其實拉威爾學習德布西之處相當明顯,同樣是四個樂章,第二樂章都有撥奏,第三樂章都是以弱音演奏的慢板旋律,兩首樂曲同時聆聽、前後對照,不言可喻。德布西曾要求拉威爾不要進行任何修改,但拉威爾依然大幅度地修改,更讓人好奇,當初首演的原貌為何?

        我是先喜歡上拉威爾這首四重奏,才慢慢接受德布西這首作品。尤其現場聆聽過拉威爾此曲的演出,當樂音響起時,我依稀還記得現場演出的專注感、以及讓人屏息以對的眼神交流。拉威爾的第三樂章同樣精妙無比,情志幽深,彷彿靜夜中流布成紋的水流,自有其讓人陷入冥思神遊的魅力。也是我相當喜歡的樂章。而德布西的四重奏,讓我觸動的是第三樂章,此樂章與拉威爾之悠緩神遊,有著近似的情調氛圍,在聽了好幾次之後,此樂章自然地攫取我的聆聽之耳,德布西處理素材比拉威爾更見精簡,且更為自然,在一段優美的弱音導奏之後,由小提琴帶出的主題再轉交大提琴,這是淡雅抒情的旋律,稍微激烈之後又回歸平淡。接下來中提琴奏出的另一個主題,隨著發展後三分十幾秒進入我最喜歡的樂段,此旋律發展升溫,四分後再匯聚成噴湧而發的一句,僅此一閃而逝的激情,隨即隱沒,返回先前的恬靜凝思,彷彿噴濺的激情只是空幻,不曾存在過,但我卻永遠記得被觸動的那一刻。讓我深深沉醉於德布西這種集濃烈遣懷與平淡口吻於一身的音樂魅力,這是拉威爾第三樂章的精巧抒情所比不上的激情噴發,即使只有一剎那,卻讓我銘刻記念。

以下聽的是Hagen Quartet現場演奏拉威爾四重奏第二樂章

以下聽的是Debussy - String Quartet in G minor 第三樂章,Emerson String Quartet演出

2011年11月13日 星期日

Dohnányi又一章




        匈牙利作曲家Dohnányi的豎琴與室內樂團的小協奏曲,作於1952年,在Dohnányi過世前八年。先前縈繞在Dohnányi作品中的思鄉情懷已淡然,此曲有著更為精巧的豎琴展技和更細膩的室內樂團聲部、樂器與豎琴對話的音樂性,大略以慢快慢的速度進行三樂章,最讓我喜歡的是第一樂章。

        第一樂章二分鐘左右浮現的法國號,讓我想起同樣也擅長譜寫溫潤法國號音樂的布拉姆斯,此段音樂悠揚清淡,先由豎琴與法國號對話,陸續加入其他木管樂聲,從素淨之氛圍逐漸加溫,進入更具有動態、聲響交錯的燦爛樂段,五分多鐘後,讓人懷念的法國號主題再次出現,逡巡於各樂器之間。第二樂章詼諧曲形式,迴盪著孟德爾頌般清新亮麗之色澤,豎琴與其他樂器之對話更為多變、熱鬧。第三樂章更別有巧思,由豎琴獨奏開場,隨之迎來一段雙簧管之精巧旋律,空靈抒情,與豎琴之搭配天衣無縫,然後樂團才加入這樣的對話中,如同清晨慢慢甦醒的萬物,由靜謐到群響齊鳴,卻不覺得喧鬧,依然是清淡悠遠的。如同籠罩在薄霧之中,慢慢地淡出,此樂章大有國畫意境,空無虛靈盈溢天地之間。

        六重奏作於1935年,是Dohnányi最後一部大型室內樂之作。此曲的編制特殊,由小、中、大提琴與豎笛、法國號和鋼琴組成。獨特的組合,讓聽域有著嶄新的體驗,此樂曲的情感幅度和力量,都比豎琴小協奏曲更為濃烈、飽滿,更可見出Dohnányi在室內樂上精緻、細膩的呼應,和自然天成的浪漫精神,我想,這應該是布拉姆斯大力稱讚Dohnányi室內樂之作最大的原因吧。此首六重奏四個樂章將近半小時,從濃烈、激情的第一樂章,轉入風格反差極大的第二樂章(冥思的氣氛轉入兇猛的音型再返回一開始的氛圍),再到第三樂章的變奏曲,是更為溫潤悠揚的體驗,由豎笛帶出的主題逐漸加溫發展,最後匯歸於燦爛的高潮。此曲最讓我印象深刻的是第四樂章,有著模仿爵士樂的暢快主題,輕巧跌宕,卻以堅實的樂曲支撐著,傳達著愉悅、明快、自在的氛圍,則是此曲最讓人意外之體驗。因此,根本上我應該不排斥爵士樂,但要像Dohnányi此樂章般有著深厚的古典技法和織體表現,而不是聽似輕浮、虛無飄渺的嘲諷、油滑之音。

       六首鋼琴短曲組成的樂曲,則是讓我一瞥Dohnányi鋼琴音樂的窗口。我欣賞於這些樂曲的簡短、隨性,彷彿一幅幅小巧的繪畫,搖曳在窗台,逗引我想像音符之外的情景、故事,這裡有著匈牙利的節奏、舞曲的跳躍、泥土的氣味,也有著狀似德布西音樂般相互映照的晶瑩流動,不需要猜測圖畫的名字,只要感受音樂的迴盪。最後一曲別有意義,乃是Dohnányi在其兒子死於俄國戰俘營之後所寫的,也因此其情感意蘊更為深沉,鋼琴以如鈴般的敲擊,扣問著什麼無法解答的問題,交織成轟然巨響,激切噴湧之音,讓人動容。Dohnányi的另一個兒子,也在納粹的集中營中過世。我想,這是旁人難以理解的生命之痛。

        坦白說,Dohnányi的這張唱片並不容易消化,讓我的書寫計畫一延再延,臨時再插入其他的聆樂體驗,只為了能有真正的情感觸發再吐納於文字間。也無法記數這個月以來究竟聽過幾次,不過,當我碰觸到Dohnányi音樂的內在時,我知道,虛懸已久的情感終將釋放,進入網誌中,是水到渠成之事。

以下聽的是Dohnányi六重奏第四樂章

以下聽的是Dohnányi鋼琴曲Op.41第一、五曲(可惜找不到第六曲)

2011年11月9日 星期三

十朋首展邀請函與雜感小記




        月底的展覽專輯,尚在校稿編印中,邀請卡已完成,故放上網誌並略誌心情。

        對於書家而言,展覽是近期成果展現的機會,或個展或合展或聯展,不同的形式也考驗著書家準備作品、布置場地,呈現藝術理念的比重程度。個展依然是遙不可及的未來式,書法家有對個展小心翼翼,終身不願意為之,直到晚年被力邀而展者如戴蘭村先生,於七十四歲時舉行個展,先前僅以合展展出。因此既非專業書家,如我者,亦不須設想何時舉行個展。而聯展先前已參加過盤石書會和標準草書學會之會員展,是學會按照行程舉行的會員活動,也非操之在己者,僅以一幅或不到四幅之作入展,也無法盡窺全貌。而合展則由於人數少,個別參展者作品有一定數量,更足以展現臨池之所得。盤石十朋此次首展後,預計三年一展,正是檢視有無體悟、有無新境之機會。

        幾個月前作品已送裱、拍照,最近校稿,方又重睹,略有陌生之感?何則?此數幅作都經由長時間的反覆書寫,熟練上手,並適應不同種類之紙張,最後鈐印完成,無論臨帖或自運,其線條形貌早已於腦海留下軌跡。但這幾個月來依然書寫不輟,當時或有可滿足者,以今日之眼視之,竟又有不足之處,加上比對於十朋諸位師兄之作,亦深覺有未逮之處,所謂當下已足,過後則悔。然則展覽諸作,可視為個人書跡之代表,但又已為過往陳跡之一部分,或有佳處,則不必眷戀;或缺點畢露,則應藉此機會觀摩諸兄所作,以作未來臨寫、創作之鑑。同展之諸兄,有書名已著者,有迭獲大獎者,自己之作在水準上雖無以比肩,然藉附驥尾之便得以吸收參展經驗,亦是平日埋首寫字之外的藝事活動之所需。

