邂逅

         一條未知的線索，引導我進入作曲家馬克思‧李希特(Max Richter，1966- )的簡淡音樂世界，雖則我僅對其中一首樂曲及其三種變貌深深著迷，Max Richter混合古典與現代音樂的手法也並未完全說服我。然而，這偶然間的遊憩遇合，也值得留下些片語隻字。

        好多年未購買電影原聲帶，架上的古典專輯倒是不時更新。然而，最近幾個月，購藏書籍耗費不少，繁忙的研究生活，幾乎無暇整理、插入新的聆聽，舊的書寫規劃也自按捺一旁，只偶爾放入幾張唱片，不帶目的地聽。逐一購入的，反而是幾張電影原聲帶。一是神力女超人（Wonder Woman）的爽朗主題，英姿煥發，動感與力度，張力與爆發力，成為與蓋兒加朵相得益彰的洗腦律動，自從BVS中的登場讓人驚豔，果真到WW有不俗的表現。一是LaLaLand的City of Stars，於觀影後縈繞於耳畔，現在依然能輕易喚起。也因為帶點熟膩感，即使受旋律吸引而購入，但原聲帶目前尚未聆聽。最後則是異星入境（Arrival）原聲帶。一次在網路的巡遊中，聽到電影中的音樂：「On the nature of Daylight」，那由大提琴拉引延伸的旋律，與劇情交疊鼓動，是曾於於電影中深被撼動的時刻，再次被新的遇合挑動。當下迫不急待購入原聲帶，卻大失所望。的確，電影中與七足星人溝通的奇詭樂音，以及面對危機迫在眉睫的沉重氛圍，和種種人性的摸索與試探，都是音樂描繪之重點，然而，這段吸引我注目，印象中前後至少出現一次的主題旋律，卻始終不曾於原聲帶中露臉，這引發我深沉的匱缺感以及不滿。最終，終於順藤摸瓜找到當代新古典、後古典作曲家Max Richter的4CD合輯，得償所願，聽到最原汁原味的On the nature of Daylight。

        這首樂曲，即使曾出現於電影隔離島（Shutter Island）中，多年前看過此片，只對其禁錮人性的主題有所記憶，卻對引用同首樂曲的段落毫無所悉，且已無印象。不如異星入境般，一開始即使人墜入Max Richter的音樂渦流中，陷入仿彿是記憶的回顧追認之情境裡，生命歷程與音樂堆疊起伏，而延展交錯，相互詮釋。看過電影的樂友，必會知曉此作的巧心安排，這看似是回憶的片段，實則別有深意，別有意味，到故事末了，才真能透顯出其穿透生命與時間維度的撼人力量，而剛好在首尾完足的應和中，On the nature of Daylight也做了一次巧妙的呼應。

        Max Richter融合古典手法與新音樂、電子音樂、環境音樂及各種音樂手法，譜寫出許多不俗的電影配樂和個人色彩濃厚的專輯，成為DG力捧的當代作曲家之一。幾年前更以重新譜寫韋瓦第四季小提琴協奏曲，而在古典樂界製造出不少話題。坦白說，在仔細聽這四張唱片並動手瀏覽Max Richter的相關訊息前，我對他的音樂一無所知，但在蒐集唱片時，印象中曾略瞥過某些專輯封面或介紹語句 (舒眠?)，如今再次重現，亦有依稀彷彿之感。

        這套專輯用不曾開啟過的長型擺置形式收納，並不好取放。利用零碎的時間，毫不費力地聽過這四張先前分別銷售的專輯：The Blue Notebooks、Songs From Before（回憶之詩）、24 Postcards in Full Colou、Infra（內省）。Max Richter的音樂並不難消化，但對聽慣古典樂風的我來說，還是稍嫌平淡簡易了些，或略顯片段零碎，一些感受被喚起，但卻過於浮漂而失卻扎根的力道。其中，較為驚喜的時刻，是鋼琴、小提琴或大提琴等古典樂器之質地，透過Max Richter淡雅而具自省、內斂的曲風，營造出一種悠緩而寧謐的氛圍。但讓我分心的，倒是所謂環境音樂中的自然聲響，如打字機、人聲誦讀、話語浮現，等等。或許其機心是想拉近古典樂與生活情境的距離，營造出平易近人的氛圍，但當我陶醉於某樂章優美而可舒緩身心的一刻，突然間情調丕變，聲音蛻變成朦朧一片，點漾著打字聲或呢喃聲，反而讓聆聽之耳重新調整焦距，有些不習慣。雖然Max Richter努力灌注文學性，營造深度，比如誦讀的是卡夫卡、村上春樹的作品。然而，音樂似乎無法映現出這些文學作品的深層意蘊和足堪耐人咀嚼的餘味。因而，四張專輯在我聽來，基本情調十分近似，實可一言以蔽之。或許對於巡弋於現當代音樂的聆聽者來說，Max Richter塑造一個可放鬆意緒，平緩心情的世界，憑藉古典樂的作曲手法或樂器質地，而加深其可聽性和雋永詩意。然而，對習慣從古典樂中尋求內在情緒張力或作曲心境轉折之漲跌痕跡的聆聽之耳，Max Richter之於我，毋寧有些過於清淡、空靈，搔不到癢處。

        然而，膾炙人口的On the nature of Daylight，卻與前述幾張專輯主要的樂風傾向完全不同，這也讓收錄此曲的The Blue Notebooks一輯，更與我合拍。On the nature of Daylight之主題，在專輯中共出現三次，像三道深沉卻凝重的光芒，迴響共振於專輯之2、11、12軌。第一次只聽第2軌的On the nature of Daylight，樂器對談版，已自讓我喚起電影中閃現的畫面和主題，足可反覆聆聽而深深烙印。然而順著音樂的流淌，於第11軌突然間響起鋼琴版的主題，更讓我大驚失色。這最後回馬槍的兩軌，之於我彷彿是遲來的禮物，如此三道光影的折射和交疊，招喚著情感與意緒的耽溺與深思。最終登場的弦樂版，音樂延展的聲部開展與不同音域之對照愈益鮮明，簡單的旋律反覆和不經意的變化，不知不覺讓人深陷音樂所織就的聲色光影，共鳴莫名所以，自然湧現。當身心隨音樂前行，直至某些影像之外的情感觸引，那才是樂曲最引人盤桓的時刻。此曲不同色調的濃烈調製，交錯疊置的聲線，讓情感張力更為飽滿，比之其餘音樂的淺斟曼吟，無疑是一異數，也無疑剝落更多現代精神的擬構與塑造，而直入古典之源的充沛感發。

        某方面，透過Max Richter這扇窗，我瞥見古典精神與現代作曲手法對話共存而激盪的新視野，然而，出於對深度和感人張力的本能追求，Max Richter音樂中的現代淡雅舒壓功能，卻無法讓我動容。但這的確是門檻較低的現當代音樂，新的可能和新的音樂深度，希望能再透過Max Richter後續生命的掘深，真能從文學的根苗和思想汪洋中，得到精神與情感的豐厚與彌新；立足於當代情境卻透過古典精神的傳移與澆灌，讓其現代哲思有所洗鍊與昇華。或許，這才是Max Richter最值得讓我期待的可能性。

      以下聽的是Max Richter - On the Nature of Daylight

交響人生與柴可夫斯基

        神奇的是，因為一部電影，讓我又拿出柴可夫斯基小提琴協奏曲聆聽，還從將近四十個版本中挑出Oistrakh與Kondrashin合演的版本。並接著聽同片中收錄的Glazunov小提琴協奏曲，這首許久未曾重溫的樂曲，聽來備感親切。連愛樂電台都會三不五時響起柴可夫斯基的音樂，Glazunov則冷清許多。

        早已忘記多久之前在電影預告中看到「交響人生」的劇情，就興起想看的念頭。但真正上映時卻錯過了，最後是到亞藝影音租來此片，一解我的好奇心。一開始的莫札特鋼琴協奏曲，塑造的是淪為清潔工的指揮家跟著音樂的節拍忘情地指揮，情感投入，動作有模有樣，但突然響起的手機鈴聲擊碎了他的大夢，揭露出難堪的現實。隨著劇情的發展，顯示出荒謬離奇的喜劇安排，也慢慢浮現讓我意外的主題，原來柴可夫斯基小提琴協奏曲，是此部電影的核心音樂和劇情靈魂。三十年未曾登台的指揮家，要重新網羅淪落於社會底層的樂團樂手，組成一支冒牌樂團於法國公演，本身就是荒誕不經的故事。好不容易解決了諸多困難，到了法國，這些樂手如同烏合之眾，各忙各的，又玩樂又趁機撈一筆，毫無專業樂團的風範，根本無法聚在一起排練。而原訂演出的女小提琴家，也在與指揮聚餐共談後打消演出的念頭，因為她不願意成為指揮家治療傷痛的替代品。

