音樂變色龍--普羅高菲夫

        生平剪影

1、Prokofiev（1891年4月11日生於烏克蘭Sontsovka，1953年3月5日逝世），父親是農藝專家，管理大片農莊土地，母親愛好音樂，教導Prokofiev彈奏鋼琴。5歲創作出自己的樂曲，六歲寫出圓舞曲、進行曲等多種音樂。1900年與母親在莫斯科欣賞古諾的「浮士德」，是Prokofiev最早接觸的歌劇。受此經驗影響開始創作歌劇，並與Reinhold Gliere（1875-1956）學習音樂，其開明的教學深深影響Prokofiev自由的創意。1904年考入聖彼得堡音樂院，主考官是林姆斯基‧高沙可夫，而當時的院長是Glazunov。但Prokofiev進入音樂院後，對於嚴格的教學環境無法適應，遂自己創作、學習，在同學眼中是高傲古怪的獨行俠，師長（如Lyadov）眼中的特異份子。在音樂院中深受Nikolai Tcherepnin（齊爾品，1873-1945）與Annette Essipova（1851-1914，曾與著名鋼琴教育家Leschetizky結婚，後又離婚）等少壯派老師的影響，並與大他十歲的Nicolai Miaskovsky（1881-1950）結為好友。畢業考試在鋼琴上表現突出，並以自己創作的「第一號鋼琴協奏曲」獲得魯賓斯坦獎的榮耀，於1914年5月畢業。
2、Prokofiev畢業後，與俄國芭蕾舞團團長Diaghilev（1872-1929）展開合作，開始創作芭蕾舞劇，同時也繼續譜寫歌劇。但1917年歌劇「The Gambler」（賭徒）遭受抵制而無法演出，直到1929年經修改後才於比利時演出。此時重要的作品，有1917年共黨革命時避難於高加索山區所譜寫「古典交響曲」，暗寓嘲諷的意味，以及「第一號小提琴協奏曲」。1918回到莫斯科舉辦幾場音樂會後，由於革命後的動盪，Prokofiev遂於5月搭火車穿越西伯利亞渡海到日本，舉辦幾場音樂會後，最後抵達美國舊金山。1919年完成具有諷刺意味的喜歌劇「三橘之戀」（The Love for Three Oranges），卻因為芝加哥劇院總監過世無法上演。為謀生所迫的Prokofiev，再度於1920年前往巴黎，於1921年完成的「第三號鋼琴協奏曲」在布列塔尼大受歡迎。而「三橘之戀」於此年底終於能在芝加哥首演，但在紐約卻不受歡迎。Prokofiev在1923年9月與歌唱家Carolina Codina（藝名Lina Llubera，1897-1989）結婚，兩人是1919年底於紐約認識的，她對於Prokofiev在巴黎的社交生活有相當大的幫助。當他與Diaghilev的合作關係結束時，指揮家Koussevitzky（庫塞維斯基，1874-1951）曾伸出援手。

3、1927年1月返回俄國，舉辦十五場音樂會而被視為俄國樂壇的大師級人物，但朋友卻勸他離開俄國，於是Prokofiev又於3月返回歐洲。在歐洲的三年內，曾於美國巡迴演出，獲得成功，並完成了為鋼琴家Paul Wittgenstein所作的左手鋼琴協奏曲（第四號）以及第五號鋼琴協奏曲。1932年決定於俄國定居，挾著在國外所建立的聲譽返國，一開始尚能被政府尊重，也應要求譜寫音樂，此階段有不少電影配樂、戲劇配樂和合唱曲等新作曲類型，此時重要的作品有「羅密歐與茱麗葉」（1936）、「彼得與狼」（1936）等。1937年Prokofiev首度被俄國官方代表Khrennikov點名批判，他為十月革命所作的清唱劇也被禁演。二次大戰前後，蘇聯對文藝控制較為放鬆，Prokofiev得以自由創作，代表作是被稱為「戰爭奏鳴曲」的六到八號鋼琴奏鳴曲，以及芭蕾舞劇「Cinderella」（灰姑娘）。在戰爭期間，Prokofiev的聲望更為提高，1945到46年間其作品在劇院上演並獲得史達林獎。然而1946年，由史達林指示進行的官方肅清活動展開，Prokofiev、蕭士塔高維契、哈察都量、Miaskovsky等無一倖免，他們的作品被指責為形式化，受西方中產階級的影響，遠離無產階級的需求。Prokofiev在工作上及家庭上均遭受迫害，不得不譜寫些迎合政府需求的樂曲。此階段的代表作有1950年的芭蕾舞劇「The Tale of the Stone Flower」，以及「第七號交響曲」。

4、Prokofiev與其妻子Carolina Codina於1941年開始分居，因為她無法適應蘇聯共產體制下的生活。Prokofiev結識新歡Mira Mendelson (1915–1968)，兩人於1948年結婚，她對於Prokofiev晚年的工作及照顧他的生活，都扮演不可或缺的地位。Carolina Codina在1948年的整肅活動中被發送勞改，但卻沒有與Prokofiev離婚。如此複雜的三角關係一直到Prokofiev過世後都無解。Prokofiev於1953年3月5日因腦溢血過世，剛好同時史達林也過世，他過世的消息因而被掩蓋了。

        音樂成就

1、二十世紀初的俄國作曲家中，Prokofiev在西方樂壇的音樂地位，足以與史特拉汶斯基相提並論，而在國內的聲望則超越了蕭士塔高維契。但是他多變的曲風，游移於神秘主義、機械敲擊特色和預示未來的精準古典精神，讓他被視為音樂上的變色龍，也是音樂上的立體主義者。他最擅長的樂器是鋼琴，透過鋼琴，徹底展現冷冽敲擊性之外所隱藏的簡潔、抒情的特色，因而寓有不能歸入任何流派的革新性之特色，並與Prokofiev所蘊含的古典傾向相融合。

2、作為具有代表性的俄國作曲家，Prokofiev創作的多元性，表現在各種音樂類型上，交響曲、奏鳴曲、協奏曲、歌劇、芭蕾舞劇、電影配樂、合唱曲、清唱劇等，而且都表現出漠視傳統規則，大膽創新、獨樹一幟的特色。其中尤其以芭蕾舞劇「羅密歐與茱麗葉」、「Cinderella」建立了蘇聯芭蕾舞上新的里程碑。

        名曲分享

「彼得與狼」，1946年Disney Cartoon

「彼得與狼」，Orchestral Suite，Bernstein指揮紐約愛樂

「彼得與狼」是Prokofiev最通俗的名作。此作是應莫斯科中央兒童劇場之邀請而譜寫的交響式的童話音樂，並透過特定主題與樂器、故事角色的搭配，向兒童介紹管絃樂團中的主要樂器及音色差異：低音管代表祖父、弦樂四重奏代表彼得、長笛代表鳥兒、雙簧管代表鴨子、吹低音的單簧管代表貓，號角代表野狼。隨著劇情的推展，音樂主題的變化樂器的交織對話也更為豐富，透過童話故事般趣味盎然的單純劇情達到認識樂器的目的，老少咸宜的入門樂曲。

「羅密歐與茱麗葉」（Romeo and Juliet）中的「Dance of the Knights」，Valery Gergiev(葛濟夫，1953- )指揮倫敦交響樂團，2008年演出