        興趣之所在,其成就者並不在成名得利,而是一種個人生活、生命、懷抱理想之所寄。先前在臉書上分享前輩書家戴蘭村先生生平簡述。其關於書法的謹慎、投入,終生以對,不驕不吝,讓人感佩。並在此摘錄其名言佳句,以作為惕厲:

        「還沒把字寫好,怎敢開個展?」

可見其自我要求之高,旁人所見已極佳,足以展出示人,然戴老深自要求,其所謂好之標準已非與時人相提並論,而是與古人為友。


        「書法是一輩子的事、是自己的事─要淡泊。寫書法,連想要別人稱讚你的字寫得好的念頭都不要有。字寫得好不好,500年後再說!若是500年後你的字還有人在稱頌、流傳,那才能算是經得起考驗,是真正的好字。」

寫書法是個人孤獨的修業,能得他人稱賞,不枉平素苦對諸帖之時日,然則有意於他人稱譽者,或輕從流俗,或率以自滿,則有待於人,非真知書、體書、樂書者。不計毀譽,不措心於時名,以求爭千秋之後,此境甚高,唯淡泊名利,樂在其中者,不能道之。然千秋之名,身後何以知之,既無法知之,更毋需挂懷。

        「心中要有古人,腕下要有自己,眼中要有別人。」

臨古、己意同時而行,不盲從流俗,不見獵心喜於易得名之時體,唯師古善化,轉益多師,亦不泥於古,可謂善學。既得古人之精神,又能出之以個人之體貌氣度,兩者兼備,自有字外餘味可尋。然成家者最忌以己度人,目中無他人。不如己者能見其殊異處之所在,略示提點,以助其長進;與己不同者能兼納其異,肯定其所得,不輕以己之美感標準評度他人,兼容其美,此非胸襟開闊、視野寬廣者不能履之。

2011年11月7日 星期一

震撼人心的安魂曲


        有些音樂讓我猶疑再三,不得其門而入,費力地鑽研、持續聆聽,終於找到進入之路徑;有些音樂聽過一二次後即被撼動,並以其難以抗拒的力量改變了我預訂的書寫計畫,從而澎沛為文,下筆不能自休。難以遏止文字的奔湧濺射,此蓋其有觸於中,旁通於外,超乎理智之所能規矩安排,而出之於自然的感悟。此兩種音樂並無高下可言,但當網誌之書寫,堆疊了許多待發抒之音樂,卻缺少浮上檯面的衝力,後者的出現,對我不啻天降甘霖。

        不需要勤讀內頁介紹,也不需要對照安魂曲歌詞聆聽,光是音樂本身,就足以讓我文思泉湧,行於所當行。或許在搜尋小提琴、大提琴協奏曲的過程中,發現這張唱片,兩年前發行的專輯,正好在我書寫塔維納(John Tavener,1944- )的「護紗」之聽感的同時。當時卻沒有深入蒐集塔維納的其他曲目,只是舊片回顧並深入挖掘的新體驗而已,因此錯過了此張專輯。但緣分之巧妙實難以臆測,兩年後,我再次被塔維納吸引,墜入其精深幽遠的浩大世界,被撞擊、被震撼得迹近無語的體驗,正是巧合中有必然。因為在Tavener護紗之後,我又吸納了許多現當代作曲家之作。原先看到網站介紹:「泰凡納:安魂曲」,細讀其簡介,就決定列入購片清單中,除了曲目之引人注目外,也抱著認識一新作曲家的興奮感。拿到唱片後,瞥見作曲家的全名,才發現泰凡納云云,全然是美麗的誤會,這不就是先前聽過的「護紗」之作者:Tavener嗎?

        不知為何,這一年多積累的近百張新購唱片中,我迫不急待拿出最近買的這首安魂曲聆聽,博客來網頁中已有介紹,我就不再贅述。吸引我的正是Tavener於安魂曲中,融合各種宗教宗派之語言和精神所構築的超俗之音。第一次聽的時候,已備受震撼,曾以音響和耳機各聽一次,才發現如此壯盛深邃的樂音,必須共響在天地間,如此才不辜負其轟鳴震響的浩然之氣,最讓我期盼的,可能是現場音樂會的演出共振吧!然而如此冷門曲目,在台灣可能絕無可能出現。七樂章的安魂曲,由大提琴引領而出的渾沌之音,深沉悠遠,既高拔又扎實,馬上將人引領至超脫凡俗的世界。女高音揚起的浩渺之音,從合唱聲群中超拔而出,與大提琴盤旋蜿蜒,清亮高舉,讓人仰望,如此清寂脫俗之聲響,怎不讓人滌淨凡俗塵擾之心。我不需要分辨希伯萊文、梵文、希臘文、阿拉伯文的禱詞之不同音感,畢竟這些語言只是邁向匯通之大道、超脫凡俗之競逐、隔閡的基本語彙,更重要的是,人心如何在此音樂撞擊之下,感悟猥瑣、庸俗、競名逐利之可憐可憫。Tavener讓此安魂曲既交融著飄邈高昇的仰望情懷,又盈滿著脫俗深思的歌詠盤旋,更以其浩大、飽滿、充實的驚人氣勢,和至剛至強的聲響彌滿之力,讓人震慄、讓人無語、讓人仰望並投身其中,進入如宇宙初開般的共響共振。如此磅薄的氣勢和雄渾的至大之氣,至剛之力量,可化為至柔之祈求,至柔之升騰,則能轉化成至剛之盈滿,不需要語言的轉譯,也能感受這種境界。這就是音樂的力量,突破語言、知識的隔閡,直指人心。與這種浩大剛強的氣勢相比(尤其是第四樂章、第七樂章),馬勒交響曲的宇宙之音,變成一種地域性的個人獨白,個人狂妄自負的表現。我想,既然現代作曲家能譜寫這種樂曲,那麼馬勒的時代,終將成為明日黃花,因為後起的作曲家,必然有足以超越馬勒的胸懷和氣度之處,透過其更精準的管絃樂語法,傳達這種對人類、對世界的關懷境界。只是可悲的是,可能大約要經過一百年後,世人的精神水平才能達至新的水平(前提是人類持續進步),從而厭倦、揚棄馬勒,擁抱如Tavener此曲般的正大渾厚。

        對我而言,Tavener以新的語言,鎔鑄人性的關懷,達到超越種族、文明的限制,傳播出新的世界語言,新的宗教音樂之境界。幽深虔敬與磅薄大氣交疊盤旋,豈不是如老子的「道」、莊子的「氣」,喬治盧卡斯Starwar的「原力」般至深至遠,包裹宇宙、盈滿人心,只在此樂中。此片堪稱是今年的聆樂之旅中,最讓我感到震撼、動容的音樂,故馬上提筆成文,分享給大家。

以下聽的是Tavener: Requiem Fragments - BBC Proms 2014

2011年11月5日 星期六

在Cras的水聲中聽見東方


        法國作曲家Cras的唱片,先前已介紹過兩張,分別是室內樂大提琴曲、三重奏和鋼琴獨奏,實際上定音鼓(timpani)這間唱片公司,有更多Cras的曲目可以聆聽,目前也只是管窺幾張而已。原先的兩張,乃是和樂友癡漢一起在新天新地購得,當時限於預算,只能從三、四種(後來再去發現更多)Cras的樂曲中,挑選兩張,卻割捨了這張雙CD內含鋼琴協奏曲的專輯,而癡漢則帶走了這張。雖然之後我們不曾交換過關於Cras的心得,不過我對此張專輯始終念念不忘,幾週後,確定Cras合我脾味後(就算不合也暫時擱置,日後聽感精進再挑戰),我馬上購入此張專輯,並一併帶走Cras其他讓我有興趣的曲目。

        Cras總能帶給我意外的驚喜。不過初聽此首鋼琴協奏曲,卻不得其門而入,聽感對不上,聽過一兩次未曾湧現任何感動,因此擱置著,斷斷續續地溫習,直到昨天,再聽時慢慢覺得第三樂章的某一主題相當悅耳,再聽又對第一樂章產生共鳴,聚沙成塔,頻率對了,終於聽出音樂的特色和觸動我的樂章,這就是第三樂章第二主題,一段東方韻味,五聲音階的旋律,在多次聆聽後就此進駐我的內心!