        最後所有的混亂、各自為政，在一封簡訊的串聯下結束。如期舉行的演出，一開始讓人皺眉的失誤連連，獨奏家投以冷峻的、不信任的眼光，但仍賣力演出。而在獨奏家優美樂音之感染下，喚起樂團的過往記憶，脫胎換骨般奏出飽滿扎實的俄國之音，伴隨著獨奏精湛的演出，獲得滿堂喝采並加演的盛況。而演出時獨奏家從訝異到感動的表情變化，曲終與指揮相擁而泣，更是感人的畫面。最後的轉折當然失之於一廂情願和過於美化的完美結局，畢竟三十多年未曾排練的樂手，即使音樂已深入骨髓，但臨時合演能達至一流境界，只能是電影劇情，現實中則不太可能。不過此種矛盾，並非導演在意的重點，藉由音樂來說出感人的故事，才是所有劇情安排匯聚之高潮。最感人的時刻，在影片結束前的十幾分鐘，樂曲的演出從散漫走拍到一氣喝成，扣人心弦，同時也用同一首樂曲串聯起前後三十年時空的變遷和人事之對比，獨奏者也於這種交疊映照中，揭露身世之謎。於是，柴可夫斯基的樂曲，就疊加上了劇情所賦予的追求音樂之美、抵抗政治勢力粗暴干預的美好投射，所有關於劇情的不合理或過於喜劇、巧合的安排等等質疑，在最後磅薄齊奏中煙消雲散。讓人感動的，是音樂的感染力量，讓指揮家在三十年內念念不忘鍾情於音樂之美極致、合諧的世界，由此超越了種族、政治、時間的藩籬，成為人心持續鳴響沛然莫之能禦的力量。

        唱盤上的柴可夫斯基樂曲，早已失去了劇情所賦予的激勵人心的燦爛光輝，但Oistrakh溫暖飽滿的琴音，比之影片更別有風味。然而透過電影的營造，我們聽的又不只是柴可夫斯基的音樂，而是一段笑中有淚的音樂故事。在我早已對這首樂曲失去興趣，久矣不復聆聽柴可夫斯基之後，電影喚起我對這首樂曲的熱情，喚起我多年前著迷這首樂曲，反覆聆聽的回憶。如果能吸引少聽古典音樂的電影迷藉此接觸柴可夫斯基，從中打開音樂之窗，體認音樂之美，就是此電影成功之處了。更讓我興起再次於現場音樂會中感受此曲壯闊優美之念頭，更是這意外邂逅的新機緣了。

以下是電影片段

以下是電影預告

世界的每一個早晨

        偶然間，我巧遇這張之前遍尋不著的CD，發現的當下，真是喜出望外，不得不挪些預算將之收下。如此，我又距離這段音樂故事更近了，距離Alain Corneau的電影更近了些，距離Pascal Quignard的小說原著更近了些。

        很早就知道這部影片，尤其讀過諸位先進在網路上的評論（用關鍵字「日出時讓悲傷終結」搜尋即可瀏覽，其中樂友Orpheus和Jonas的詳盡介紹更具深度），無論是電影或音樂，都深深吸引我一探究竟，除了希望能聽到更多低音古大提琴的悠揚琴韻之外，更對作曲家產生莫大的興趣，畢竟我已聽過其子小柯隆貝的樂曲而留下深刻的印象。不過當時曾搜尋而沒有找到關於此電影或原聲帶的蹤跡，就這樣，心裡總埋藏著一絲遺憾。直到偶然的巧遇，也要拜SACD格式之賜，讓我得以聽到這張重新發行的專輯。

        聲音雖然無法描繪出詳盡的鏡頭推移和隱藏在鏡頭背後的故事脈絡，卻提供了最直接的情感氛圍，讓我得以沉浸在這略帶感傷幽遠的音樂故事。對我而言，故事要描繪的音樂傳道之真諦，探索聲音與生命最真實的碰觸與並存，透過悠悠的琴音不媚俗的配樂，已然傳達了足夠的訊息，剩下的只是探詢的足跡，將我帶向原著小說的眼納心想，可以完成一部份的願望；然後再期待偶遇，讓我完成最後一部份的拼圖，如斯心願已了。然後在聽域塗抹Sainte Colombe或其弟子Marin Marais之音樂，就更是完整的旅途地誌了。不過隨著探險的深入，未來會有什麼意外的遇合，實難以揣測心想。

        精緻的古樂原聲帶，幾乎嗅不到流行的商業氣息，而是由數十首低音提琴音樂，搭配幾曲聲樂合唱曲，除了少數幾首由Savall改編的樂曲，其他都是當時法國作曲家之作品。內省、悠緩沉思的樂聲，映襯著如古畫靜物寫生般的光影流動，是極為內斂洗滌內心的聆樂體驗。Sainte Colombe的低音提琴曲孤寂高深，迥出塵俗之外的灑落感（第六、七軌），和Marin Marais動聽悅耳的聲響（第十軌）而有著境界深淺之差別，不過第一次聆聽時Marin Marais之作，卻是指引聽覺的鮮明路標，也許暗示著在超悟與入世的界線邊緣，我還是不能免俗地離後者近些。在整張原聲帶低沉迴旋的清冷之音中，偶然飄揚的人聲，卻珍貴地彷彿天窗灑下的明輝，第五軌飄揚清淺的吟詠，第九軌Couperin明亮盤旋的人聲，純淨的質地讓整張專輯生色不少，帶來不期然的留連感動。這張質感很高的專輯，幾乎可以獨立聆聽，不需要影像也足以讓思緒靜定，讓生命更沉澱，而無形中也洗滌了不少茫然忙著的世俗執念。雖然原著中關於音樂之道的追尋與扣問、繁華與落寞對照之啟悟，無法透過單純的聆聽而深化，但是直接沉浸在舒卷曼吟的琴音中，任自我生滅沉浮，悠悠浸潤著歷史與人生的厚度，是另一番美的體驗。語言無法陳述的，思想無法窮究的，就是這一份與聲音共在的直接體認，足以讓人掩卷，任一室的聲音響過……。

        以下聽的是電影片段

Somewhere in time

        這是我手邊最早的一張電影原聲帶之一，看電影之前慕名已久，而先聽音樂，看過電影後，更對電影主題所帶來強烈的生命對比感到震撼不已，最簡單的劇情，最單純的愛情，可是交錯而過的身影，卻是最不忍面對的容顏。

        因為音樂的淒美動人，因為音樂與帕格尼尼主題狂想曲並生的知名度，於是每次聆聽拉赫曼尼諾夫的狂想曲優美變奏，此劇的情節和樂思，遂如影隨形地湧現，像一段隱密的回憶，隨著開啟的窗口流瀉一地的蒼白，在鋪陳展現的過程中，遇見過往的自己，曾經迷惘、曾經活在編織的浪漫故事中，耽溺不可自拔，與所有容易感傷的少年心靈一同徬徨脆弱，一同相信花朵永遠綻放不謝。聲音與生命歷程的緊密連結，有時有超乎意料之外的嚴密對應。這張John Barry譜寫的淒美樂音，就與這些少年情懷緊密刻寫在一起，隨音符的漂蕩晃樣閃現出一幅幅癡想夢醉，青春最美，失落最真，其餘都是假道學和真無趣。於是在完整聆聽拉赫曼尼諾夫的名作之前，我就先與片段的拉氏浪漫錯身，被精細安排在影像間的抒情和迷惘，輕易地佔據清澈的單純。後續找來這位俄國鋼琴名家的曲目，完整聽完主題與狂想的厚重編織，彷彿是對此一電影的回歸肯定，藉此找一條熟識的路回家，然後喜歡上拉赫曼尼諾夫，喜歡上重度的浪漫和無可救藥的抒情，回顧種種，也許都是John Barry惹的禍。

        當然多愁善感的少年維特也要負些責任。John Barry習慣譜寫綿延抒情的管絃樂風格，如同遠離非洲，都是借鑑知名古典樂聲，轉化成為更餘音繞樑的濫情音樂。該有的古典樂器表現不可或缺：鋼琴、小提琴、木管、大提琴、更不用說鋪陳堆疊又盤旋環繞的細緻弦樂。雜糅在音樂間的，除了悠悠吟唱的主題以及悠揚抒情的樂音，還隱隱嗅出一絲迷離神秘感，一點點自責與悔罪，更多的是無法跨越的阻隔。