「羅密歐與茱麗葉」，有芭蕾演出的版本

「羅密歐與茱麗葉」，由Evgeny Kissin演出鋼琴版

以莎士比亞戲劇「羅密歐與茱麗葉」為題的古典音樂，至少有古諾的歌劇、白遼士的交響曲、柴可夫斯基的管絃樂曲，以及Prokofiev的這首芭蕾音樂。這首「Dance of the Knights」（騎士之舞）出現於第一幕第四場，描述在茱麗葉家所舉辦的面具舞會，羅密歐潛入舞會中，原先要追求羅莎琳的他，卻在意外中遇到茱麗葉而一見鍾情。此段舞曲有別於柴可夫斯基芭蕾音樂中的曼妙優雅，而以雄壯厚重的沉穩律動帶領舞步，形成強烈的反差，其陰鬱性和張力也暗喻著故事之後的悲劇性發展，Prokofiev不按常理出牌卻讓人覺得貼切傳神的怪才，如此可見一斑。此曲為此首芭蕾舞劇音樂中最著名的樂段，改編成鋼琴的版本也常出現在鋼琴獨奏會的安可曲中，並因為「交響情人夢」的歡迎而廣為人知。

        總結

終於在第三十天將最後一位作曲家及音樂貼上網誌，也順利完成這一次部落格傳說的比賽。這一次每天發文和過往一兩年前的經驗不一樣，先前每天的發文，可以自由決定，散漫隨性，篇幅不長，負擔不重。然而這次既要整理作曲家的生平資料，想幾點音樂成就來寫，還要從Youtube上挑選音樂，並為每一段音樂寫一小段概括的短文，付出的心力更甚以往。加上晚上的時間和假日，大都用來陪伴小孩，可運用的時間有限，不似之前隨時可寫。所幸平常先分期付款，之後再按照進度逐一完成，加上生活上尚稱平穩，沒有太多意外的橫阻影響進度，是以終能如期完成。日後也不可能再參加類似的活動，而如此小眾的主題，也不可能引起太多迴響，反正當初訂此主題的設定，就是一方面整理些綱舉目張淺顯易明的作曲家資料，方便自己記憶，日後也得以增補修改；一方面順便介紹些入門曲目，讓自己網誌中的「必聽名曲」不至於乾癟空洞，門可羅雀。如今兩個想法都已達成，先前的辛苦也留下印跡。至於這段時間讓資深樂友空手而返，就在此說聲抱歉了。一些累積下來的分享，日後再慢慢吐納。

精練的管絃樂大師--拉威爾

        生平剪影

1、Ravel（1875年3月7日生於Basque海灣法國與西班牙交界的Ciboure，1937年12月28日因腦部手術失敗而逝於巴黎），父親是瑞士裔工程師，為汽車發明的先驅（影響Ravel對機械產品的喜愛），母親是西班牙裁縫。Ravel 3歲時舉家遷往巴黎，自幼顯露音樂興趣，7歲時向Henry Ghys學習音樂，12歲向Charles René學習和聲，並於1889年進入巴黎音樂院，到1905年才畢業。Ravel受不了學院裡的成規和紀律，反而深受向學院挑戰的Emmanuel Chabrier（夏布里耶，1841-1894）與Éric Satie（薩替，1866-1925）之吸引。在音樂院中，他向Gabriel Fauré（佛瑞）學習作曲，向André Gédalge（1856-1926）學對位，他們是少數能讓Ravel信服的老師。1899年譜寫的「死公主的孔雀舞」（Pavane pour une infante defunte）深受沙龍音樂會的歡迎，Ravel也因而出名。然而1900到1903年間，Ravel連續四次參加羅馬大獎，曾於1901年獲得二等獎，其餘幾次未入選或未獲獎，1905年第五次參賽，被以年齡超過為由拒絕，引發輿論批評，知名作家Romain Rolland（羅曼羅蘭，1866-1944）還寫信抗議，在風波延燒下，院長Théodore Dubois（1837-1924）被迫辭職，由Fauré接任。之後對於法國頒發的榮譽勳章，Ravel都予以拒絕。（先前得過羅馬大獎的作曲家有白遼士、古諾、比才、馬斯奈、德布西等）

2、Ravel曾和詩人、畫家、銀行家、作曲家法雅、史特拉汶斯基等人，組成反抗傳統的團體「阿帕契」（Les Apaches），而有助於Ravel在音樂上的創新。1909年他與俄國芭蕾舞團團長Sergei Diaghilev（1872-1929）相識，受其委託譜寫芭蕾舞音樂「Daphnis et Chloé」，但因為延後上檔而與Diaghilev交惡，直到1912年此劇才於巴黎首演。1914年原先未被徵召入伍的Ravel，在極力爭取下擔任卡車司機，而參與戰事。戰後譜寫「庫普蘭之墓」以紀念傷亡者。

3、1927年Ravel展開巡迴演出，1928年在美國掀起迴響，此年完成的「波麗露」（Bolero），讓他成為聲名遠播的作曲家，他並於此年接受牛津大學榮譽學位。此年之後Ravel的健康逐漸走下坡，但於隔年為奧地利左手鋼琴家Paul Wittgenstein（1887-1961，是著名的近代哲學家Ludwig Wittgenstein的哥哥）譜寫的「左手鋼琴協奏曲」，成為此時期的名作。由於腦部的疾病日漸惡化，再加上1932年1月的一場車禍，即使Ravel到西班牙、摩洛哥等地休養，但已無法再創作。1937年12月19日，Ravel接受腦部手術，卻不幸於28日逝世。

        音樂成就

1、Ravel與德布西同為法國印象樂派的兩大代表，即使有人認為Ravel深受德布西影響，Ravel本人也不否認曾受其影響，但他卻更自覺地承繼夏布里耶、薩替、佛瑞等作曲家，而認為其作品與德布西的象徵精神有異。比較起來，Ravel的音樂更承接聖桑到佛瑞的法國音樂傳統，創作時喜歡運用奏鳴曲式和巴洛克中的音樂形式，而德布西在形式上較不講究，順著自己的感性發揮。Ravel講究準確、細緻雕琢，史特拉汶斯基曾以「瑞士鐘錶匠」來形容Ravel精緻雕琢的作風，相當傳神，Ravel本人也對於機械裝置有所偏好。Ravel的音樂旋律更為清晰、開闊，而德布西追求矇矓、不清晰的模糊之美，形成陰柔的柔和意境。然而同為法國印象樂派音樂的代表，兩人都超越傳統的音樂規範，重視如畫般的標題意境，也都熱愛自然景物，營造詩與樂的密切氛圍，並以澄澈、透明的細緻音色表現出法國音樂的精神。

2、Ravel被譽為是白遼士、林姆斯基‧高沙可夫之後最偉大的管絃樂曲之魔術師，由於他的西班牙血統，讓他譜寫出有別於德布西的西班牙節奏韻味，而自成一格。此外，他有許多鋼琴曲同時有管弦樂的改編版，經由管絃樂多種樂器的點染而蔚成色澤豐富、配器精妙的音樂精品。

        名曲分享

「波麗露」（Bolero），由Jos Van Immerseel（1945- ）指揮Anima Eterna古樂團

「波麗露」，由羅馬尼亞指揮大師Sergiu Celibidache（傑利比達克，1912-1996）指揮The Danish National Radio Symphony Orchestra，1971年