        事後追想,為何前幾次聆聽沒有感受到這迥異於西方音樂織體的東方味呢?也許聆聽時不夠專注,心有旁鶩,減損了聲音的感染力,也許聽的次數不夠,對音樂不夠熟悉,以致於我冷落Cras許久,直到今天。

        第三樂章之東方主題,從一分鐘開始,如同揭開水鄉澤國的畫卷,盪漾著菱歌泛舟,採蓮女清曲悠揚,荷香浮動,飄颺在輕風款款間,即使一閃而逝之舟影衣香,亦不妨礙詩人浮想聯翩,沉醉在如斯江南蓮動漁舟下之清景無限。就是這段東方韻味的聲音,讓我徜徉懸想,想到採蓮謠,倒映在波心的悠然自在,如此簡淨、如此愜意,逸趣天真。抽象的音樂,有時候也需要聽者神入神思,方得靈動起來,於心間迤邐出一幅幅光景鮮明的古典畫卷。

        再反覆聆聽略為幽寂如星空的第二樂章,赫然發現東方主題的簡單動機,早已隱藏在三分五十秒左右,當之後大提琴以歌詠的抒情口吻,宣洩出讓人心醉的旋律時(這是第二樂章最美的時刻),點綴琴音之後的,是鋼琴點點躍動,清淡應和的樂音,如不仔細聽,如對第三樂章第二主題不熟,很容易錯過兩者的隱然承接。對我來說,第三樂章從一開始的號角轉入弦樂齊奏的第一主題,再到鋼琴點點吟唱之第二主題,呈現了繽紛多彩的管絃樂色澤,和流動的音樂體驗。而三分鐘十幾秒處最是旖旎動人。Cras不愧是以管弦樂寫水景的專家,其水象可以洶湧澎湃,如第一樂章第一主題般壯闊,也可以娟秀如歌謠,如同第三樂章第二主題,也可以奔濺如瀑布,如第三樂章四分十幾秒處加入的發展,在他的音樂想像中,弦樂的鋪展流布,如同水紋的交疊相映,而鋼琴的加入,更讓水滴的形質更有變化,可以是瑩澈如珠玉的連綴滾動,也可以是震盪湧濺的滔滔大河、浩渺海天。Cras是一位不仔細聆聽就很容易錯過的作曲家,他的音樂變化自由,卻有清晰的脈絡可循,只要掌握主題(第三樂章是一分半以前),反覆聆聽,就等於拿到船票,得以一覽讓Cras迷醉的浩瀚大洋,體會海風、巨浪、星空閃爍之壯景。

以下聽的是Jean Cras - Piano Concerto

2011年11月3日 星期四

Scherbakov鋼琴獨奏會


        今晚俄國鋼琴家Scherbakov的鋼琴獨奏會,技巧絕頂不說,氣勢驚人地展現出貝多芬交響曲鏗鏘有力、雄健輝煌的浩大場面,讓人印象深刻,堪稱是今年聽過最過癮的音樂會。

        應該說,下半場的振奮人心,超乎我意料之外。音樂會之前,已購入Scherbakov李斯特鋼琴版貝多芬交響曲全集,且聽過第一、二號交響曲,但我刻意不聽第五號,打算留待現場,當作第一手的初體驗。由於已聽過李斯特改編的貝多芬交響曲,已適應鋼琴表現交響樂團的能力和侷限,但當命運交響曲熟悉的動機源源不絕地敲擊奔湧而來,一霎時間的震撼和衝擊真難以形容,我隨即浮現出交響樂版的第五號主題、旋律、和聲和動機,隨著鋼琴的突圍前進,時而鏗鳴巨響,時而細如流水,清晰的音粒、暢快的推力、轟鳴的音浪,讓我耳不暇接,當心中的樂團與鋼琴聲共振應和,撼動著我的身軀,進入一種迷醉冥合的狀態,隨音樂節奏和撞擊聲擺動著,彷彿正聽著樂團齊奏的壯盛音場。

        三首安可曲不談,主場曲目最折服我的就是這首交響曲,其次是巴哈前奏曲、巴哈夏康舞曲,讓我稍有保留的是貝多芬的熱情。Scherbakov不愧是李斯特和拉赫曼尼諾夫的專家,艱澀的樂段在技巧上毫無遲滯之處,高音處清亮有力,低音扎實簡鍊,上半場還只是牛刀小試,下半場方顯真功夫,俄羅斯學派訓練出來的技巧和音樂處理之影響清晰可見。可貴的是,Scherbakov在極大音量轉折到弱音之處,交代得毫不含糊,收放自如。而且兼容讓人亢奮的驅力貫注和細部條理的清晰,也因此巴哈前奏曲在此曲是最簡短清淡的,但Scherbakov輕鬆愜意的彈奏卻讓我留戀不已。夏康舞曲早有Michelangeli的名演在前,又有紀辛的新一代演繹,Scherbakov以其生動暢快的詮釋,自成一新技巧典範。但也許先前深受Michelangeli之版本影響,Scherbakov在樂句的細膩處理和音色之變化等面向,稍遜於Michelangeli之匠意獨創,也許我對音色之要求迥異於常人,也因此某些Michelangeli讓我感動的樂句,在Scherbakov的指下則自然有力地帶過,略顯平淡,但Scherbakov所交疊出來的聲響幅度和暢快驅力,則有勝過Michelangeli之處。貝多芬的熱情也是如此,源於我對貝多芬音樂的喜愛,不太能接受這種李斯特化的貝多芬,雖然Scherbakov狂飆的觸擊和暢快轟鳴的簡捷有力,頗切合於貝多芬構思時受到觸發的莎士比亞「暴風雨」戲劇情境。但我仍期盼能聽到更細膩的樂句和情感處理。Scherbakov的現場演奏,讓人聯想到Richter熱情奏鳴曲現場名演,狂飆激速的酣暢感,動態對比強烈,根本不是錄音技術所能捕捉的,因此能在現場聽到正宗俄國學派詮釋的貝多芬熱情奏鳴曲,也許也跟當時聽到Richter現場演出的聽眾一樣幸運。更不用說絕少聽到的貝多芬交響曲鋼琴版,僅下半場一曲,就值回票價。

        簽名的時候準備了第二、五號交響曲的CD封面,Scherbakov直接橫放書寫,留下了既工整又流暢自然的字跡,正好直立著,與封面李斯特的圖像並排,也許Scherbakov出於對李斯特的敬意,避開圖像不簽,也許只是我想太多了!