        情書或觸不到的戀人，是時空交錯的戀情之變奏曲，莫名力量的穿梭搗亂，本身就無法解釋。如同時光的流向無法斬斷或迴流，違背自然定律的，必然注定是悲劇，讓人體會生命無常甚或是空有兩寂的悲劇。紅樓夢的風月寶鑑正反兩面的對比張力之強烈，此電影主題自然難以企及，可是化強烈空幻為眾人可接受之敘事情節，隨著戀情的升溫故事戛然而止，再重逢時已不堪辨認，徒留美好的過往和逐漸遠去的淒美樂音，生命，還是每個人必須面對的課題。我曾經著迷於所有科幻故事中必然碰觸的時空主題，或為時空機器，或為平行時空，或為穿梭時空，也曾幻想遇見來自未來的自己，為人生的起伏事先解惑。幻想終究是幻想，在虛擬的影像或文學世界中讓人寄懷懸想，消磨片段的人生，其餘的生命主流還是必須隨流行去，奔赴航行的彼端。所幸，一路上有音樂和關心相伴。

        以下聽的是Somewhere in time主題

漫步雲端的愛情與音樂

        這是一張收錄時間相當短的原聲帶，之前聆聽時自己毫無所覺，不過最近放給妻子聽，她猛然發現音樂一下子就結束了，我才注意到此點。

        時間長短不是重點，重要的是音樂本身喚起我大學時期孤家寡人形單影隻之時對愛情渴望的過往。當時此劇由突然爆紅的基努李維演出，是他嘗試動作片之外轉型性感小生的作品，雖然評價不如預期，不過音樂本身卻讓這部愛情電影有了不落俗套的體驗。相對於如今看來已是老舊的劇情，音樂本身仍有歷久彌新的魅力。未婚懷孕的女主角，素未謀面熱心幫忙頂替未婚夫身分的男主角，扮演結束後兩人各自離開的協議，看似船過水無痕，各自的命運各自承擔，可是偶然的交集聚會，已埋下難以分割的緣分。真正的感情滋生衝決扮演的假象，拆穿謊言與家教嚴厲保守的女方家庭遂構成戲劇衝突的張力點，不憑藉外在大時代之變遷製造戲劇力量，而從人物關係本身之發展來醞釀轉折。最後當然是弄假成真，共譜一段愛情神話以滿足觀眾的喜好。此劇有輕鬆愉悅的家常場景，也少不了花前月下的定情，更有摧毀一切卻仍暗存希望根苗的災禍，作為情境轉折的重要力量，也推動故事邁向終點。

        音樂也同樣悠揚抒情，不過不是無病呻吟的濫情，而是清新飛揚的嘹亮明暢，和同時期如鐵達尼號、真愛一世情等電影厚重管絃樂風格的磅薄氣勢都不同。吉他撥奏的聲響如同飄揚雲端的悠遠，淡淡幽幽。音樂也有激昂熱情的聲響，卻也是點到為止，與此劇輕抒情的愛情氛圍呼應搭配，除了大轉折災禍發生時的音樂較為激烈，其餘的聲響都是明亮抒情般優美，如清風吹拂。故事背景設定在導演的故鄉墨西哥，劇中兩首墨西哥慵懶歡快的民謠更成為配樂中不可多得的鄉土風味的來源，聽到這兩首曲子就讓人深刻體會到故事中墨西哥小鎮的民風人情味是如何濃厚熱情，這也是此原聲帶中最讓人珍惜的歌謠之美，樂天知命的堅韌生命如何堅持生命的美好，自然詠歌最知足最簡單的喜怒哀樂，孕育於土地與汗水的人民智慧與真摯情感，是無可取代的聆樂體驗。也讓這張原聲帶雖然收錄時間不長，卻仍然值得回顧聆聽，不只聆聽音樂，也聆聽自己年少過往，一去不可復返的情懷。

        以下聽的是Maurice Jarre - A WALK IN THE CLOUDS (1995) - Soundtrack Suite

慾望幽深之羽翼

        和英倫情人格局開闊、針線嚴密的劇情安排相比，「慾望之翼」的劇情就更小家碧玉，故事只圍繞在一對情人和一對好友，兩女一男的複雜關係上。音樂也是。英倫情人極致抒情的綿延發展，和回憶深刻的感人力量，還是偏向於男性角度訴說故事之方法，可是慾望之翼更為陰柔，更為幽深，將女性內心錯綜複雜的感情委婉細膩地鋪陳開來，包含女主角敢愛敢恨的鮮明性格，以及面對背叛的嫉妒心理，鉅細靡遺地呈現在大螢幕上，音樂也更為幽深內斂，暗淡幽微、緩緩推展的意識流捕捉，讓人深深感受到女人心海底針的難以估量。

        這樣的音樂是極度壓抑的，起伏變化不多，但卻都畫龍點睛地烘托出複雜的心理感受。也許只有同樣內斂性格的人，才能進入如此幽深私我的世界。就作曲元素來說，電影配樂最常出現的綿密弦樂，細膩的鋼琴以及悠然傾訴的木管鳴聲，同樣也佔據重要的地位。可是Edward Shearmur在運用這些素材構成配樂時，剪裁得宜，不濫用而見節制，鋼琴揭示主題也是淡淡地沉吟，不知不覺間鋼琴就消失了，木管聲也是，而綿密的弦樂變化最多。或許是追蹤意識的流動而翻轉變化，仍然維持低聲婉轉的訴說，不流於磅薄開展刻意感人的俗套。劇情設定最重要的場景位於水鄉威尼斯，透過電影的引領，讓觀者瞥見威尼斯的風華絕代與旖旎水國的丰采，音樂也同樣柔和流動了起來，呼應著全劇音樂推展的細緻心理力量，只是稍微明朗些，彷彿載著主角陰謀策劃的心意而將之淘洗淨化，在秀麗璀璨波光粼粼的燈火夜色返照下，幾乎讓人忘卻啟程前往此地的初衷。與全劇音樂色調最不協調的，無疑是第五軌、第六軌義大利嘉年華歌調熱情舞動的聲音，增添了一絲熱鬧氣息。不過隨著劇情的發展，急起直下地落入終局，低沉幽微時見激烈的音樂，又把黯淡憂傷的氣氛緊緊收網包裹，背叛是不可避免的終局，嫉妒慾望的掙扎也是。

        這樣的電影配樂，不容易列入經典配樂之林，純粹是個人觀影過程中受電影本身氛圍的觸發而喜歡上音樂的私我經驗，也因此只有看過電影才更容易對音樂本身的內斂幽寂產生共鳴，與其他更通俗優美的電影配樂，不需要看過影片就能受音樂觸發截然不同。

        以下聽的是慾望之翼主題配樂

風沙戰爭中的愛情火花

        這是一場充滿回憶、風沙、戰爭陰影的電影，類似的電影這幾年來比比皆是，不過卻都沒有這部電影的淒美和深刻，尤其是音樂，既有溫柔直接的傾訴，也有憂傷縈繞的追懷與啜泣，直指人心，當年看完電影後，我就迫不急待跑去買了原聲帶，因為這樣的抒情聲音此生難得再聞。

        由法國配樂大師Gabriel Yared譜寫的音樂，擅長運用木管悠悠的低吟搭配鋼琴清亮卻抒情的主題揭示（鋼琴主題在第七軌出現，卻在第十五軌盡情訴說），襯托出孤寂淒涼的感受，充滿無奈與回憶的痛苦，深刻而不濫情，精簡而不浮誇。主題清晰明確，悠悠吟來，道盡愛情中的酸甜苦鹹，風沙星辰，火光與壁畫，背叛與愉悅，交織在撤哈拉沙漠熾熱又孤冷的世界中，令人動容。故事中兩對主角的境遇恰成對比，幸與不幸，平淡持久與激情短暫，終究是人生抉擇的大問題。最後正常人的生活總會選擇平淡持久，而透過文學藝術或電影領略璀璨火花的瞬間光彩。