Ravel於1928年受舞蹈家Ida Rubinstein（1888-1960）委託而創作的管絃樂曲，以不變的速度、漸強的聲響、固定的小鼓節奏、不斷重複的旋律、逐漸熾熱的動態變化為特色。這首「波麗露」舞曲，首演時搭配的戲劇場景是西班牙小酒館內的舞女舞姿，在桌子上跳舞的舞女從毫不吸引人的舞步逐漸變得激烈起來，而吸引其他酒客的注意，最後大家圍在一起，激烈地與舞女共舞。此曲就在如此前衛的舞蹈表現下引起熱烈的迴響，而成為Ravel最著名的樂曲。

「死公主的孔雀舞」（Pavane pour une infante defunte），由Barenboim指揮West–Eastern Divan Orchestra

「死公主的孔雀舞」，由法國鋼琴家Jean-Philippe Collard（柯拉德，1948- ）演出

「死公主的孔雀舞」，由拉威爾1922年 鋼琴紙捲錄音

「死公主的孔雀舞」，由美國小提琴家Oliver Colbentson演出

「死公主的孔雀舞」，由Julian Bream（1933- ） & John Williams（1932- ）吉他合奏

Ravel曾批評自己的這首作品深受夏布里耶的影響，而不少批評家也指出Ravel此作是以夏布里耶的「牧歌」為範本而譜寫的。即使這是Ravel曾經深悔的少作，但其甜美感傷的氛圍，成為流行沙龍的名曲，也成為Ravel最負盛名的通俗之作。據說Ravel的靈感，來自於西班牙畫家Velázquez（1599-1660）的名畫：「瑪格麗特公主」。但如同佛瑞的「孔雀舞曲」的唯美傾向，Ravel此作的精緻細膩、優雅傷感，或許不是針對任何標題而發，不過是Ravel美感天份的流瀉而已，卻形塑出迷離恍惚的悠遠歷史感，恍如隔世的泛黃記憶，隨著綿延不絕的旋律悠悠地流入天際。

俄式浪漫--拉赫曼尼諾夫

        生平剪影

1、Rachmaninoff（1873年4月1日生於俄國Semyonovo，1943年3月28日逝世於美國加州），出生於俄國斯貴族家庭，父親擔任皇家禁衛隊隊長，擁有領土，但農奴解放後隨之沒落。父母之間因為對他未來的發展產生了歧見，因而離異，Rachmaninoff在母親的撫養和音樂教育中長大。9歲時隨母親遷往聖彼得堡，12歲進入聖彼得堡音樂院就讀，先向Gustav Kross學鋼琴，向素以嚴格教學著稱的Nikolay Zverev（1832-1893）學習，和比他大一歲的Alexander Scriabin（史克里亞賓，1872-1915）為同學，兩人之後在鋼琴和作曲上常被拿來比較。1887年轉入莫斯科音樂院就讀（Scriabin與隔年轉入）。在音樂院中，Rachmaninoff向表哥同時也是李斯特的學生Alexander Siloti（1863-1945）學習鋼琴，向Sergei Taneyev（1856-19115）學習對位，向Anton Arensky（1861-1906）學習作曲，但因為Zverev反對Rachmaninoff學習作曲（因為Rachmaninoff的大手是天生彈鋼琴的料），最後Rachmaninoff被迫離開與Zverev寄宿的生活，搬進姑姑家。畢業的時候，Rachmaninoff以歌劇「Aleko」獲得作曲大金質獎章（而Scriabin則獲得小金質獎），兩人幾乎席捲了所有大獎（Rachmaninoff的鋼琴金質獎和鋼琴家Josef Lhévinne，1874-1944共享）。離開音樂院後，Scriabin以鋼琴家的身分巡迴，而Rachmaninoff則投入作曲（和指揮）中。

2、Rachmaninoff的畢業作深獲柴可夫斯基讚賞，由大師幫他安排演出事宜，讓Rachmaninoff受寵若驚。他並在柴可夫斯基的建議下與出版商敲定合約，於1892年創作的「升C小調前奏曲」，讓他揚名歐陸。然而1895年完成的「第一號交響曲」1897年3月28日於聖彼得堡首演時卻遭遇嚴厲的批評，讓自我要求嚴格的Rachmaninoff信心全失，在未來的三年內寫不出任何作品，只好投入鋼琴演奏。即使有大文豪托爾斯泰（1828-1910）的鼓勵，也無濟於事。1900年，在心理醫生Nicolai Dahl（1860-1939）的催眠治療下，Rachmaninoff若有神助地譜寫出他著名的「第二號鋼琴協奏曲」，成為一段心理治療與音樂互動的佳話。

3、1902到1917年間，Rachmaninoff創作許多類型的作品，包含大提琴奏鳴曲、鋼琴前奏曲、鋼琴奏鳴曲、歌曲、交響詩、合唱曲等，除了鋼琴獨奏曲之外，其中的代表作有「第三號鋼琴協奏曲」，一首受歡迎度逐漸超過第二號的傑作，也被譽為史上最難彈的鋼琴協奏曲；「死之島」、「鐘」等，其中合唱曲「鐘」是Rachmaninoff心目中的代表作，反映了俄國東正教的陰鬱世界對Rachmaninoff的影響。1917年，共產政權成立，在國內無容身之地的Rachmaninoff於隔年藉巡演的機會離開俄國，經由瑞士而抵達美國，他以鋼琴演奏、作曲和指揮在美國樂壇活躍，並在歐洲各地巡迴演出。此時期的代表作有「帕格尼尼主題狂想曲」，是一首受歡迎度足以與第二號鋼琴協奏曲相提並論的名曲。

4、1935年之後，Rachmaninoff定居美國，此時的他舉行不少演奏會，並以演奏巨匠、作曲大師而在美國樂壇佔有舉足輕重的地位。此時期的代表作有「第三號交響曲」、「Symphonic Dances」等。1943年1月被診斷出罹患胸膜炎，但仍持續演奏，直到2月17日最後一場演奏會後才就醫。3月28日過世於加州Beverly Hill（比佛利山莊），未曾再踏上故鄉的土地。

        音樂成就

1、Rachmaninoff是二十世紀作曲家中頂尖的鋼琴家。他的作曲承繼柴可夫斯基俄國惆悵、憂鬱、濃烈的抒情特色，而與當時主流的俄國現代作曲家如史特拉汶斯基、普羅高菲夫不同，也與印象樂派、十二音列主義等當代音樂背道而馳，成為自蕭邦、李斯特以降的鋼琴浪漫主義之最後代表。

2、Rachmaninoff的作品以第二、三號鋼琴協奏曲以及鋼琴前奏曲最知名，充分表現Rachmaninoff對於鋼琴表現性能的了解，成為兼容艱澀技巧與深沉情感於一體的偉大創作，並與濃烈真摯的抒情性為特色。他的交響曲、交響詩，在東正教音樂的影響下而融入Rachmaninoff自身厚重交疊的鋼琴式抒情印記，而走出與其他作曲家不同的風格。

        名曲分享

「帕格尼尼主題狂想曲」（Rhapsody on a Theme of Paganini）第十八變奏，由波蘭鋼琴大師Arthur Rubinstein（1887-1982）演出

「帕格尼尼主題狂想曲」第十八變奏，由美國小提琴家Michael Rabin（麥可．拉賓1936-1972）演出

「帕格尼尼主題狂想曲」第十八變奏，吉他版(另一首安可曲是Massenet 的Elegy)