以下聽的是Franz Liszt Beethoven Symphony No 5 in C minor, S464 R128 I Allegro con brio transcription,由Scherbakov演出

2011年11月1日 星期二

長笛鐫刻的布拉姆斯




        布拉姆斯兩首豎笛奏鳴曲,是絢爛晚霞餘暉中的一抹光影,讓人留戀其溫潤中悠然簡淡的餘韻,透過豎笛圓潤輕盈的歌詠,感受布拉姆斯晚年澄澈明朗的心境,而其幽微難明的情感也隱現其中。

        原先以為這兩首豎笛奏鳴曲,就只有豎笛、中提琴、小提琴的樂器演奏搭配,中提琴和小提琴則是作曲家自己改編的。然而無意間找出自己手邊的這張舊藏CD,發現原來豎笛也被改編成長笛演奏,迫不及待地抽出聆聽。發現這張唱片純屬巧合,正好在上次那張布拉姆斯豎笛奏鳴曲聽完後歸入唱片櫃時,在同一牌的附近發現此張唱片。但巧合中也有必然,因為這兩張唱片雖不屬於相同的廠牌,但同為雙木林代理的唱片,被我歸放於相近的唱片空間中,近水樓臺先得月,相同的曲目不同的樂器,怎不讓人好奇?

        更吸引我的是第二號小提琴奏鳴曲改編成的長笛版,更是完全新鮮的體驗。也讓我在第一時間就從此首樂曲聽起。雖然第二號小提琴奏鳴曲,不如第一號「雨之歌」有名,也不如第三號內斂厚重的情感深度,而在氛圍上是悠揚明暢、清晰易懂的,與兩首豎笛奏鳴曲搭配成聯章,在情韻上更貼近。長笛演繹的小提琴奏鳴曲,多了純淨鮮潔的明亮色澤,在情感的迭宕起伏上更為流動自然,我最喜歡的第二樂章,融合抒情的旋律和輕快的詼諧樂段,在長笛的吹奏下更為輕盈舞動,如花落閒潭、搖曳生姿,是小提琴燦爛撥奏之外的另一種餘韻之流衍。而抒情旋律在長笛瑩澈的音色下,顯得更為淡雅素淨,溫潤自然。如果小提琴演奏同樣的樂段,會透過連綿的抒情長句而具有更強烈的感染力,但長笛不論音色或樂句的串聯,都是發乎情止乎禮的平易中和之音,除了淡化布拉姆斯音樂的內蘊張力,也賦予此首樂曲更遺世獨立的幽寂感。此張專輯只聽這一首樂曲,就讓我相當滿足了。

        而豎笛奏鳴曲轉由長笛吟唱,也沖淡了豎笛圓潤琴音所暗示的空寂之情,但巧妙的是,布拉姆斯音樂中孤寂幽深的情感依然存在著,而且也在長笛空靈澄澈的音色中,注入一些暖色系,屬於人間的色澤,卻依然保有某種超群脫俗的孤芳自賞之心境,而布拉姆斯幽微的心情,也在無形中被鍍上一層金黃色的光芒,折射出一個豐饒、自足、恬靜自適的悠然世界。這樣的布拉姆斯,純淨得有些陌生,安逸得讓人意外,但背影依稀,還是那個讓我們負手觀海,胸懷濤湧的布拉姆斯,獨自咀嚼盈滿天地的寂寞。

找不到長笛版的第二號小提琴奏鳴曲第二樂章,還是聽小提琴原版,這是由兩大巨匠Oistrakh & Richter合演的夢幻版本。

2011年10月28日 星期五

Galuppi弦樂協奏曲




        第一次聽這張Galuppi弦樂協奏曲七首Concerti a quattro(大協奏曲),在前幾軌發現似曾相識的音響,仔細凝思,想到先前寫過的一張Galuppi歌劇詠嘆調選集,專輯中收錄的兩首協奏曲,原來正在這組大協奏曲中。先前聽過的版本較為精緻、抒情、清爽有力,如今聽的版本更為樸實無華,乍聽之下平平無奇,可是仔細聽過兩三次後,我更欣賞這種樸實真誠的自然之音。

        所謂清爽有力和樸實無華之間的對照,最鮮明的就是速度,三樂章慢快快的形式,在先前的選輯中慢板更慢,快版更快(尤其第一號協奏曲第三樂章更明顯),營造出從深沉的感傷情緒,轉折到跳盪對位的明快節奏之對比,而這張唱片的詮釋則不在細部作太多的渲染安排,用更為直截輕率、自然的速度,來呈現Galuppi樂章間的快慢對比。而純就弦樂的音色而言,選輯版偏向於空靈優美的氛圍塑造,而此張專輯則更為飽滿明亮。從演奏的細緻度和現代感而言,選輯版更討好,但從耐聽度而言,我不得不承認,此張專輯自有其一席之地。這不是聽一兩次就會受吸引的版本,但只要感覺對了,頻率對了,此種樸實無奇,不花俏的自然演奏,更具有直指人心的力量。

        七首協奏曲中,最讓我念念不忘的,是第四號協奏曲第二樂章,僅僅三分多鐘的音樂,Galuppi讓對位的旋律不斷綿延伸展,轉折無痕,自然明暢又飽滿生動,在重複中有變化,有發展,既明燦自然又立體豐厚,層層的音浪襲捲交織,讓人甘於滅頂。不由自主隨音樂搖頭晃腦,彷彿不透過身體的律動則無法應和音樂的鳴響。每次重聽此專輯,我等的就是此樂章音樂的再次流淌、漫延、彷彿墜入無盡循環的悲欣交織中,而自在從容。從此一樂章可以窺見Galuppi音樂的簡潔、明燦、抒情美、精巧又自然的風格。而這個義大利樂團樸實無華的飽滿流暢的聲色交織,也讓此樂章更為雋永耐聽。

        Galuppi的這些協奏曲,可以見出晚期巴洛克對位風格轉變到古典時代簡潔明晰作風的變化,他的這些作品,已經預示了莫札特清爽自然的明淨色澤。七首協奏曲,除了第二首由四樂章慢快慢快組成,其餘六首都是三樂章慢快行或慢行快的形式。和先前聽過的Galuppi鋼琴奏鳴曲慢快二樂章,多出了第三樂章,但基本精神依然維持著。第一樂章的慢板,以莊嚴的、沉靜的氣質發抒某種內在的情感和深沉的幽思,有著引人入勝、觸動心弦的深刻感染力,這也是最能發揮Galuppi音樂抒情之美的樂章。進入第二樂章的快版,大都是對位的明快的、交疊的音樂,氣氛因而轉變,進入流動的、豐厚的耀眼旋律,帶領聽者跳脫先前的感傷,進入無憂無慮的聲響世界。第三樂章或比第二樂章稍慢些,或更為明暢,也維持著明燦生動的語態。我最喜歡第五號協奏曲的第三樂章,有著灑脫、清爽的氣息,尤其在音樂後半段飛揚而起的樂音,彷彿被簇擁著升騰到雲端,如此清暢悠然。第七號協奏曲第二樂章的明快簡潔,都讓人想到古典時代的音樂特色,但和古典主義更為飽滿多層次的聲響織體相比,Galuppi這些音樂有著更靈活,無拘無束的姿態,更清爽淡雅的餘韻,更多變的曲式銜接和風格承遞,其純粹的抒情美感和歌詠語態,讓其音樂散發出迷人的魅力,讓人留連不已。

以下聽的是Baldassarre Galuppi之Concerto a quattro No.1 in G minor

2011年10月25日 星期二

臺日篆刻交流展雜感


        臺灣印社與日本篆刻家學會交流,十月22日至十一月3日,於國父紀念館載之軒、翠亨藝廊舉行「臺日篆刻交流展」。筆者有幸蒞臨現場觀摩,看到日本會員人數最多的篆刻家學會展出的篆刻作品(載之軒),以及代表台灣篆刻界砥柱的臺灣印社成員展覽(翠亨藝廊),是最近看得最過癮的篆刻展,雖然僅匆匆一瞥,旁觀開幕式、揮毫活動及半個上午的展場,略有幾點心得可分享。