        電影配樂如果只有主題透過木管或鋼琴的沉吟，就算優美讓人斷腸，也難以在感動之屏上持久留存。最讓人驚豔的是無伴奏女聲帶有沙啞滄桑的聲帶（第一、十七軌），迴盪孤懸，彷彿最睿智的聲音，見證沙漠的經久不變與風沙更迭，聽不懂的語言，飽含生命力量。還有搭配幾首爵士歌曲，雖然我很少接觸爵士樂，不過這幾首樂曲舒緩熱鬧的情調倒讓整張配樂音樂多了些生動的調劑。還有畫龍點睛的巴哈郭德堡變奏曲主題，在昏暗的教堂響起巴哈的天籟，頓時讓這首消解失眠的良方變成映照生命的火燭，暗沉背景中微弱的火光堅持生命的美好，即使背景黑影幢幢，無常的淫威威脅潛伏，暗中窺伺，還好有這些美好值得盤桓。深深覺得此部電影淋漓盡致地凸顯出生命面對消亡與遺落，失去與追憶，依舊低調地堅持某種對美好過往的留戀與耽溺，任憑風沙摧毀，戰爭肆虐，不變的始終是愛情的溫度，貼體熾熱而沁心永存。

        以下聽的是The English Patient之主題曲

失落的純真

        宮崎駿的電影在大學之後陪伴了我不少時光，最早接觸到的就是這部「天空之城」，久石讓的配樂讓人低迴不已。實際上宮崎駿電影配樂的主題曲都膾炙人口，從龍貓到神隱少女、崖上的波妞，都各有特色，宮崎駿的電影風格也迭經轉變，從早期的幻想冒險故事，到最近融合環保生態人文精神的彰顯，可以見到宮崎駿不斷求新求變，細膩又富麗的畫風，結合想像恣肆的奇妙體驗，讓宮崎駿的動畫成為經典。如果要向自己的小孩推薦動畫，我不會提到柯南或哆啦A夢，不過要真能看得懂宮崎駿電影的意涵，恐怕一般的小孩容易喪失耐性，要特別早熟的小孩才能有感一二。但是內行看門道，外行看熱鬧，小孩反正有卡通可看就會雀躍十足，懂不懂是大人想太多。宮崎駿實際上是「成人的童話」，讓成人再次發現自己久已泯滅的童心，提醒身處勢利狡詐虛偽的社會現實中，一點遺忘的純真，記起對美好的盲目的、執著的信念和期待。宮崎駿這麼多部各有特色的動畫，雖然我沒有全部看完，也不是日本動畫迷，初戀還是最美，最讓我念茲在茲的還是這部「天空之城」。

        消逝的天空之城拉比達，靜靜地躺在雲海間浮沉，似乎早已被遺忘，藉由小男孩的冒險奇遇，最終揭開天空之城的秘密。我喜歡的就是帶有幻想的冒險，是男孩對科幻精神情有獨鍾的想像期待，在宮崎駿對這一神秘傳說的揭示又曇花一現地消失在天際，迷離恍惚的氛圍揮之不去，彷彿一切只是美好的夢幻，即使夢幻遠離傳說隱跡，對於純真美好的堅持和肯定，依舊如一縷火苗溫暖地在胸膛間跳動閃耀，足以抵禦現實社會種種不合人意的阻礙和烏雲。

        天空之城的主題曲抒情而悠揚，淒美又溫柔的女聲，彷彿就替這部電影的憂傷氛圍定下灰暗的色調，每次聽到這首音樂的主題，總讓人墬入這迷離奇幻的想像世界，當下立即超脫凡俗瑣事的羈絆，獲得某種靜定的深邃情感，莫名所以的感傷也在無形間蔓延。淒美的主題在電影一開始就出現，不過後來經過兒童合唱稚嫩嗓音的昇華，也洗滌了這份濃烈的感傷，代之為淡淡的幽情。實際上電影中還有許多熱鬧的場景和音樂，飛船老虎摩斯號的飛動主題繽紛熱鬧，似乎沖淡了感傷的氛圍。久石讓的配樂實際上也繽紛多變，既能細膩抒情烘托遺世獨立的天空之城失落的美好，也能透過冒險的遭遇帶入昂揚樂觀的精神，因此電影配樂雖以抒情悠深的感傷情懷為主，帶有回憶的、經歷風霜的時空感，但又不是往而不反的濫情呻吟，久石讓擅用不同的音樂元素呼應宮崎駿音樂的主題精神，抒情悠美中不失熱鬧昂揚的人性力量，電影與配樂相得益彰，甚至配樂讓電影的畫面和意境更深沉，更歷久彌新、難以遺忘。

         以下聽的是天空之城主題曲

音樂劇Les Misérables

        即使我相當喜歡音樂劇「變身怪醫」抒情極致的音樂，卻不得不承認音樂劇「悲慘世界」的音樂更豐富多元，更深沉，更具人性的力量。

        改編自法國文豪雨果的名作，悲慘世界以法國大革命為背景，敘述改邪歸正的主角周旋在往昔的陰影與自我昇華的人生歷程之間，見證時代的變遷以及始終擺脫不去的過往糾纏。24601，這個數字讓人印象深刻。雨果著力抒寫對下層人民的深切同情，寫實的筆法又飽含對光明與希望的人性渴求。音樂劇將文字作品活現，誓死追緝Jean Valjean的Javert始終堅持自以為是的正義，一曲「Stars」吐露其追求目標的力量；工廠女工Fantine淪為娼妓的悲慘生命，卻始終放不下對女兒Cosette之掛念，一曲「I dream a dream」，讓人深掬一把同情之淚。這首已經是家喻戶曉的名曲，尤其經由蘇珊大嬸的詮釋，更是名揚全球。Jean Valjean洗心革面卻始終逃脫不了過往的陰影，一曲「Who am I」，豪氣干雲，直接面對最真實的自我，毫不閃躲。工廠與酒館的嘈雜環境和小人物的卑微需求，透過詼諧幽默的情節和人物安排，反應中下階層人民最真實的生活和心聲。Cosette與Marius的愛情故事，替寫實革命前的氛圍注入一股浪漫氣息。緝捕與逃亡的人性糾葛，愛情的追求與遺憾，小人物的悲喜諧謔，伴隨著時代畫卷的描繪，呈現出氣勢壯闊又抒情悠長的音樂旋律，這正是此音樂劇歷久彌新深入人心之魅力所在。

        悲慘世界有各種版本，倫敦首演版、法語原汁版，環球版，還有十週年版等。我一開始就聽此張環球精選版，後來又接觸十週年全曲版，但最感動我的還是這最初所烙刻的淚痕。雨果的原著既厚重又真實悲慘，對各種受苦心靈的體貼和堅持光明的力量深刻描繪，在音樂劇中或許達不到文字所飽含的關懷和寫實深度，但音樂卻將最直接感人的悲壯力量攤開在聽域之前，讓人無所逃於這種深沉悲壯的悲劇感，可是心靈卻不會被這種悲劇感擊垮，反而油然興起對人性的真誠希冀，這正是連結素未謀面的人群之無形力量。此音樂劇具有一般輕盈言愁的音樂劇所無法達致的感人深度，每次聆聽音樂時總讓人熱淚盈眶。

         以下聽的是Les Miserables (Original London Cast 1985) 之I Dreamed a Dream

Out of Africa

        記得第一次聆聽這張電影原聲帶，就被其開闊綿密的管絃配樂觸發年少的清愁。在看過電影之前，我已經聽完這張原聲帶而感動不已。原先吸引我踏入這遼闊的非洲與動人愛情故事之淒美氛圍，來自於莫札特的豎笛協奏曲。但最後我卻深深被John Barry簡單旋律漾出的深刻力量所征服。愛情悲劇與感人音樂，在年少不知愁的時代，最能讓人發出醉生夢死的感嘆。面對音樂的氛圍烘托與情境塑造，喚起想像的翅膀穿越管弦樂的浪濤起伏，盤旋在癡迷與悵惘的心碎感覺中，無可自拔。

        注定是悲劇的異國戀曲，卻以藍天大地為背景，以遼闊草原為心床，掙脫束縛與嚮往飛翔，始終是電影的寓意所在，卻也是悲劇必然伴隨的前提。John Barry善於運用抒情意味濃厚的古典管絃樂與傳統經典對話，「遠離非洲」的莫札特是如此，「似曾相識」的拉赫曼尼諾夫也是如此。在「遠離非洲」中，非洲民歌的自然嘹喨，悠然盤旋在草原與天際邊界，卻與豎笛協奏曲溫潤恬靜的氣質相映成趣。融合不同音樂養分卻渾然天成，情韻綿密。我最欣賞John Barry音樂中溫暖的管樂色澤，不論木管或銅管，都具有撫慰人心的感染力。尤其是弦樂推展行進所拉開的一道寬廣空間，既是景物的開展與視野的遼闊，也是情感的延伸與回憶的蔓延。簡單的樂句看似毫不費力，由弦樂舒卷綿延，卻充滿無以言喻的感人力量，直指人心，不由得被席捲至充滿情緒張力的時刻。或許音樂是濫情的，卻濫情得十分真摯，濫情得直可逼出潛藏心底的某些情緒、印痕。單純細膩又強烈的抒情力量，類似的電影配樂之特質似乎漸漸消失，類似的電影經典也慢慢鍍上歲月的色澤。不知不覺間人就有了懷舊的需求，因為世界變得複雜，變得陌生。