此首變奏因為出現在電影「似曾相識」中而聲名大噪，拜電影之賜吸引許多聽眾接觸到Rachmaninoff的音樂。一方面正顯露出Rachmaninoff感傷優美的旋律具有打動一般聽眾的魅力，一方面也妨礙普通愛樂者接觸Rachmaninoff更有代表性的曲目，比如他被人忽略的聲樂合唱曲。而如果受此樂章柔美抒情的恍惚氛圍所影響，而誤以為「帕格尼尼主題狂想曲」都具有此種抒情性，等到接觸到全曲才發現樂曲中有許多炫技的段落，可能會產生落差。實際上，此段音樂真的是此狂想曲中最優美的時刻，可見Rachmaninoff有能力譜寫出沙龍般的優美音樂。然而Rachmaninoff真正的音樂精神卻是承繼蕭邦的詩意、李斯特的鋼琴超技精神而融入俄國式的深沉憂鬱，以厚重磅薄的和弦形塑自己的風格。

「第二號交響曲」第二樂章，俄國指揮大師Svetlanov演出，USSR State Symphony Orchestra

在以「第二號鋼琴協奏曲」突破作曲障礙後，Rachmaninoff五年之後譜寫了「第二號交響曲」，本曲無論是感傷氛圍的浪漫聲響還是豐富的管絃樂變化，都比備受批評的第一號交響曲更為傑出，但卻免不了因為篇幅過長而被視為無病呻吟。因此此曲也曾被刪減後演出，但是隨著Rachmaninoff音樂更受歡迎，此曲的全曲版也更為常見。第二樂章的耽溺抒情實為古往今來交響曲之首，連素以憂鬱深長為特色的柴可夫斯基都難以比肩。此樂章的普及度雖不如更著名的「升C小調前奏曲」，但為了讓聽者感受Rachmaninoff音樂的黏膩深情、綿延無際，特地介紹這個樂章。

芬蘭的國魂--西貝流士

        生平剪影

1、Sibelius（1865年12月8日生於芬蘭赫爾辛基北方的Hämeenlinna，1957年9月20逝於赫爾辛基以北的Cavanpa），排行第三，父親為軍醫，母親家世良好。三歲父親過世，由母親及外祖母撫養，九歲開始學習鋼琴、小提琴。母親遵照父親的遺願，讓Sibelius就讀法律。但對於法律毫無興趣的Sibelius荒廢學業，被舅舅發現後建議改讀，Sibelius因而能重拾喜愛的音樂。從1886到1889年間，於赫爾辛基音樂院師事Wegelius（1846-1906），向Csillag學習小提琴。以優異的成績畢業並申請芬蘭政府的獎學金，留學柏林，在柏林接觸到畢羅指揮的理查‧史特勞斯和芬蘭作曲家Robert Kajanus（1856-1933）的音樂，影響Sibelius對管弦樂和芬蘭音樂的重視。一年後離開柏林前往維也納求學，與奧地利作曲家Robert Fuchs（1847-1927，也教過馬勒、沃爾夫、康果爾德等著名作曲家）和匈牙利作曲家Karl Goldmark（高德馬克，1830-1915）學習作曲，更深入德奧大師的傳統。

2、1892年返回芬蘭擔任母校的作曲、小提琴教授，並加入芬蘭的地下組織，為芬蘭的獨立盡一份心力。此年創作的交響詩「Kullervo」，受到熱烈的歡迎，Sibelius被視為芬蘭人復興民族的英雄。隔年再創作「Karelia Suite」，發揚芬蘭民族音樂，而被統治的俄國視為眼中釘，作品被燒毀並被監視，但Sibelius依然以發揚民族精神為作曲目標。自1897年起，芬蘭政府給予Sibelius終身年俸的鼓勵，以後逐年提高，直到Sibelius過世為止。1899年譜寫的「Finlandia」（芬蘭頌）更成為芬蘭精神的象徵，芬蘭的第二國歌。1900年Sibelius與赫爾辛基交響樂團在歐洲巡演，掀起對芬蘭音樂的熱潮，芬蘭人的處境也得到更多同情。

3、自1899年開始，Sibelius將創作重心從交響詩轉向交響曲，此後一直到1924年止，共創作七首交響曲。他並於1904年遷居到赫爾辛基以北的Cavanpa，過著隱居並創作的生活。1915年，Sibelius五十歲生日，芬蘭全國放假慶祝，之後六十到九十歲每隔十年的生日，都有盛大的慶祝。1926年Sibelius完成最後的一部作品交響詩「Tapiola」，此後直到過世之間的三十多年，Sibelius都封筆不再創作。

4、1857年秋天，隱居於Cavanpa的Sibelius突然將手中的手稿焚毀，並在此時Sibelius有了關於自己即將告別人世的預感。9月20日晚上，他在聆聽廣播傳來自己譜寫的第五號交響曲音樂時，因腦溢血而過世，芬蘭為他舉行國葬，並將赫爾辛基音樂院改為西貝流士音樂院，並廣設紀念館，Sibelius的名字永遠鐫刻在芬蘭的國度中。

        音樂成就

1、Sibelius以及對芬蘭音樂的熱情，對祖國獨立的動力，根據芬蘭民謠、傳說故事譜寫的交響詩、交響曲，最能代表芬蘭的民族精神和音樂風格，而成為芬蘭音樂、芬蘭作曲家的代言人。

2、Sibelius的交響曲，將芬蘭獨特的雄偉景致、蒼涼壯闊的民族精神融入交響曲的體裁中，而成為二十世紀著名的交響曲作曲家。他的交響曲跨越了浪漫樂派、國民樂派，而在第四號交響曲中兼融現代風格，而在風格上展現多樣性的變化發展。他的交響曲成就，被譽為「二十世紀的貝多芬」，是國民樂派中交響曲風格最接近貝多芬的作品。此外，1905年修訂的新版「小提琴協奏曲」，被譽為二十世紀最偉大的小提琴協奏曲，且成為四大小提琴協奏曲之外第五大的熱門選擇（另有把布魯赫的第一號小提琴協奏曲視為第五大）。

        名曲分享

「芬蘭頌」（Finlandia）有合唱的演出，由芬蘭指揮Jukka-Pekka Saraste（1956- ）指揮Helsinki Philarmonic & Radio Finnish Symphony

「芬蘭頌」，由德國指揮Horst Stein（1928-2008）指揮NHK交響樂團

為了參加1900年巴黎萬國博覽會，被委託譜寫樂曲的Sibelius，將前一年譜寫的歷史劇配樂加以整理，而以獨立的交響詩呈現。此曲為了躲避俄國的干涉，曾多次改變名稱，或為「祖國」、或用「即興曲」，1917年12月芬蘭革命後稱呼此曲為「國民頌歌」，之後才出現「芬蘭頌」的名稱。樂曲一開始由銅管演奏的苦難動機，象徵芬蘭人民被宰制的苦痛，之後出現激烈噴發的動態，象徵芬蘭人起而反抗的抗爭，音樂就在此兩動機的發展中衝激出此曲的高潮。之後在中段出現如讚頌歌吟的旋律，最後樂曲就在抗爭的動機與讚歌相融合的壯盛高潮中結束。此曲的昂揚燦爛，的確有振奮人心的鼓舞作用。而中段的讚歌後來被其他作曲家加入歌詞，譜寫成「芬蘭頌讚歌」的合唱曲，而成為最受芬蘭人喜愛的合唱曲。