        篆刻在日本風氣之盛和人數之廣,只怕比台灣有過之而無不及。在日本日展的書藝活動中,篆刻與其他四類書法(漢字、かな、少字數、近代詩文)並列為五大類型。從此次展覽的規模和參展者之眾,可看出其風氣之廣。當然兩個展場所呈現的台、日兩地篆刻風格和面貌之不同,正可作為交流借鑑之立足點。日本篆刻兼容書法、繪畫、拓碑、藝術設計等面向,其展覽大都以二到四方左右的大印為主,搭配各具巧思的版面設計,使會場呈現出風姿迥異的繽紛變化。其版面設計包含印面、邊款的搭配、書法款識或短文、詩語之鋪陳、加上別具設計感的國畫、布置著碑帖、瓦當、劍紋,而有種樸茂奇逸的風格,當然也有近似於台灣傳統樣式的印面鋪陳方式,也有融入外文、現代語句等更具創意的內容,但大體而言,是以大印為主,展現雄強渾厚的大氣風格。這種篆刻面貌的呈現,是在日本對漢字、篆文熟悉度有限的限制下,開展的一種更適合於藝術展場的表現方式,某方面而言既補足了其先天不足的缺陷,又別有新貌巧思,值得借鑑參考。而其篆刻流風又深受吳昌碩、鄧散木等海派、虞山派之印風影響,吳、鄧二人之印,自有其樸茂渾厚又雄強奇肆之特點,正適合於展放成大印。因此如果搭配得宜,設計巧妙,印章雖少,但依然可見刻印功力之深淺、刀法運用之跌宕,以及佈局設計之整體感,加上我又深迷吳昌碩,也參照過鄧散木,因此,對日本的印風格外感到親切。

        而臺灣印社所展出的台灣代表篆刻家之作,則更具傳統風貌和溫潤儒雅的文人精神。篆刻作品之呈顯,在印面及風格之展現上更為多元,篆刻家所展出之印章方數,遠遠超過日本兩三方大印之呈現,因此更可以細觀個別篆刻家的印風、刀法變化。但是就整個展場而言,呈現作品之方式過於近似,除少數在版面上運用藝術設計而有新風貌的呈現,其餘大都承繼傳統,在印面展現的方式上,不如日本變化多端,純粹是篆刻藝術的呈現,不涵攝書法、繪畫、拓碑等其他藝術。如果鋪陳得宜,依然有其清爽可觀的佈局和細緻多方的印風、印面、邊款之搭配,但如果印數過多,無邊款之搭配或版面之安排,則稍嫌枯板無趣。當然,受限於一人一幅的展覽形式,自無法兼容不同的表現方式。因此,要如何兼顧傳統的文人意趣和多面印之佈局安排,以及少數大印之空間設計,此次展覽的觀摩,當有助於篆刻家(或書法家兼展篆刻)在安排作品、協調展覽空間之呈現上,提供一些觸發。

        此次展覽,除了在開幕式結束後看到中日篆刻家、書法家現場揮毫之外,有幸在多年後遇見蔡雄祥老師,與老師簡短的攀談,是最值得留念的。大學時代,蔡老師一直是書法社篆刻組的篆刻老師,從創社以來持續指導,直到我畢業後離開書法社多年,老師才委由其學生古燿華接任,最近聽說書法社已無法延續,甚感可惜。大學時及畢業後,曾為了充人數而上過幾次的篆刻例會,也曾蒙蔡老師口授指點過,但當時尚未戮力於篆刻。如今十多年後再次看見老師的雋朗風采,才深感此行不虛。老師詢問愛強的近況,我也如實回覆。之後碰巧有幸能與薛老師、蔡老師合照,留下美好的紀念。雖然對於篆刻,我一直沒有戮力以赴,毫無建樹,不值得張揚,但隨興所至,也自能悠遊其中。無法以此成名(浮名無憑,非我所求),至少能月旦諸家、探驪三昧,而形成自我的藝術美學觀,也不枉這幾年浸潤所得了。






        

               

2011年10月23日 星期日

豎笛的題獻與紀念




         這張唱片收錄了德國作曲家Heinrch Baermann(1784-1847)、英國作曲家Bliss(1891-1975)、Finzi(1901-1956)、Geoffrey Bush(1920-1998)、Joseph Horovitz(1926- )、馬爾他(Malta)作曲家Charles Camilleri(1931-2009)、法國作曲家Schmitt(1870-1958)、俄國作曲家Rachmaninov(1873-1943)、義大利作曲家Busoni(1866-1924)與豎笛有關的樂曲,不僅拓寬了豎笛風景的優美樂音,也讓我認識到更多知名的、不知名的作曲家的豎笛音樂。進入一個樂器的領域,就會碰觸到不同的作曲家,與這個樂器有關的私密音樂。

        專輯名稱「Tributes」(致敬、題獻)是雙關語彙。這是英國豎笛名家David Campbell(1973- )為其學生Connie Cottee所演奏的音樂會專輯。Connie Cottee是一位愛爾蘭業餘豎笛家,固定參加David Campbell與Archibald所指導的周末豎笛研習班,因癌症去世。在她2000年夏天去世前兩個月,家人邀請David Campbell為她舉行一場音樂會,演奏的都是Connie喜愛的樂曲。而這些豎笛樂曲,大都是作曲家題獻給豎笛家之作,比如Baermann(十九世紀最偉大的豎笛演奏家,Weber為他寫了許多著名的豎笛作品)為豎笛家Alan Campell寫的慢板、Busoni 為瑞士豎笛家Edmondo Allegra寫的悲歌、Bliss為其豎笛家兄長寫的田園曲、Finzi為英國女豎笛家Pauline Juler寫的五首小品、Geoffrey Bush題獻給五位作曲家的爵士小品、Joseph Horovitz為英國豎笛大師Gevaise de Peyer寫的小奏鳴曲、Charles Camilleri為英國豎笛家Jack Brymer寫的小協奏曲等。這些作品,不僅是題獻給這些豎笛名家之作,也是向業餘豎笛家Connie 致敬之舉,所不同的是,其他作曲家透過作品向豎笛家題獻,而David Campbell則透過演奏,向自己愛好豎笛的學生致敬。

        除了Baermann是十九世紀初的作曲家,其餘都是十九世紀末到二十世紀初之作。但在樂風上,除了Geoffrey Bush、Joseph Horovitz之作,有更為爵士化的現代風味之外,Finzi介於兩者之間,兼有傳統的溫潤抒情和更活潑的現代跳盪感。其餘的作品都是短章精緻的、溫柔的歌詠。最讓我印象深刻的是,Charles Camilleri豎笛小協奏曲,由作曲家改編成豎笛與鋼琴合奏的第二樂章,如此空靈優美、輕巧細膩,豎笛之音色彷彿漂浮於聲響之流中,浮動在雲端薄霧間,輕柔飽滿又吹彈可破。而Rachmaninov聲樂練習曲vocalise,除了聲樂演唱之外,更常見的是由鋼琴、小提琴改編的版本,但此處由豎笛演奏,更讓人驚艷。由於豎笛音色與女高音近似,其溫潤抒情的優美歌唱性,更比鋼琴和小提琴版多了些淡雅飄渺的餘韻,是此張唱片中最讓我意外且動容的樂章,也是陌生風景中的舊識。衝著這首樂曲購入此唱片就相當值得了,何況還有其他更繽紛多彩、繁花似錦的豎笛音樂,等待有心人嚐鮮。

        透過這張專輯,讓我領略到豎笛變化多端的音色和技巧之展現,與古典時代著名的豎笛名作相比,帶有爵士化的樂曲,開拓了豎笛的表現能力,快速奔放的音符與流利跌宕的音型,應和著節奏的跳動,讓豎笛脫下端莊的、矜持的面具,搖身一變成為渾身散發魅力、舉手投足間流露出性感挑逗的口吻,爵士風的豎笛更具有一種隱黯幽微的風姿,有著完全不同的活潑野性和青春氣息。此張專輯,就交錯著優緩如歌的溫潤之聲,和大膽神秘的放懷舞動,展現豎笛音樂的多面性。

以下聽的是Rachmaninov的vocalise,法國女高音Natalie Dessay演唱(我較喜歡此版)