         以下聽的是遠離非洲原聲帶主題

Legends of the Fall

        大學時期接觸的電影音樂，在觀賞電影之時即深受音樂感動，看完馬上找原聲帶收藏。多年之後，則藉原聲帶重溫電影之轉折起伏，影片本身反而少看了。此部布萊德彼特早年代表作Legends of the Fall「台譯：真愛一世情」是我最為深刻的尋樂之旅，電影至少看過兩三次了，音樂也不知道聽過多少次。大學時期每每為劇中波瀾壯闊又淒美感傷的氛圍感動得低迴不已，時而熱淚盈眶時而驀然無語。我雖不是布氏之影迷，但從「大河戀」就開始注意這位性格小生。

        此電影牽涉到家族、時代、親子、兄弟、夫妻之間的感情翻騰和交錯衝突，美國中西部的開闊場景和時代遷變，家族盛極而衰的悲劇，讓此電影既有戲劇張力的衝突和愛情故事的淒美，更從講述語調的回顧視野，決定了此一傳說在遁入歷史之前的燦爛光影是如何逼人，又如何在見證這一切銷亡終歸必然的悲劇性，而讓人掬一把同情之淚。徹頭徹尾的悲劇電影日益少見，出於商業考量，電影續集的延續架構，讓主要人物一直佔據著中心地位，輕易賜死人物就等於終結續集的票房入袋。星際大戰故事隨安納金與皇帝同歸於盡而終結，但敘事開展仍能以挖掘前傳故事之隱含情節而獲得延續。而電影界在缺乏靈感而向小說、漫畫乞靈的同時，無形中也抵消了對深刻戲劇力量的挖掘。有時候悲劇是無可妥協的，故事該結束就結束，不能拖戲，更不能以續集企圖東山再起。驚愕與不敢置信是觀眾的事，感傷的浸潤或刺痛感，也是觀眾自己應該負擔的美感投資。沒有付出就不會有所得。缺少眼淚就無法體會生命的內涵。

        從藝術電影的眼光來看，「真愛一世情」的電影題材是老掉牙的男女愛情、中西部墾拓、戰爭、家族衝突、背叛與報復的交織共生。是既催情又催淚的文藝劇碼。但在此類型的電影氾濫之前，這部電影依然是質感很高的開拓之作。尤其音樂，是電影一切感人氛圍的靈魂。配樂家James Horner，同期的代表作是「梅爾吉勃遜之英雄本色」，都是迴腸盪氣，既開闊又細膩抒情的風格。James Horner巧妙運用地方音樂的素材，比如印地安音樂帶有尖銳的狩獵血腥感、神秘迷離的死亡氛圍，搭配戰場進行主題，以及壯闊悠揚的管絃樂抒情美聲，讓人淹沒在如潮似海、如風席捲、如夜神秘如大地震動的音樂，聽者心旌搖曳，隨悲傷的氛圍不由自主地沉溺在這一淒美的衰落傳奇。豐沛的管絃樂交織跌宕，在大學時期這是最讓人感動的電影配樂形式。彷彿聆聽的是一首大型的管絃樂曲，一首交響詩。各單曲既可獨立又可視為組曲中的一部份，和某些電影配樂置入些已經是經典的樂章或爵士歌謠等作不同，James Horner的配樂同出一手，一氣呵成。

        我最喜歡的一段音樂是第二音軌，首先由鋼琴彈出主題，這段電影中由女主角彈奏的短曲，不到四十秒，卻相當細膩抒情又暗含感傷，彷彿暗示女主角清新的氣質和悲哀的命運。這是一段簡單的音樂，讓聆聽之耳足以回想喚起。隨後由弦樂發展綿延，抒情的開闊感遂蔓延到天地之間，充滿原野、山林、農莊與自然，淡淡的憂傷，徘徊不去的深情。最後再由小提琴重述短曲主題，首尾自足。有時整張唱片我只反覆聆聽此曲，就足以推演一整段音樂、整齣電影的感人氛圍。多年之間我很少再聽此配樂，但是每次重聽，總讓人若有所感，所有所悟，感情經由音樂滌盪洗淨，每每獲得觀照生命的不同視野。

        以下聽的是Legends Of The Fall之主題曲

Jekyll & Hyde

        除了古典音樂和電影配樂之外，少數的音樂劇也是我聆樂之旅中不可或缺的風景。音樂劇以其鮮活的現代場景和多樣化的主題設定，如流行歌曲般的演唱曲風，搭配管絃樂團的演出，可說是歌劇類型的當代延續。尤其演唱語言多為英語，和歌劇多為德語義語法語的語言隔閡相比，音樂劇更具有現代劇場的表演優勢。在聆聽心態上，音樂劇可以輕鬆自在地聆聽，不像歌劇有各種考究的專業知識和演唱技巧，及各擅勝場的版本表現，欣賞門鑑更為嚴格。即使如此，對音樂劇的喜好，仍然無法抵消甚而超越歌劇在我古典音樂版圖中的重要性。也許這與我偏向於研究型而非享受型的聆樂傾向有關。

        最早接觸音樂劇是在大學時期，當時也是瘋狂接觸古典音樂，拓展聲音體驗的時期。偶然與同學兼室友交流對音樂的喜好時，透過同學接觸到「歌劇魅影」，而進入音樂劇的世界。不過大學畢業後，我就不再接觸新的音樂劇，對音樂劇的喜好也只停留在寥寥幾齣著名的作品。也許我只是誤入音樂劇叢林的遊客，匆匆一瞥，帶走幾株讓我著迷的物種標本。雖然接觸「歌劇魅影」最早，但我最欣賞的音樂劇卻是「變身怪醫」，其次是「悲慘世界」，最後才是「歌劇魅影」和LLoyd Webber其他的音樂劇選粹。

        「變身怪醫」的抒情旋律比比皆是，兩位主角卻有三種聲腔交錯變化，音樂的豐富性和對比性尤其讓人著迷。劇情是簡單的善惡對比，可是善與惡卻以鮮明的對立，匯聚於追求美好世界的主角Jekyll身上。簡單的劇情轉換與純粹的愛情故事，音樂卻不單調。讓人悠然神往又惆悵抒情，且充滿對比和戲劇張力的音樂。此音樂劇的抒情純粹，讓人一聽即深深著迷，內蘊的悲劇力量也讓人低迴感動，尤其故事人物追求夢想、探觸理想的精神讓人動容。最為著名的曲子當推「Once Upon a Dream」，當初也是因為此曲而深深愛上此音樂劇。其他的曲子也十分抒情悠揚，直觸心靈底層。音樂劇之歌曲，讓自己也可以隨性吟唱幾句，歌劇之詠嘆調卻只能崇拜地仰聽，模仿起來則讓人發笑，這是兩種不同的聆樂體驗，這更接近接觸古典音樂之前自己聆聽流行音樂的體驗，是久被抑制或久未嘗試的體驗。此音樂劇中，對逝去夢想的深刻憶念及對愛情的深切渴望，讓音樂透過演唱者投入的詮釋而獲得昇華轉化。善惡一身的鮮明轉換，一體兩面，人性的陰暗面無法驅除分離。此主題成為典故，甚至在科幻影集Voy中也戲謔地戲擬此一主題，看影集時更別有會心。

      以下聽的是Once Upon a Dream，實際演出版

       
以下聽的是Once Upon a Dream，電影原聲帶版

遇見過去Eternity and a Day

         1998年上映的電影「永遠的一天」（Eternity and a Day），是我唯一感受過Angelopoulos處理運鏡和生命議題的電影。多年後，電影的細節早已模糊漶漫，除非再次開啟DVD，否則電影本身的力量在歲月的磨洗後，僅剩下片段的存在，甚至是一片空無。但是音樂本身卻鮮明有力地支持著某些感受，讓我不必透過影像，也能進入這場生命旅程，穿透時光的旅程，讓往事再現，並與持續消逝的生命，作無盡的對話。過去並沒有完全過去，因為所謂的過去，永遠存在於現在，透過當下的喚起，過去鮮明可感。