「悲傷圓舞曲」（Valse Triste），由Karajan指揮

「悲傷圓舞曲」，由美國女小提琴家Maud Powell（1867-1920）演出

「悲傷圓舞曲」，由Ivo Pogorelich （1958-）演出

此曲原是Sibelius為其妻子大哥的戲劇「死亡」所譜寫的音樂，劇情描述母親病危，兒子守在床前昏然欲睡，室外傳來圓舞曲樂音，母親起身與幻想中的人起舞。逐漸加快的速度，讓舞蹈更為激烈，突然死神的敲門聲響起，母親遂倒地不起。音樂消失，兒子醒後，發現母親已離開人世。此圓舞曲沒有史特勞斯父子的雍容氣象，而蒙上陰沉的氛圍，情感倏忽變化，而讓此曲成為Sibelius受歡迎的名曲。

象徵與聲外意境--德布西

         生平剪影

1、Debussy（1862年8月22日生於巴黎西郊St. Germain-en-Laye，1918年3月25日病逝於巴黎），父親忙於工作，母親不喜歡小孩，而由姑媽撫養。四歲左右跟義大利鋼琴家Giovanni Cerutti學習，從小又透過姑媽的情夫而接觸不少畫家及名畫作，潛在地影響他日後對音樂的創新。1871年Debussy透過下獄的父親，認識Maute de Fleurville夫人，她是蕭邦的學生，發現Debussy的音樂天份，鼓勵並幫助他於1872年進入巴黎音樂院就讀，他在音樂院內與Antoine François Marmontel（1816-1898，他有許多著名的學生如比才、丹第、MacDowell等）學習鋼琴，與Émile Durand（1830-1903）學習和聲，在法朗克管風琴班上課。

2、1880年到82年間在梅克夫人家中擔任音樂教師，並接觸到穆索斯基的音樂，深深影響Debussy關於詩和音樂的觀念。1884年以「浪子」一作榮獲羅馬大獎，在羅馬三年後返回巴黎。與巴黎的藝文界往來，Debussy最常在著名的「黑貓咖啡館」與象徵派詩人、文學家、印象派畫家交流，奠定他醞釀新音樂語言之基礎。在1887到1893年間，Debussy也曾著迷於華格納的音樂，然而多年後他就擺脫這股潮流（也受到Erik Satie，1866-1925的影響）。於1902年完成的歌劇「Pelléas and Mélisande」則脫離華格納的影響，確立了Debussy音樂象徵主義和東方化意境的革新發展。但也因此劇與劇作家Maurice Maeterlinck（1862-1949）衍生一場官司糾紛，起因於導演不讓劇作家妻子擔任首演的女主角而另覓他人。雖然官司勝訴，但兩人的交情也到此為止。

3、Debussy在感情上過於率性而為，喜新厭舊，因而招來許多對他為人的非議。年輕的時候愛慕年長他十幾歲的建築家之妻，後來和綠眼嘉比Gabrielle Dupont同居十幾年，她體貼地照顧Debussy的生活起居，然而Debussy以翻臉拋棄她作為報酬。他在1899年10月與Lily Taxier結婚，而被朋友們視為醜聞。接下來又在1904年拋棄Lily與銀行家之妻也是歌劇演員Emma Bardac（1862-1934）私奔，Lily還因此自殺未果，之後兩人離婚，Debussy也在1908年與Emma結婚。當時巴黎的知識分子都同情Lily，認為Debussy貪圖Emma的財富才與之結婚。然而Debussy只是追求著自己對愛情的理想。婚後生活美滿，Debussy與暱稱為秀秀（Chouchou）的女兒感情十分好，他為女兒譜寫了鋼琴曲「兒童天地」與舞劇「玩具箱」。Debussy過世後一年，女兒也跟著離開人間。

4、晚期的Debussy留下了不少室內樂的精品。1818年3月25日，在第一次世界大戰德軍的戰火攻擊中，Debussy病逝於巴黎。當時主要的音樂家如杜卡、拉威爾、薩替、巴爾托克、法雅、史特拉汶斯基等十位作曲家，都譜寫樂曲紀念Debussy。

        音樂成就

1、Debussy憑著其才華超越西方古典音樂傳統的藩籬，以其敏銳的觸感捕捉音樂中的光影色澤之微妙變化，而開創出音樂中的象徵精神以及印象主義。他對於旋律、調性、和聲、節奏、曲式等音樂要素的突破，打破學院派中的種種規範，而將音樂的表現力和想像力釋放，而有更自由多元的表現。如此塑造出的音樂，具有飄邈不確定性的氛圍，讓音樂在烘拓心象，指向視覺性的感官體驗方面更為突出。結合Debussy對自然諸景如風、水、海、光的偏愛，營造出透明朦朧的印象流動，而讓音樂衍生出音符之外的微妙意境。

2、Debussy的印象精神，透過細緻多變的管絃樂音色和精緻華麗的鋼琴音樂，呈現出色彩繽紛、迷離恍惚的優雅氛圍和清靈曼妙的抒情意味。而他唯一的歌劇「Pelléas and Mélisande」同時也是古往今來絕無僅有的歌劇，沒有詠嘆調、只有如語言般的歌曲，在澄澈透明精雕唯美的世界中存在著。Debussy徹底實踐了穆索斯基音樂語言的理想。

3、Debussy的鋼琴音樂「前奏曲」集，被視為巴哈「平均律」、貝多芬「奏鳴曲」之後最具有革命性、前瞻性的偉大鋼琴作品。Debussy理想的琴音是「無槌之音」，這是法國拉摩、庫普蘭精神的現代回歸，他的鋼琴音樂不再是巴哈的宗教知性精神，也不再是貝多芬熱力彌滿的奔放情感。巴哈與貝多芬以及大部分Debussy之前的鋼琴家，都指向有意之言的呈現，而Debussy的鋼琴語言是虛浮空靈、微妙難明的，指向的是聲響本身純然的存在狀態，是套著標題之外衣的無意之言，純粹耽溺於聲響所能開顯的世界本身。如對文學上象徵詩、純粹詩歌有所體會，就更能掌握住Debussy音樂中的象徵性、純粹性，他透過音符達到象徵詩人所企及的境界。

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「月光」，選自「Suite Bergamasque」，由俄國鋼琴大師Richter（1915-1997）演出，1977年

「月光」，由俄國小提琴大師David Oistrakh（1908-1974）演出，1962年錄音

「月光」，由Leopold Stokowski（1882-1977）指揮費城交響樂團

「月光」，由英國大提琴家Julian Lloyd Webber（1951- ）

此組曲由四首小曲組成，第三首的「月光」，是Debussy鋼琴作品中最通俗的名曲，也被改編成各種演奏形式。舒緩優美澄澈的旋律，暗示月光的閃爍不定，如夜曲般的平緩速度，則有邀人入眠的溫柔感。從寧謐的氛圍到略顯激動的情感晃漾再回到原先的空寂，透過月光搖曳不定的折射，變幻多姿，讓人興發無邊無際的遐想。

「棕髮少女」（La fille aux cheveux de lin），由義大利鋼琴大師Arturo Benedetti Michelangeli（米開蘭傑里，1920-1995）演出