以下聽的是Rachmaninov的vocalise,女高音Fleming演唱

以下聽的是Rachmaninov的vocalise,豎笛與鋼琴的版本。演奏者是Swedish-American clarinetist MARCUS FORSS

以下聽的是Rachmaninov的vocalise,David Oistrakh小提琴版

2011年10月21日 星期五

Perahia鋼琴獨奏會


        這一晚(今天凌晨完成,依然維持前一晚的語態)Perahia的鋼琴獨奏會,真是讓人印象深刻的演出。和我去年蕭邦音樂節聽過的幾場演奏會相比,精采度有過之而無不及。Perahia證明了即使因為手傷而被迫暫時離開舞台,憑著毅力和耐力,復出後還能讓演奏更上一層樓,達到了可觀的水準。

        雖然,之後還安排了Scherbakov師生的音樂會,一場獨奏一場協奏,想必都是很可觀的體驗,但是Perahia多年焠鍊的觸鍵,收發由心的音色變化,以及琴音的穿透力,實在不容小覷。上半場的曲目是典型的3B,巴哈的法國組曲、貝多芬的鋼琴奏鳴曲、布拉姆斯晚年鋼琴曲,考驗著演奏家掌握對位、和聲、古典與浪漫語法之間的傳移變化。下半場的舒曼兒時情景和蕭邦的三首鋼琴曲,則考驗著演奏家對於浪漫時代兩種鋼琴詩語之發抒,一者想像聯翩,一者瑰麗華美,各有其趣。從曲目的安排,可以知道這是扎扎實實的技巧與音樂性、結構與詩意的展現。無論是巴哈的清爽靈動、貝多芬的剛毅勁健、布拉姆斯的溫厚深情、舒曼的奇景想像、蕭邦的縱逸奔放,Perahia都能恰如其分地展現其各自的聲響美和情韻美,兼顧了技巧的掌握和內涵的挖掘。而灌注於這些曲目之間的,是Perahia對音樂的細膩解讀和對於技巧大膽的、自信的展現。他在強音處能有驚人的穿透力和飽滿的觸鍵,從我最後一排最頂端的位置聽來,毫不薄弱;在弱音處同樣也是盈滿而細膩的,尤其是音符的延展和迴響,有其言外之意的情韻捕捉。可惜的是,觀眾過快的掌聲往往破壞了Perahia貫注於最後一個音符尾韻的餘情安排,在貝多芬鋼琴奏鳴曲是如此,舒曼兒時情景也是如此。

        Perahia的巴哈,不是乾淨得一塵不染的純動感的躍進,而是在踏瓣的運用下,依然能保持聲響的交錯應和和流暢的織體行進,在清爽、清新的巴哈音樂中,注入了聲部處理的細膩性和情意的挖掘,展現了既乾淨又立體的聆聽感受。Perahia詮釋的巴哈,在此場音樂中是我最滿意最無法挑剔的(也許可能跟最近少聽巴哈有關?)而他的貝多芬,音質和觸鍵都與巴哈不同,淋漓盡致地展現了貝多芬音樂中剛毅性與抒情性交融的內在矛盾。第二十七號奏鳴曲第二樂章,是貝多芬奏鳴曲中我相當喜歡的一曲,如果Perahia能讓此樂章的音樂更為流暢如歌,更接近舒伯特般的圓潤發聲,更為放鬆自在,則會讓我更陶醉。布拉姆斯的晚期鋼琴小品Perahia也能呈現布氏晚期音樂幽深、溫暖的一面,不過如能在更為緊湊的演奏幅度中,加入一些更溫潤、更淡雅的情懷,會讓音樂更迷人,雖然也有一些技巧上的閃失,雖然明顯到令人大為意外,但瑕不掩瑜,現場演出的賣力和專注性是相當高的。

        中場休息時,調音師入場調音,我想也許是Perahia在上半場的敲擊,讓某些音走位偏差了。下半場的舒曼兒時情景,是相當溫暖動人的音樂,不過Perahia的兒時情景,畢竟和霍洛維茲不同,雖然霍洛維茲對Perahia的指導對Perahia影響非常大,但要成為大師,必須提出自己的藝術見解。霍洛維茲的兒時情景,瑩澈自然的觸鍵,彷若返老還童般清新有趣,而Perahia之詮釋則更為嚴謹,展現其對樂句深思的處理。聽來如同成年人所回想懷念的兒時點滴,充滿著溫暖的情懷,但卻是早已逝去的美好回憶。蕭邦的前奏曲、馬祖卡舞曲、詼諧曲等,在更為奔放華麗的燦爛色澤之展現外,底層依然維持著堅實飽滿的觸鍵,尤以最後一曲的詼諧曲更是拳拳到肉,雖然和上半場的貝多芬和布拉姆斯相比,在扎實的密度上稍有不及,但也相當可觀了。最後的兩曲安可曲,無論舒伯特的行雲流水還是蕭邦的浪漫爆發力,都讓現場聽眾的情緒更為激昂,也圓滿地結束了這場音樂會。可惜的是,會後不簽名,我事先準備的專輯無法派上用場。

以下聽的是Murray Perahia 演奏 Bach 之 French Suite No 4 in E-flat major, BWV 815

2011年10月19日 星期三

Galuppi天籟之音又一章



        義大利作曲家Galuppi的鋼琴奏鳴曲,除了Michelangeli所演奏的第五號奏鳴曲第一樂章之外,還有許多的遺珠。在Galuppi百多首的鍵盤奏鳴曲中,靠著Michelangeli前無古人的挖掘,讓我們瞥見Galuppi鋼琴奏鳴曲的奇珍異寶,可是聆聽之耳就因此滿足嗎?所幸瑞士鋼琴家Bacchetti,再度從Burano島的市立圖書館及其他私人收藏的Galuppi手稿中,挑選出這八首鋼琴奏鳴曲,承遞Michelangeli的天籟琴音,讓我們窺見Galuppi更多優美的樂音,更讓人神思遐想,其餘近百首的鋼琴奏鳴曲,是否還有被淹沒於修道院的秘藏遺音。

        Bacchetti師承波蘭鋼琴大師Horszowsky,也被俄國大師Magaloff指導過。在這張Galuppi鋼琴奏鳴曲中,Bacchetti彈出了讓人屏息以對的純淨自然,並以溫潤恬靜的清幽氣質,賦予Galuppi音樂超群脫俗的空靈美感。第一次聽的時候,讓我聯想到如莫札特般純粹自然的天成,但相對於莫札特天真中寓有促狹詼諧的口吻,或者偶然流露的感傷,Galuppi的鋼琴音樂更為遺世獨立,有著孤芳自賞的幽寂感。八首奏鳴曲,只有第一首是單樂章的行版,其餘七首都是雙樂章的形式,關於此種作曲安排的機心和巧妙之處,可參考資深樂友Mingus兄在網誌中的闡發,或實際聽聽這種兩樂章的音樂表現,在Galuppi或貝多芬鋼琴奏鳴曲中,當會與習慣聽到的三樂章快慢快之聽感有別。

        記得莫札特的鋼琴奏鳴曲,第二樂章的行板或慢板,是最讓我駐足流連的音樂。我曾經蒐集莫札特奏鳴曲中的慢板(用的是Perlemuter的版本),將之燒錄成精選輯,在翰翰還是小Baby還不會翻身的時候,放給他聽,雖然小天使必然難以領會莫札特音樂之美,但當時只聽莫札特慢板音樂的經歷,還是讓人懷念。雖然這張精選輯最後不知道流落何處,也不曾刻意找尋,不過我始終記得當時的心情。