        老人與狗，似曾相識卻又容易忽略的景象，也許我們都曾經看過某位牽著狗的老人，我們不作多想，但是空著手的位置，也許有曾經的溫暖牽繫，而如今已成空白。每一塊空白、每一對老人與狗的身影，都有一段故事。匆遽失落的人生還剩下什麼？老人不常笑，人生的旅途中曾經充滿笑容，曾經最無拘束的縱情之笑，綻放在老人與最親近的妻子之間，曾幾何時，無常冰凍了笑容，往事被擠壓在不常翻閱、被排擠至生命之外的泛黃信紙間。生命的歡笑與美好、舞動的身影，都透過影像與音樂的互動，深切地保留在聆聽場域中，張開的掌心還剩下什麼？也許每一段過往，都是永遠的一天，也許每一刻現在，在回憶中也是永恆的一天，只要這一刻與生命本身結合，特殊意義的時刻，凝住笑與淚的時刻。在某個旅程的午後，這一刻突然湧現、沒來由的，席捲當下，一天擴張成永恆，甚至沒有消逝、不曾變成過去，就停留在這一天，所有的時光停滯，緩慢卻悠長的，是回憶呼吸的聲音。

    Angelopoulos對生命的探尋，從歷史、詩意與國族文化的扣問，轉變成為個人生命的存在定位，過去與現在未來的並置交響，切入記憶的縱深，探詢失落與再現的維度差異。伊蓮妮‧克蘭卓（Eleni Karaindrou）的配樂，如實地探測回憶的溫度，交錯著舞動的生命旋律與惘然情懷的蔓延。和尤里西斯生命之旅偏於冷冽悲涼的灰暗色調相比，永遠的一天的音樂，體溫屬於略為溫暖、熱鬧的暖色系，但無法掩蓋整體背景緩慢感傷的氛圍，透出一種不屬於人間的冷漠感，是老人看透世情興衰起落？還是老人詩人的氣質與社會格格不入？也許我們某天都得面臨選擇，在過往消逝的美好與當下真實的失落之間選擇，但是生命仍然會繼續前進，牽狗的老人有天也許會遇見一個小孩，一個讓老人重新定位過往與當下的新生命。

        以下聽的是Eternity and a Day之主題曲

Ulysses' Gaze

        神奇的是，在開始播放這張唱片之前，我的腦海突然響起主題旋律，可我已多年未聆聽此張唱片了。這種神奇，只能用我最近閱讀的知學現象學之身體理論來解釋，甚至是超乎理論之外，身體喚起音樂的體驗，如同我們只聽幾句就馬上想起某首樂曲的名稱，甚或是一首樂曲結束後，兩首樂曲之間的幾秒空白，已預先浮現接下來的聲音。這不是理智的迅速反應所能解釋的，這源自於我們的身體體驗與聲音本身的無形關聯，但此次更為神奇的，是「尤里西斯生命之旅」的主題突然躍入腦海，在我有了聆聽準備的時候。聲音的突然拜訪沒有任何徵兆可循。

        這也是此次跟隨北上的專輯之一。一九九八，六，二三的現代詩舊作，一首短詩約略描繪我的聆樂感受，有讀詩的朋友大概還有印象。不過短短的詩句只能點逗我當下的感受，音樂是可以反覆聆聽的，尤其多年後再次挑起這段生命之旅，情境與意義之間的差異對比，人生境遇的轉折，不啻天壤之別。但音樂仍在，感染心靈的力量仍在。

        第二件神奇的事，我一直沒有真正看過此部電影，安哲羅普洛斯（Theo Angelopoulos）的電影我只看過「永遠的一日」，但已可從中略窺這位結合詩意、哲學、歷史深度獨特視野的導演，如何運用電影鏡頭和生命互動所傳達之美感意境。我看過的電影雖不少，但大多屬於消遣娛樂性質，我也不想往過於嚴肅專業的藝術電影鑽研，這樣就少了一項可以適度放鬆心情的娛樂。畢竟我嚴肅以對的興趣已包含了文學、音樂、書法、繪畫等藝術，電影是我偶爾放空的娛樂。但是某些藝術電影自有其純粹的人文精神，足以深深打動我追尋探問的心靈。即使我不刻意研究，這種美感境界仍然招喚我盤桓沉浸。

        當初購買此唱片的驅力或許來自中提琴家Kim Kashkashian或者是對Ulysses的好奇，但沒想到同時進入了Angelopoulos與女配樂家伊蓮妮‧克蘭卓（Eleni Karaindrou）深沉豐富的內在世界。Angelopoulos的電影風格，有興趣的網友可嘗試，詩意與歷史縱深和哲學內化的力量，從心靈內在游移湧現，這屬於知識分子的獨特心境和觀看視角，沉重、悠緩、卻有莫名的感人力量，對空寂與孤獨的描繪入木三分。而音樂也絲絲入扣地傳達這種情境與感人的氛圍，主題清晰明確，深沉感人，在影片中反覆出現，一聽即難以忘懷。中提琴、雙簧管、手風琴、大提琴、小號、法國號等樂器穿插移動在場景間，彷彿孤獨的不同姿態，悲傷的不同色調。面對這樣既寬闊又深入，既入世又超群，彷若沉思冥想又像踽踽獨行的音樂，任何文字都無法傳達出這種寒意深遠、刻劃深邃的境界，唯有曾與孤獨、空寂、漠然的生命體驗深深糾葛結合的生命，才能領會這種不屬於人間卻又來自內在心靈的聲音存在。但深沉豐富的內在之聲也有其面對追尋探問的熾熱力量，在風霜中支撐對尋覓的無盡追求。透過不同感情微分的變化，配樂本身的描繪書寫，也足以和電影一樣，讓人對生命之理想與堅持、尋覓與不斷前行、內在生命之旅的歷程有更深入的體驗。有沒有看過電影反而是其次的體驗了。

        以下聽的是Eleni Karaindrou 之 Ulysses Theme Lento Largo

生命力量的心靈獨奏

        天使動手術之前的一段不確定時間，我找了Solosist（中譯：心靈獨奏）這部電影來看，之前透過某部預告，我就對此電影留下深刻印象，專欄記者與拾荒遊民之間的友誼與磨擦，挖掘奇才與抗拒人群之間的張力，加上流洩出巴哈無伴奏的美妙弦音，讓我在心情低落之時想到這個故事。

        看完電影後才知道貫串整部電影的音樂不是巴哈，而是貝多芬。縈繞在Nathaniel Ayers腦海的是貝多芬音樂，弦樂四重奏、交響曲，三重協奏曲等都透過他演奏大提琴的場景而飄揚在電影不同的段落，讓原本無心再聽任何音樂的我突然間又獲得力量的泉源，發自內心深處的感動，當熟悉的弦樂四重奏聲響穿透冰冷的高架車道而盤旋升騰，這就是我要的聲音，當下的聲音迴盪喚起過往的聆樂感動，一霎時間我似乎忘卻了痛苦，忘卻了所有猶疑未斷的折磨，忘卻了這幾個月來強自堅持的心血，忘記了我企圖緊緊掌握的渺小希望，我又擁抱貝多芬音樂中埋藏在堅毅外表之內的溫柔與體貼，多麼熟悉啊！陪伴我十多年的孤獨身影依舊煢煢，英雄的穩定步伐依然既豪邁又深情地跨出每一步，這都是熟悉或嫌刻板的形象，但此時此刻對我當下的心境而言卻湧現分外親切的貼心感，彷彿是認識許久的朋友，輕輕拍拍我的肩膀，告訴我一切終究風輕雲淡，因為天容海色本澄清。

        面對外在一切橫逆與失望之摧折，僅存的點滴希望之火苗在心靈深處仍維持微弱的光芒，此時能點亮天空，遞給我熾熱太陽的，只有貝多芬溫暖又堅韌的雙手，還有一雙已經洞澈人世苦難卻堅持綻放熱情的眼眸，提醒我迎向前去之力量所在。在貝多芬的指引下，我上可以從巴哈的音樂超昇至天啟的眷顧，下可以憑藉舒伯特親暱的人性照亮希望之小溪，在最無助的時候，在不想思考不想感受的時候，這些偉大心靈的存在提醒我生之可貴；感動我，以最真誠赤裸的內在，只要聆聽之耳敞開，就還能瞥見希望，汲取生之力量。
   影片以貝多芬第九交響曲第三樂章作結，更是神來之筆，這完全是奉獻給受苦受難心靈的最好禮物。電影結束後，我隨便找出一個演奏來聆聽，不需要言語，唯有當時心靈的感動滿足，完足了與這部電影的邂逅。音樂結束了，人生還繼續著，但音樂陪伴的人生永遠有不同的色調，永遠有採擷不盡的豐饒園圃。或許，也永遠有說不完的真實故事、真實人生。