「棕髮少女」，由法國小提琴大師Zino Francescatti（1902-1990）演出

「棕髮少女」，由俄國大提琴家Vladimir Orloff（1928-1977）演出，1973年錄音

收錄在「前奏曲」第一冊第八曲的「棕髮少女」，是知名到讓人忘記它出現在前奏曲中的名曲。少女棕色的髮絲在微風中飄揚，純淨甜美略帶愁緒的音樂，烘托出少女臉龐所漾起的細緻光澤，少女的情感、少女髮梢下的眼眸凝望著什麼，都引人遐想聯翩。也許我們可以考究出哪一位棕髮的女性是Debussy此曲靈感的來源，但如不作這種煞風景的猜測，可以把棕髮少女視為Debussy美感想像的凝聚，一種恍然迷離的詩意追求。

歌劇與愛情--普契尼

        生平剪影

1、Puccini（1858年12月22日生於義大利Lucca，1924年11月29日逝於布魯塞爾），出生於傳承五代的音樂家族，六歲時父親過世，母親先請弟弟Fortunato Magi教Puccini音樂，再由丈夫的學生Carlo Angeloni教導。10歲時加入San Michele教堂唱詩班，14歲開始擔任管風琴師，兩年後進入Pacini音樂學校。1876年Puccini觀賞威爾第的歌劇「阿伊達」後，深受影響而立志成為歌劇作家。在其母親奔走下，透過女公爵與女伯爵遊說Margherita王妃，同意以一年的時間資助Puccini。1880年12月Puccini進入米蘭音樂院先師從Antonio Bazzini（1818-1897，著名小提琴曲「妖精之舞」的作者），後跟隨Amilcare Ponchielli（1834-1886，歌劇「喬宮達」作者）學習作曲。一年的資助結束後，再由其叔祖Nicolao Cerù資助其學費。Puccini在老師家所舉行的音樂聚會，認識到劇作家Arrigo Boito（包益多，1842-1918）、Giuseppe Martucci（1856-1909）等人，而對其歌劇創作有所幫助。

2、1884年在多位劇作家資助下於米蘭演出的歌劇「Le Villi」，初試啼聲，獲得聽眾熱烈的支持。1884年6月Puccini加入出版商Giulio Ricordi（1840-1912）旗下，獲得每個月的固定薪資，改善了Puccini的生活。他的第二部歌劇「Edgar」於史卡拉劇院演出失敗，讓Puccini更體認到優秀劇本的重要，這也表現在日後Puccini對於劇本的挑剔講究上。1892年，經過三年多的修改，更換多位劇作家之後，所完成的「Manon Lescaut」（曼儂‧雷斯考）讓Puccini一躍而成為義大利最知名的作曲家，而讓馬斯奈於1884年所完成的同名歌劇黯淡無光。

3、1896年2月，Puccini的歌劇「波希米亞人」（La Bohéme）在三年多的創作後，於杜林劇院首演，卻無法馬上吸引聽眾，幾個月後，此劇才受到歡迎。而Puccini也因此劇和米蘭音樂院的同學Ruggero Leoncavallo（1857-1919，歌劇「丑角」的作者）產生不快，後者同時期創作的同名歌劇被Puccini比了下去。1900年1月，Puccini下一部歌劇「托斯卡」（Tosca）於羅馬首演，Margherita王妃與總理和許多名人蒞臨觀賞，也獲得聽眾熱烈的迴響，但評論界卻對此曲大作批評，Puccini也因此劇與長期合作的劇作家Luigi Illica（1857-1919）與Giuseppe Giacosa（1847-1906）發生許多不愉快。1904年2月於米蘭首演的「蝴蝶夫人」（Madama Butterfly），卻遭到意料之外的慘痛失敗，Puccini聽從指揮家Arturo Toscanini（托斯卡尼尼，1867-1957）的建議修改，三個月後於Brescia劇院演出而獲得成功，1906年於紐約大都會歌劇院演出。

4、1904年與認識並同居十幾年的Elvira Gemignani結婚，但1908年她指控Puccini與女傭Manfredi有染，對她羞辱後趕出家門，最後Manfredi以自殺表示清白，事後證明她果然是完璧之身，Gemignani也因而被判刑。此次的情感糾葛讓Puccini心情低落。他下一齣歌劇是1910年12月於紐約大都會歌劇院上演的「西部女郎」（La Fanciulla del West），在美國大獲成功，隔年在羅馬的演出也受到歡迎。1913年到1918年間，Puccini分別完成「外套」（Il Tabarro）、「修女安潔莉卡」（Suor Angelica）、「強尼‧史基基」（Gianni Schicchi）等合稱為「三部曲」的歌劇，展現了Puccini的創新性。最後未完成的代表作「杜蘭朵公主」（Turandot），Puccini在譜寫完柳兒自殺前的詠嘆調之後，於1924年11月動喉嚨手術，幾天後過世，留下了未完成的手稿。該劇在出版商邀請作曲家Franco Alfano（1875-1954）續完全曲。1926年4月25日於米蘭史卡拉歌劇院首演，指揮Toscanini演到柳兒殉情之後停下指揮棒，轉身對觀眾說：「歌劇在此結束，大師寫到此處就去世了」。

        音樂成就

1、Puccini是威爾第之後最受歡迎的歌劇作曲家，他的歌劇譜寫尤其以對女性的心理、情感之描摹特別深入，而且專注於日常生活中的悲歡離合，描寫庶民的情感，劇情清晰易懂，容易引起觀眾共鳴。威爾第擅長鋪陳大場面大氣勢的歌劇場景和音樂張力，Puccini的歌劇更為抒情細緻，更得到一般聽眾的擁護喜愛。

2、Puccini身處於十九世紀末到二十世紀初音樂風潮轉變的劇烈時期，新古典、印象、十二音列主義等新音樂精神也被Puccini吸收，但他卻不追求新表現，而將之與義大利寫實主義以及自己的抒情特質融合在一起，而形成獨具個人特色的音樂。他的代表三大歌劇是：「波希米亞人」、「托斯卡」、「蝴蝶夫人」。但由於Puccini的作品以其通俗淺易的特性，深受一般聽眾的喜愛，也引起理論型或智識型的愛樂者、批評家的批評，認為他的作品都是通俗不入流，難登大雅之作。但是此種不食人間煙火的嚴苛批評，實在忽略了最偉大的音樂要先感動人心，而非只是理論的應用或一味追求創新而已。

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「波希米亞人」，妳那冰冷的小手(Che gelida manina )，由義大利男高音Luciano Pavarotti(帕華洛帝)演唱

「波希米亞人」最著名的詠嘆調，描述住在詩人魯道夫隔壁的女工咪咪，一天夜晚敲門向詩人借火柴，卻不慎遺落鑰匙。當咪咪再次回來尋找鑰匙時，門外吹來的風將所有的蠟燭熄滅，兩人在地板上摸索尋找。突然魯道夫碰到咪咪的小手，讓她受到驚嚇，然而詩人開始吟唱優美的歌曲，詩人說，讓我來溫暖妳的小手，在黑暗中尋找是徒勞無功的（實際上他先找到鑰匙而藏了起來），不如等月光出來吧。隨後詩人向女主角介紹自己在寫作中、在幻想的樓閣中是百萬富翁，只有一雙美眸能偷走我的財富……。藉著難得的機會，詩人向對方傾訴愛意，而音樂也十分優美動人，膾炙人口，Puccini的音樂魔力讓人難以抗拒，而「波希米亞人」中窮藝術家在困境中依然保持著追求藝術的熱忱，更讓年輕的我入迷留戀。其後女主角唱出「我的名字是咪咪」，也是此劇中的著名詠嘆。