        聆聽這張Galuppi鋼琴奏鳴曲,讓我想起當初聆聽的莫札特慢板,尤其此張專輯前幾軌的音樂。Galuppi兩樂章分別以行板或慢板、稍慢板加上快板、急版或行板而成,如果是慢版加行板,對比的速度不大,有種穩定的銜接感,比如第二、三軌的C大調奏鳴曲;如果是加上急版的第二樂章,則前後之間對比更強烈,急版的意興飛揚,會脫離慢板的恬靜悠然,將音樂轉入生動活潑的結尾,而有意興淋漓之感。兩個樂章,彷彿將兩種不同性格的人挽結在一場場雙人舞中。第一樂章通常以更悠緩綿長的速度展開,引領聽者進入淡然幽遠的境界,第二樂章以更快速更短暫的燦爛光芒,耀動在聽者的耳畔,一閃而逝,幾乎難以捕捉。鮮明的對比,卻渾如一體地難以分割。這些樂曲的第一樂章,都是可以比擬第五號奏鳴曲第一樂章的自然純粹之音,我尤其被第六軌的降B大調Larghetto之音樂所感動(第二樂章也不錯),這是整張專輯中最能引領我到空寂幽靜之地的樂章。其美感不遜於Michelangeli所彈奏的樂章,尤其是兩分多鐘出現的兩句樂句,在整首五分多鐘的音樂中只出現兩次(另一次在四分半左右),卻深深觸動我。

        Mingus兄的文章幾年前已讀過,卻沒有刻意尋找Bacchetti這張專輯,緣分未到,難以強求。一旦我被Galuppi感動後展開探尋之旅,彷彿水到渠成,也很順利地在幾個月前買到這張專輯,隨興地聽了幾次,只任憑心情隨音樂流衍無言,沒有馬上付諸文字的衝動。如今,心願已了,暫時將Galuppi這些絕俗之音封存留記,靜待日後之重啟。

以下聽的是Bacchetti現場演出的Galuppi,巧的是,正是我喜歡的這首奏鳴曲。找到之時興奮不已。第一樂章他彈的比CD上更具張力。

2011年10月17日 星期一

愛爾蘭之音-O'Carolan's Harp




         居爾特(Celtic)音樂,熟悉又陌生的名詞,不時迴盪在音樂之旅的過程中,無論是逛唱片行時不經意的一瞥,還是借物少女電影一開始出現的短暫樂音,不曾接觸世界音樂的我,也在音樂觸角隨意探索之時,偶然若有所知。對於這陌生的一塊,並未深探,也許跟音樂的脾胃不和有關,因此我並不刻意勉強,靜待緣分的挽結。

        O’Carolan(1670-1738)是愛爾蘭最後的吟遊詩人,他是流浪豎琴家、編曲家,依靠著富有的贊助者的支持維生。十八歲後染上天花失明,O’Carolan學習豎琴,達到了專業水準。他多以愛爾蘭Gaelic方言譜成歌謠,他有很多作品在如今的愛爾蘭音樂中,依然被改編成不同的樂器傳唱著。O’Carolan的作品和傳統的愛爾蘭音樂不同的是,其不規矩的結構,打破了傳統舞曲風的流暢性,而有著聽者難以預料的變化。O’Carolan無法寫下他自己的創作,有關他的作品,透過不同的管道流傳,最重要的是在1792年Edward Bunting於Belfast豎琴音樂節之後所匯聚的鋼琴改編版,展現出O’Carolan和愛爾蘭傳統不同的特質。雖然O’Carolan無法學習歐洲的音樂,但他仍努力仿擬學習著,據說他最喜愛的音樂是Corelli的作品。此張唱片收錄了由O’Carolan傳承的古愛爾蘭音樂或O’Carolan編曲創作的音樂,透過豎琴、小提琴、長笛和低音大提琴不同的搭配,讓我瞥見了與古典音樂完全不同的淡雅幽渺之音。

        吟遊詩人採集音樂的旅程,就是見證人生百態,採擷酸甜苦鹹各種況味的過程。可以從中聽到O’Carolan以音樂描繪他以心眼和音樂之耳所見的鄉野人物的樣貌,刻畫著沒落的將軍、貴族男爵、少女與貴婦、船長和上校,以及房東太太的形象(O’Carolan和房東太太的爭吵之歌題相當有趣),描繪著河邊漫步、海邊所聽、空中鳴響的雲雀,也許這些景致,交疊著O’Carolan失明以前的光影、色澤、線條變化,如今只能透過他最親密的豎琴聲,傳達對於世界的美好眷戀。在當時主流的世界音樂版圖不曾含括的化外之地,O’Carolan用音樂記錄生命流浪於聽和歌詠的簡單歲月中,傳來一股靜謐的、樸實的、親切的優美樂音。簡單真摯,沒有太多複雜的技巧和變化多端的和聲,淡淡的歌詠、清雅的舞曲,內蘊著與世無爭的泰然心情。即使如今居爾特音樂滲入美國流行樂壇,成為世界音樂中的顯學,流行化與商業化的變調中,也斬不斷居爾特與土地、鄉愁的血脈連結,但是相對於後起的改寫和援引,O’Carolan傳承古老樂音的淡然餘韻,更讓我驚豔,而更願意接納這樣的聲音,在歷史的折射中,不褪色的琴音。相對於借物少女居爾特音樂的無感,我被O’Carolan觸動的更深、更悠遠,興發的歷史與時空感懷更緜邈,更灑然。

        淙淙的豎琴、低吟的大提琴、清透的長笛,詠歌的小提琴,像一幀幀設色素雅剪裁合宜的小照,迴映出愛爾蘭的風土民情。如此淡而真摯,輕而不膩,別有韻致的短歌片簡,內在的精神是相通的,只要細細品味其中一首,就可以感通其他各曲的情韻。這也是某些世界音樂無法吸引我的地方,不知為何,我曾經陶醉於如此的簡單瑩澈,卻又排斥某些近似雷同的慣性痕跡,渴求更多變化和難以掌握的馴服感。也因此更能欣賞古典音樂所贈與我的豐富性和情感深度,以及表現之變化多端,這讓我的聆聽除了直覺式的感悟之外,更要求著知性與美的全然觀照。但是偶爾涉足於像O’Carolan這樣通俗一點、簡單一點、淡雅一點更不費聽力的音樂,也可以矯正過於偏嗜的胃口,產生不同性質的感動體驗。

以下聽的是Carolan's Dream - played on celtic harp,關於居爾特音樂,可參考如下的部落格

2011年10月15日 星期六

沉穩大氣的Mendelssohn




        最早接觸孟德爾頌第三號交響曲,就是先前分享過的Maag版,雖然是1960年的錄音,但燦爛生動的演奏和流暢明晰的聲響,都讓人印象深刻。這是一個優美、遼闊、大氣磅薄的版本,而且最後一樂章所帶出的酣暢動態,淋漓奔放的活力,更讓人陶醉不已。也因此,當回顧孟德爾頌交響曲的書寫開始進行時,我第一時間就想介紹這個版本,同時也想重溫舊情,再次感受當年被孟德爾頌這首交響曲感動的時刻。那是一個相對容易滿足的時代,對於音樂的美,豐盈的觸發,都有著坐井觀天的滿足,簡單的耽溺。

        如同南方前輩所言:誰還在聽克倫貝勒?的確,Klemperer的詮釋早已成為歷史遺跡的一部份,年輕的愛樂者恐怕很難接受他的聲響美學。但是還是有聆聽之耳願意找出老大師的音樂來聽,這些人,大概是對於老大師心存懷念的愛樂者,會不時想重溫熟悉的厚實、飽滿、沉穩的聲響,會不時想起關於不死鳥的傳奇,會不時想起曾經蒐集大師錄音的時期。