        以下聽的是電影原聲帶中，以大提琴演奏貝多芬英雄交響曲主題

通往花園的小徑，依然敞開

        簡單的音樂，簡單的童真，卻包含著不簡單的體悟，包含著讓人受用無窮的希望，神奇與愛，單純的愛，單純的世界與人。重新發現秘密角落也是重新探尋自我心靈的花園，當日漸繁蕪的園地被世俗之鎖鏈阻絕、蔓草掩蓋小徑，萎黃散落一地，風動颳起塵埃，復歸寂靜。禽鳥絕跡，日照不到之處苔癬氾濫，有多久沒有人影，沒有溫暖的聲音，沒有親切的招呼響起，在這不斷荒蕪的世界，在這被我們遺忘的世界。

        童稚的純真、笑語，驚奇地探尋世界之渴望，早已消失在追逐成人的夢想之後：夢想穩定的工作、嬌妻(多金夫)豪宅，甚或是不甚可靠的虛榮名聲。我們拋棄本真的呢喃，用理性堅定的口吻敘述對世界改造的豪氣。曾幾何時，當初堅定的口吻逐漸轉化成微弱的獨白或迴盪心間的囈語，我們認識了世界的某種輪廓，某種更為現實主義的冷酷與不可改造性，有一天我們突然變得可以與生活妥協，與過去的夢想切割，開始把理想塗抹成灰色的安居之處，然後吃飯、逛街、追逐通俗與神聖的流行、意淫與作愛、言不及義與發呆空白、發發牢騷或上街遊行，撲網路流行的浪，拔虛幻自慰的作物，刪掉永無止境的垃圾郵件，羨慕光鮮亮麗的成功，鄙視已成為眾人的自己。遺忘了最初最簡單的純真如何自然漾現在我們的笑顏中，我們既自大又自卑，因為我們什麼也不是。但是純真其實不需要學習，只是我們早已忘記當初追逐驚奇沉溺想像的蠢蠢童年，我們用理性驅趕囈語，用成人的夢想裝飾一座沒有花園的城堡。

        這是一部簡單劇情的電影，在早已不是兒童的大學時期接觸到這部電影，我沉醉於影片中自然清新的音樂，童稚單純，卻不是垂手可得般容易。故事的氛圍從晦暗陰沉的空氣中逐步解脫:掀開窗帘，讓陽光灑入，是驅趕過於保護的關照所衍生的依賴；走出城堡，開拓足域，讓身體擺脫蒼白而恢復血色，最後終於在冬盡春來的園圃中瞥見自然生機，而希望與友誼的支持讓自然綻放出最璀璨的色彩。音樂透過神秘的未知旋律交織渾然天成的童音完美地詮釋從晦暗邁向光明的過程，簡單的音符卻包含最能透入心靈的感動力量。有時候能領略簡單也是一種幸福。

        天使雖然受傷，但能一直陪伴在我們身旁，讓我們重溫自己成長過程中早已印象模糊的點點滴滴，這也是另一種貼近純真的體驗，雖然生活更加忙亂紛雜，雖然未知的育兒過程還有許多關卡要跨越，但因為有你，我的天使，讓生活煥發出不同的意義。願純真之心常伴你我，在這日漸冷漠的世界，這不是我能給你的禮物，但這或許是上天賦予的最好禮物。

        以下聽的是祕密花園主題曲

走過幽谷迎接燦爛

        1996-1997年上映的「鋼琴師」電影，是引領我進入拉赫曼尼諾夫第三號鋼琴協奏曲世界的重要推手。在這之前，拉氏四首協奏曲中，我最常聽的是第二號，第三號較難接受。但看過此電影後，我徹底仔細聆聽第三號協奏曲，深入體會這首技巧幅度艱難，樂思卻無比浪漫細膩的協奏曲，遂讓這首曲子在咀嚼後深深觸動我的心靈，成為我最喜歡的協奏曲之一，也展開了我蒐集此曲版本的旅程。

        說此部電影是音樂電影，不對；說此部電影是勵志電影，也有落差；說此電影是回憶重現之作，也不太正確。電影講述的鋼琴家大衛．霍夫考音樂成長路途中跌跌撞撞的過程，征服拉赫曼尼諾夫此首鋼琴協奏曲中難纏的厚重和弦及艱澀技巧的過程中所付出常人難以想像的心路歷程。呈現出來的是藝術家掙扎、被擊敗、轉化奮起的精神蛻變。因此電影中的音樂，與其說是襯托音樂家習藝過程中的印記，毋寧說這些鋼琴音樂都與音樂家本人的思想、情緒、精神狀態牢牢密附，成了難以拆解的共生織體。配樂中出現了舒曼、蕭邦、李斯特、拉赫曼尼諾夫、維瓦第、貝多芬等作曲家的音樂斷片，鋼琴曲份量尤其多。蕭邦雨滴、李斯特鍾、拉赫曼尼諾夫前奏曲，都佔有重要地位，更別說主角拉三，其主要旋律和演奏片段屢屢出現，反映的既是抒情天籟的招引，也是折磨累人的痛苦印記。拉三的演奏主要有兩種版本，一種是未刪節版，另一種是更多演奏家演奏的刪節版。但受此電影影響，我更喜歡未刪節版中厚重和弦的音響效果，雖然從全曲結構來看似屬多餘，但不知為何，我更喜歡未刪節版這種拖泥帶水的厚重感情。

        電影原聲帶雖無法取代電影，但這部鋼琴家為主體的配樂中，聆聽原聲帶還是帶給我聆聽不同樂曲之感動，並思索此部電影傳達出來的自我超越與自我治療的心情點滴。大衛．霍夫考並非著名的鋼琴演奏家，也難以名列世界名家，但從其自傳式的剖析來看，讓人感受到成為著名演奏家的壓力，是靈魂也難以承受的重擔。學鋼琴的人比比皆是，立志成為名家的也所在多有，但真能穩穩地站在舞台接受聽眾的歡呼與讚賞，躋身一流名家，畢竟是鳳毛麟角。有多少人在此過程中被淘汰，心血結晶付諸流水。聽眾只注目舞台上光鮮亮麗的成功者，而那些默默承擔失敗的鋼琴家，始終得自己調適成長。當我們輕易挑剔演奏家的失誤時，切記別忘了他們的付出與汗水以及看不見的種種被犧牲的童年或反常的訓練過程。此電影除了讓我對某些鋼琴名曲有深入的認識外，更讓我注意到維瓦第的兩首樂曲，一首是Gloria合唱曲，一首是女高音聲樂曲，都深深地打動我，讓我在音樂之旅中又多了美麗的邂逅。

        以下聽的是Shine (1996) 電影原聲帶中拉三的部分(與拉三原曲不同)

   以下聽的是Vivaldi - Gloria - 1 - Gloria in excelsis Deo - King_s College Choir

永不褪色的新天堂樂園

        若說音樂可以刻畫回憶，描寫失落與懷想的歷史色調，則非Ennio Morricone的音樂莫屬。之前已經在網誌回想過他譜寫的「海上鋼琴師」音樂，但Ennio Morricone讓我一頭栽進電影配樂的欣賞，卻是從「新天堂樂園」這部電影開始。接觸此電影是在大學圖書館，當時大一新鮮人對一切充滿好奇，雖然不積極參加各種社團活動，而選擇獨自探索大學生涯，我在圖書館中找到暫時棲止的場所，藉由觀賞影片和聆聽古典音樂家傳記電影，以排遣不善交際的稚嫩歲月。此部電影當時讓我深受感動，給與我肯定友誼和愛的支持力量，也由此我不會走上過於孤癖離群之生活。而此電影之配樂隨著劇情之起伏起了深入描摹情感以及烘托故事情節之作用，聲音之存在遂與影像牢牢結合。每當音樂響起，專屬於此故事特有的惆悵、追憶的氛圍與微帶失落的心緒便會馬上無端湧起，讓人心旌搖曳，難以自己，不由得熱淚盈眶。Ennio Morricone的音樂能在短短幾秒間把人拋入故事感人的情境中，即使故事細節已然忘卻，但音樂已說明了一切，我可以盡情地透過此音樂喚起某些傷懷，莫名的，卻深入骨髓的同情共感，耽溺其中，重新獲得讓心情滌淨之美感體驗。