「杜蘭朵公主」：公主徹夜未眠，由Pavarotti演唱

「杜蘭朵公主」中刁蠻冷酷的公主提出三道謎題為難前來徵婚的人，沒想到一個年輕的王子一一破解謎題，公主卻不願意下嫁。王子反而提出一個謎題，要公主猜測他的姓名，如能在隔天清晨說出他的姓名，就可以不必嫁他，他也願意引頸受死。於是公主通令所有北京城的人全都不許睡，一定要查出神秘王子的姓名。充滿自信的王子確定自己即將勝利，高聲唱出這首著名的詠嘆調。「公主徹夜未眠」的曲名是「誰都不許睡」，王子重複著公主對官吏下達的命令，並猜想公主未眠的同時懷著愛情與希望看著天上繁星，明天將由自己的熱吻對公主揭露這個秘密，明天將征服一切。此首詠嘆調在歌劇中扮演著轉折的關鍵，神秘王子的自信讓公主方寸大亂，但隨後的劇情卻急起直下，冷酷的公主襯托出王子婢女柳兒的情深意重，不禁讓人興起「如此公主不要也罷」的想法。

英國的榮光--艾爾加

        生平剪影

1、Elgar（1857年6月2日生於英國Worcester市西北方的Broadheath村莊，1934年2月23日），排行第二，父親是管風琴師、小提琴師兼鋼琴調音師，並開了一間賣樂器和樂譜的店，母親愛好文學、藝術。Elgar由父親啟蒙音樂，並上Littleton House學習音樂，而父親店中的樂譜也有助於他的自學。離開學校後，Elgar曾作過法律工作，後來在父親的店裡工作，並代理父親在聖喬治教堂的伴奏。15歲的時候，Elgar曾想到萊比錫留學，但學費不夠只好在當地的樂團演奏、寫作音樂。1880年擔任Worcester樂團的小提琴手。1882年，雖無法湊足經費到萊比錫就學，但所存的錢已能安排一段萊比錫之旅。Elgar從布商大廈演奏舒曼、華格納、布拉姆斯之作而獲得啟發。隔年與德弗札克有所接觸，也深受其音樂吸引。在1883到87年間，在自己的家鄉，Elgar的作品有更多演奏的機會。1889年5月，與大他九歲的Caroline Alice（1848-1920）結婚，在妻子的鼓勵下，搬到倫敦企圖打入音樂界，但後來因為健康和經濟的因素而再搬回鄉下。

2、從1890年到1898年間，Elgar的聲望只侷限於地方上，在他的努力下，許多作品的演出評價都不錯，也逐漸被視為合唱曲和大型管絃樂曲的優秀作曲家。直到1898年6月「謎語變奏曲」由德國指揮家Hans Richter在倫敦首演，大獲成功，在全國各地演出，奠定Elgar著名英國作曲家的地位。這首別出心裁的作品，也反映了Elgar與其家人都熱愛的拆字遊戲之影響。然而，Elgar接下來更有企圖心的作品神劇「The Dream of Gerontius」，在伯明罕的演出一敗塗地，讓Elgar心灰意冷。1901年「威風凜凜進行曲」在逍遙音樂節中的演出，更讓Elgar成為英國家喻戶曉的作曲家。Elgar被邀請擔任英王愛德華七世加冕典禮的作曲家，他也在英王的建議下，將第一首進行曲配上歌詞，寫成「希望與榮耀的土地」，成為英國的第二國歌。1904年3月倫敦舉行艾爾加慶典，英王和皇后都蒞臨這場音樂會。Elgar並於7月被冊封為爵士。在這幾年間，他的音樂也傳佈到歐陸，而被視為最重要的英國作曲家，曾在1894與1905年分別獲頒劍橋與耶魯大學榮譽博士。之後在1908年的第一號交響曲，1909年的小提琴協奏曲都大獲成功，只有1911年的第二號交響曲初演時，聽眾反應較冷淡，1919年的大提琴協奏曲也是如此，但之後都證明其為傑作。此階段Elgar完成了不少室內樂。此時Elgar功成名就，作品數量急遽減少，加上1920年4月妻子過世，之後他很少譜曲，如同羅西尼和西貝流士一樣，Elgar在過世前十幾年幾乎停止創作。

3、晚年的Elgar，過著寂寞孤單的生活，他刻意避談音樂，不出席音樂活動，而沉浸在賽馬、養狗、板球等活動中。他仍意圖創作第三號交響曲，但最後僅存草稿，反而在作曲之外的錄音活動，留下了許多指揮自己作品的珍貴記錄。他從1914年開始錄製自己的作品，1932年留下了和十五歲的曼紐因合演的小提琴協奏曲之歷史紀錄。1934年2月23日，Elgar過世，在過世前幾天，Elgar還積極投入錄音活動，並聽著自己錄製的音樂。他過世後，只有少數幾個朋友參加他的葬禮。

        音樂成就

1、Elgar是英國自巴洛克時代普塞爾以降，最偉大的英國作曲家。在普塞爾之後，Elgar之前，深受英國人喜愛的作曲家，多是來自歐陸的韓德爾、海頓、孟德爾頌等人，此種風氣，造成英國本土作曲家對於德奧傳統的學習模仿，而無法走出屬於英國的風格。Elgar的音樂雖然受華格納、布拉姆斯、理查‧史特勞斯影響，但他注入獨特的英國韻味，而成為二十世紀之後最具有國際聲望的英國作曲家（但Elgar過世前十年到過世後聲望逐漸下跌，無復在世時的光采），和Vaughan Williams（佛漢威廉士，1872-1958）、Delius（戴流士1862-1934）並稱為近代英國三大作曲家。

2、Elgar的音樂以合唱曲、神劇、交響曲、管絃樂曲、協奏曲為主，他的慶典音樂深受英國民眾的喜愛，管絃樂曲則可與德奧作曲家的一流作品相提並論，大提琴協奏曲也是足以和德弗札克之作並列的名作。但由於他成名於一次世界大戰之前，經歷戰爭的阻隔和戰後新音樂潮流的變化，Elgar的音樂遂被視為舊時代的代表，而飽受更多批評。

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「威風凜凜進行曲」（Pomp and Circumstance March No.1），由Daniel Barenboim(巴倫波因，1942- )指揮柏林愛樂

「威風凜凜進行曲」（Pomp and Circumstance March No.1），由Elgar指揮中段音樂，1931年

五首「威風凜凜進行曲」中，此首一直是最受歡迎的一首，不僅進行曲的主題氣勢昂然，振奮人心，而其後的歌詠旋律在意態上也十分從容寬裕(其音樂被改編而出現在「我們這一家」片尾曲中)，而音樂的轉折行進更是一氣喝成，飽滿淋漓。此首樂曲傳神地將英國愛德華七世的帝國餘暉透過壯盛悠揚的管絃樂傳達出來，這也是Elgar最擅長的慶典音樂。雖然他大部分的慶典音樂因為不合時宜而被淘汰，但從此作我們還可瞥見其光采。