        如果已經習慣Maag生動鮮活的節奏和流暢飽滿的速度,那麼Klemperer就是完全迥異的聲響特質,更慢的速度、更沉穩的節奏、飛揚不起來的厚實表情,這樣的詮釋適合Mendelssohn嗎?還好我曾經迷過Klemperer,否則被Maag或卡拉揚洗腦後,根本吞不下Klemperer這堅實深沉的音樂磐石。可是一旦進入Klemperer的速度,跟上他略微遲緩卻穩固無比的音樂塑造,會發現在Maag的暢快淋漓與Karajan的絕美抒情中,自成一格的扎實飽滿。第一樂章蒼茫的歷史感,更為堅毅深沉了,在緩慢的速度下營造出的踏實、沉穩的步伐,讓蘇格蘭原野更為滄桑、岩石更為峻峭剛毅,屹立不搖,但又流露出觀照世事遷變的灑脫情懷,投身塵世與超然俯瞰,巧妙地交織在一起。第二樂章更切合Mendelssohn的速度提示,不太急的速度,卻能在推進中,傳達出一種悠然愜意的情緒,又與Maag的盡興快意不同。第三樂章是Klemperer唯一比Maag版更快的樂章,淡雅的歌詠性,自有其不刻意煽情的淡然處理,顯現出Klemperer不在細部琢磨的大氣性格,可能也是其優美性感染力不足之處。但是更精采之處在於其後的共響齊鳴,Klemperer都是以自然的推進速度(比想像中更快更流暢)讓音樂匯聚高潮而後舒緩鬆弛,轉折自然,氣力悠長,也自有其內在的一種悠遠感和淡然情懷,這是最能展現Klemperer美學的樂章(第一樂章亦然)。第四樂章雖然在舞蹈性格和快意流利的飛揚意興上,不如Maag版,Klemperer比之足足多了兩分鐘多,可是只要從第一樂章開始就進入Klemperer的聲響世界,也不覺得此樂章會有拖沓、不夠盡興的缺點,反而最後營造、堆疊的壯麗結尾,更讓人回味不已。Klemperer的詮釋,其佳處乃是樂曲的主要輪廓和骨架都十分清晰,透過逐步推展的力量匯聚,自然營造出高潮,沒有刻意安排或討好聽眾的機心,順勢而來,自有渾厚雄健的氣魄。因此他對於細部的琢磨或呼應,就沒有太多著墨或出乎人意料之外的安排。但是Klemperer的音樂,自有某種一聽難忘的個人氣質灌注其中,即使樂團並非德國名團如柏林愛樂,但是Klemperer和愛樂管絃樂團的長期合作,讓音樂既能保有厚實沉穩的精神,又照應到樂曲優美動人的管絃樂燦爛色澤,不也是一種絕佳的搭配嗎?轉而被Klemperer洗腦後,我反而流連忘返於這種充實之謂美的體會中,快不快意有何妨!

以下聽的是Klemperer & Philharmonia Orchestra演出蘇格蘭交響曲

2011年10月13日 星期四

不合時宜的兩首鋼琴協奏曲




        匈牙利作曲家Dohnányi (1877 - 1960)的兩首鋼琴協奏曲,分別作於1898年與1946-47年間,將近五十年的時空阻隔,風格並沒有產生質變,依然傳遞著浪漫時代的餘暉,Dohnányi或許是浪漫時代最後的火炬。

        Dohnányi在世的時候,以鋼琴獨奏家、室內樂演奏家、作曲家等身份活躍於舞台。先前已談過,他曾經跟李斯特的學生外號小巨人的d’Albert學過幾週的鋼琴,當時提到「在作曲上也受李斯特影響」云云,其實並不精確,雖然有許多人將Dohnányi視為匈牙利音樂從李斯特傳承到Bartók之間的紐帶,但這並非事實,實際上Dohnányi的音樂在開創性上不如李斯特,在現代性上不如Bartók,與其試圖透過李斯特和Bartók的影響力和知名度來抬高Dohnányi之地位,不如直接正視Dohnányi為二十世紀中,碩果僅存的浪漫時代代言人之地位,更切合他的音樂精神。

        1898年,當時首屈一指的指揮家Hans Richter,邀請Dohnányi參加倫敦的巡迴,演出貝多芬第四號鋼琴協奏曲,此次巡演,共在兩個月內舉行三十二場協奏曲的演出,奠定了Dohnányi鋼琴家的地位,他擅長德奧樂派的曲目,尤其以演奏莫札特、貝多芬、舒伯特之作最為著名,同時也在室內樂領域表現傑出。他的鋼琴演奏風格是標準的浪漫時代作風,以即興的、略嫌浮誇的方式演奏,烙下了那個時代的印記。也就是在1902年,由Hans Richter在英國指揮Dohnányi的第一號交響曲,都可見到Hans Richter對他的賞識。在他最頂峰的時代,Dohnányi不僅是匈牙利最具知名度的作曲家,也是最有影響力的音樂家。即使在戰後離開歐洲到達美國定居,他依然工作不懈,也持續巡迴演奏。1956年Dohnányi於Edinburgh音樂節舉行最後一場音樂會,在他以八十三歲的高齡去世時,依然同步進行著錄音計劃。如此投身於音樂之中,犧牲奉獻,最後換來的是世人對他的遺忘,除了最有名的「兒歌主題變奏曲」還被演出之外,Dohnányi大部分的曲目幾乎都很少出現於音樂廳中,我們只能透過有限的錄音,來認識他的作曲藝術。

        這兩首鋼琴協奏曲,斷斷續續聽過幾次,一開始並沒有如他的小提琴協奏曲(尤其是第一號)般,具有直接觸動我的震撼力,但我馬上就能在第一號鋼琴協奏曲的聲響中,辨認出深受布拉姆斯影響的織體和濃厚的、遼闊的浪漫時代之音樂風格。雖說兩首相距五十年的創作,在風格上沒有鮮明的轉變,但依然有其細部的差別。第一號交響曲,以其交響曲化的聲響而更接近布拉姆斯第二號鋼琴協奏曲般以鋼琴和交響曲抗衡、交融的交響作風。第一樂章以遼闊深沉的慢板展開,馬上抓住了聆聽之耳的注意,四分多鐘出現的第一主題,即展現出Dohnányi特有的匈牙利清新風情,然後進入慢板的第二主題。此樂章特別之處,除了濃得化不開的布拉姆斯印記,還有近似於孟德爾頌蘇格蘭交響曲第一樂章「法國序曲」式在結尾重新出現慢板導奏之作法。第二樂章則以三分四十秒之後出現的抒情主題最讓我陶醉,幾乎每次聆聽,都等著聽這段音樂。第三樂章以生動有活力的節奏開展,其中中段由鋼琴展開的裝飾奏最讓我驚艷,此樂章特別之處,在於其長大的篇幅,有別於習慣中較短的第三樂章,在演奏時間上幾乎與第一樂章相近,也讓此曲成為四十五分鐘的龐大曲目。第二號鋼琴協奏曲,雖然擺脫了布拉姆斯厚重和聲的影響,浪漫時代的風格依然深植,不過Dohnányi在此曲中,注入更多匈牙利民謠、節奏律動感,讓此曲更為精鍊有力、明暢自然。不知為何,聆聽此曲,讓我想到拉赫曼尼諾夫的鋼琴協奏曲,只是Dohnányi沒有拉氏耽美繁複的鋼琴語法,也沒有催人熱淚的抒情管絃,但在同樣浪漫抒情的氛圍中,有著匈牙利的清新感和飽滿生動的鋼琴張力,第二樂章的恬淡悠然和晶瑩顫動的明暢琴音,自有其優美淡雅之風,值得細細品味。

        第一號鋼琴協奏曲,以其直接鮮明的感染力吸引我的注意,而第二號則更需要用心感受,方能體會Dohnányi成熟時期的藝術風采。在二十世紀許多充滿現代感的鋼琴協奏曲中,Dohnányi之懷舊悠然、不合時宜,可能因此被時代淘汰而被淡忘,但這種不懼流俗而堅持自我的精神,依然有其可貴之處。

以下聽的是Dohnányi - Piano Concerto No. 1 (1898),由Howard Shelley演出