        我們不需有類似的體驗也能感同身受，因為文學藝術只要能深深地觸及到人性底層，都有無形的感染力。同樣的，文學藝術透過此種情感感染力更能在無形中培養人更富於人性的存在體驗，藉由學習分別、失去、體驗傷痛而深化自我情感之層次並能擁有更彈性的情緒管理能力。在接觸此電影時我完全不認識Ennio Morricone電影配樂顯赫的聲名，但只要藝術性與人性深化並存於音樂中，同樣也可感動任何一顆善感而期待美的心靈，知名與否已是其次。Ennio Morricone恰如其分地貼近此部電影笑中帶淚、老少咸宜的劇情，讓此電影永遠佇立在我生命旅程中，煥發出歷久彌新的力量。多年後DVD發行完整版，細部劇情更豐富，但有時太多細節反而干擾主要情節所帶來的感動，雖然曾稍微瞥視內容，也買了DVD，卻不想打破最初形成的感動印記(也聽過完整版不如刪節版之評價)。畢竟這不單單是一部電影，我也在觀賞的過程中塗抹上我當時生活之斷簡殘編，音樂響起時，除了重溫電影之感人情節外，我也常常想起大學當時自我求索堅持對文學藝術之探詢歷程。對我而言，此電影疊合了不同的感情向度，而成為我心靈之記載。

        以下聽的是新天堂樂園電影原聲帶主題

一則美麗的傳說

        談到電影紅色小提琴，剛好之前回南部老家時拍了當時觀賞的票根，順便放上部落格，作為這部電影撼動我心靈的紀念。

        電影結束後，我就找來電影原聲帶聆聽溫習，因為這是少數讓我留下深刻印象的電影音樂。當時畢業後在一女中實習，實習時的同學兼同事介紹我看。記得是金馬影展的閉幕片，看完後觀眾熱烈地鼓掌，就像聆聽一場激動人心的音樂會。我則被優美動聽精采至極的音樂深深打動。在這部以小提琴為主角的電影中，從紅色小提琴誕生於製琴師融合期待與傷痛的雙手開始，就註定此提琴不平凡的旅程。跨越三百多年的輾轉流浪，歷經數個國家的空間遞遷，交織在此非凡提琴的血色紋路間，竟也是人世間愛、恨、嗔、癡的凝聚，死亡的陰影、天才的光芒與夭折、誘惑與情慾的撩撥、政治打壓的無聲禁令，幾乎每一段故事背後，都讓提琴的血色煥發出異樣的陰暗力量，世間形形色色的不幸與意外，一再地塗抹在提琴的紋質間。彷彿背負黑暗的詛咒，偉大的提琴在人世間的浮沉起伏間留下孤獨的聲影。電影中的提琴音樂，就在配樂家John Corigliano的樂思流衍間盪漾出一幅淒惻難解的抒情樂章。搭配當時俊男演奏家Joshua Bell的優美琴音，讓這則美麗又淒涼的傳說畫下入木三分的感人力道。這是我少數在觀賞電影的同時就暗中決定要購買原聲帶的電影之一。也是我可以隨時從腦海中喚起再現的電影音樂之一。作為電影中的主題，小提琴的音樂在電影中時而細細傾訴，以略帶感傷的口吻讓聽者被拋入這則淒美的傳說；時而激昂舞動，藉超絕不凡的身影發洩狂野叛逆不受羇勒的即興天才；時而哀傷不語，彷彿遁入回憶看盡風霜的行腳僧。音樂本身就是紅色小提琴命運的寫照。而原聲帶中收錄十七分鐘的演奏大曲：Chaconne For Violin And Orchestra，更是超越一般電影原聲帶的格局而讓音樂更具有藝術價值，此曲因而可列入音樂會演奏的曲目而登入經典音樂欣賞的殿堂。對我而言，這則小提琴所描繪出的美麗傳說，將永遠在我音樂版圖中佔有一席之地。

        以下聽的是紅色小提琴Anna's Theme

   以下是紅色小提琴中與Kaspar Weiss有關的影片段落

   以下是紅色小提琴Pope's Concert中的炫技段落

無法被囚禁的天籟

      說到電影中的音樂，絕對不能忘記「刺激1995」這部片中的莫札特「費加洛婚禮」中的詠嘆調。此片名原文是「The Shawshank Redemption」，由導演法蘭克•戴倫邦特改編暢銷作家史蒂芬•金的原著作品《四季奇譚》中收錄的「Rita Hayworth and Shawshank Redemption」，其中「Shawshank」就是鯊堡監獄之名，中文譯名取得莫名其妙，片商受之前一部賣座舊片「The Sting」（中譯「刺激」）影響，不顧原始中文電影字幕譯者的譯名，逕自改為刺激1995，惟一的好處就是讓人記得這部片在台上映的時間。我就是從這部片開始對摩根•費里曼（Morgan Freeman）這位演員留下印象。（提姆•羅賓斯（Tim Robbins）後來的作品倒是比較少見）。

        記不清這部片看過幾次了，記得當兵時在政戰學校上課，教官放這部片給我們看，當兵前我已看過一次，但軍隊的隔絕經驗格外讓我深切感受到此電影想傳達的自由、希望之可貴。那時就特別喜歡這部電影。尤其是電影中驚鴻一瞥出現的莫札特「費加洛婚禮」中的女高音詠嘆調，配合著電影情節出現，真是恰如其分。這段音樂，從監獄的擴音機傳出，迴盪在鯊堡監獄的每一個角落，瑞德說：即使他不懂此曲唱的內容是什麼，但此時無言勝有言，歌聲中難以言傳之美，讓這一刻鯊堡監獄中的囚犯彷彿重獲自由。安迪在典獄長的威脅恐嚇中刻意調高音量，其聆聽音樂的神情中有難以言喻的滿足。這是他唯一可以對抗監獄控制的武器。即使自由瞬間即逝。在隨後的兩週禁閉生活，安迪說，只有莫札特陪著他，是他最舒服的兩週。因為在腦海及心裡，音樂之美是無法被奪走的，在監牢中，音樂是監獄高牆所關不住的存在，而在人的內心，也有獄警管不到的地方，那就是希望。可以說，這一段音樂就是此電影企圖傳達希望精神的具體象徵。有文化教養的安迪和沒有教養的瑞德及其他囚犯，卻都能感受音樂之美。聲音的感染力可以超越階級、身份，讓不同文化背景的人共享豐盈美好的音樂之美。唯一感受不到音樂之美的大概是典獄長及獄卒。這段情節，是這一部電影中讓我印象最深刻的。而此電影的人文深度，不受時間的限制，讓不同世代的人都能深受感動而獲得啟發，並重新發現生活之美好。在此程度上，此電影足稱為經典。

   這幾年透過網路資訊，了解原先角逐當屆奧斯卡失利的刺激1995，卻透過網友的推薦，在網際網路電影資料庫（IMDb）的史上最佳250部影迷評選的票數中，和《教父》形成第一名與第二名之間的拉鋸戰，也是至今最多影迷參與評分的電影。所以我也常推薦這部電影給其他人，讓經典可以繼續流傳。而片中的音樂，來自「費加洛婚禮」中第三幕的女高音二重唱：「che soave zeffiretto」（溫和的微風），版本是著名指揮家Karl Bohm指揮德國柏林歌劇院管絃樂團，演唱者是Gundula Janowitz和Edith Mathis。我雖然少聽歌劇，大部分的歌劇都只有選曲版，但莫札特三大歌劇我卻都買了全曲版來聆聽，對我而言，音樂靈感美聲天籟源源不絕的作品，唯有從莫札特的筆下才能流瀉出來，這是自然清新，靈妙的聲音之美。聽歌劇不需要專注於劇情及歌詞所表達的意義，直接欣賞音樂本身旋律變化之美，就是聽歌劇最好的態度了。行有餘力再來了解劇情及創作背景，當更有趣味。而此電影選取莫札特的音樂來代言，也是神來之筆。電影中還有許多經典橋段，推薦還沒有看過電影或聽過莫札特歌劇的網友欣賞這無法被囚禁的天籟及希望。

        以下聽的是莫札特這首詠嘆調