「愛的禮讚」（Salut d'Amour ，Love's Greeting），由Yehudi Menuhin(曼紐因)演奏

「愛的禮讚」，由美國小提琴家David Nadien（1926-?）演出

「愛的禮讚」，管絃樂版

「愛的禮讚」，義大利裔法國鋼琴大師Aldo Ciccolini（契可里尼，1925- ）於大師班上的演奏

「愛的禮讚」，由美國大提琴家Narek Hakhnazaryan（1988- ）演奏

Elgar最通俗的名作「愛的禮讚」，被改編成各種樂器各種演奏形式，這種沙龍式的輕音樂讓Elgar廣為人知，如同「威風凜凜進行曲」反應英國的帝國榮光，但也掩蓋了其他作品的深度。這首樂曲原為Elgar送給妻子的新婚禮物，曲風明朗溫柔，旋律優美動聽，讓人聽了心生愉悅之情。Elgar譜寫了鋼琴獨奏、小提琴與鋼琴合奏、管絃樂等三種演奏形式，在推出之後深受群眾歡迎，也讓Elgar的出版商大賺一筆。不過Elgar當時因為經濟貧困，只好將這首曲子賣斷，沒有因此曲的收入改善生活。此曲後來被改編成各種樂器、各種組合的演奏形式，反映了它歷久不衰的知名度。

法國的精美珠玉--佛瑞

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1、Fauré（1845年5月12日生於法國南部Ariège省的Pamiers，1924年11月4日逝世於巴黎），排行最末，其父親是教師，Fauré在父親任職學校的教堂中學習管風琴。從小顯露音樂天份的Fauré，9歲的時候，其父親在老師的建議下，讓其從普通學校轉讀巴黎的Niedermeyer。這是1853年所創立的新學校，以宗教音樂的訓練為主。Fauré一開始向創辦人Louis Niedermeyer（1802-1861）學習古典時期和巴洛克的音樂，老師過世後又向新進教師聖桑學習，透過聖桑而接觸到李斯特、華格納等更為現代的音樂。Fauré能有日後的成就，大都要拜聖桑這位良師益友的提拔。1825年Fauré從學校畢業，榮獲了鋼琴、管風琴、和聲和作曲等項的首獎。此時他已創作不少歌曲和鋼琴曲。1866年到70年間，Fauré在布列塔尼以及巴黎等地擔任管風琴師。1870年參加普法戰爭，擔任通訊兵。

2、1871年Niedermeyer學校從巴黎遷往瑞士，Fauré也在此擔任作曲教師。10月回到巴黎，擔任Saint-Sulpice教堂的管風琴師，與知名管風琴家Charles-Marie Widor（1844-1937）共事。之後在巴黎的音樂圈中，常常參加聖桑所成立的國家音樂協會的活動，1874年成為協會秘書。1874年，Fauré接替聖桑在Madeleine教堂管風琴師的職位，1877年後同時擔任該教堂的合唱指揮。在此教堂中，Fauré默默工作了將近二十年，而在1896年被聘為巴黎音樂院作曲教授。先前已有人推薦Fauré擔任此一職位，但一直被當時的院長Ambroise Thomas（1811-1896）反對。當時擔任作曲教授的Jules Massenet（馬斯奈，1842-1912）意圖爭取院長寶座，並要求終身職，但政府當局決定取消音樂院長終身職的陋規，最後院長由Théodore Dubois（1837-1924）擔任，Massenet引退，遺缺由Fauré接任，而Ambroise Thomas也跟著辭職。1905年，Dubois因為拒絕頒發羅馬獎給拉威爾，引發輿論不滿而下臺，Fauré接任院長，一直到1920年。

3、Fauré擔任院長期間大力改革，引起保守份子的抗議。其譜寫的作品在法國不太受歡迎（生前未曾演出他的名作「安魂曲」），而在英國逐漸受到肯定。在法國之外，Fauré贏得了諸如柴可夫斯基、阿爾班尼士（Albéniz，1960-1909）、理查‧史特勞斯、Aaron Copland（柯普蘭，1900-1990）等人的稱讚或仰慕。1908年，Fauré曾到英國參加艾爾加第一號交響曲的首演，與艾爾加一起用餐，而讓對方留下不錯的印象。1909年擔任「獨立音樂協會」的主席，這是不滿於聖桑創立的「國家音樂協會」而另外成立的組織。1920年因耳疾體衰從院長的職位退休，獲得國家頒發的勳章，1922年還得到官方公開表揚。1924年，帶著戒慎恐懼的心情完成最後一件作品「弦樂四重奏」，不到兩個月之後，他就病逝於巴黎。

        音樂成就

1、Fauré在法國音樂史的地位，在於將聖桑所建立的法國音樂精神，傳遞到後輩如拉威爾身上，但與聖桑和拉威爾不同的是，Fauré最擅長的音樂形式是室內樂的小品形式，尤其是歌曲與鋼琴。他的鋼琴曲深受蕭邦影響，更發揮了纖細精巧的細膩詩意，而形成了優雅內省的神祕性，將法國音樂的澄澈透明性、純淨美感，發揮得淋漓盡致，並且有個人獨屬的私密空間。這是Fauré的音樂有別於德奧古典、浪漫樂派的最大差異。而他的歌曲也與德布西不同，德布西受穆索斯基影響而重視聲樂和語言朗誦的關係，而Fauré歌曲的詩樂關係更接近舒伯特、舒曼以來的歌曲精神，聲樂和音樂之間，維持著細膩的對話關係。他的室內樂，也是法國作曲家中的精品。而聲樂作品中最著名的就是「安魂曲」，與莫札特、威爾第之作並列為三大安魂曲（也有另一說三大安魂曲是莫札特、威爾第、布拉姆斯之作）。

2、佛瑞在巴黎音樂院任教並擔任院長，長達二十四年，培育了不少音樂人才，最著名的有拉威爾，其他還有Florent Schmitt（1870-1858）、Charles Koechlin（1867-1950）、Louis Aubert（1877-1968）、Jean Roger-Ducasse（1873-1954）、George Enescu（安奈斯可，1881-1955）、Nadia Boulanger（1887-1979）等著名音樂家。有助於法國近代音樂的推展。


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「孔雀舞曲」（Pavane），Op.50，由俄國指揮Vladimir Ashkenazy（阿胥肯納吉，1937- ）指揮NHK Symphony Orchestra，2005年錄音

「孔雀舞曲」（Pavane），Op.50，合唱版，由Maurice Handford（1929-1986）指揮Halle Choir and Orchestra，1981年

「孔雀舞曲」，Fauré自己演奏的鋼琴紙捲錄音

「孔雀舞曲」，長笛與吉他版（只演奏A段）

拉威爾的「為死公主所做的孔雀舞曲」，樂評家想盡辦法想知道所謂的「死公主」究竟是誰？但拉威爾卻強調這首樂曲描繪的是對於美的執著與追求。這種追求，從「孔雀」的形象足可引起人無盡的美感想像。而拉威爾的這首作品受到Fauré這首「孔雀舞曲」的啟發。這是法式音樂的極致，耽溺於美，美是唯一的宗教，唯一的世界。Fauré音樂中的慵懶、迷濛、陰柔、朦朧如幻的感官世界，沒有德國音樂言志載道的精神訴求，而只是為美而存在，無所為而為的自然存在，此種藝術美的追求，是非常狹隘的世界，但卻不能不存在，不能不透過Fauré的體會，而讓人一瞥這個世界精緻純粹的美好片段。


「洋娃娃組曲」（Dolly Suite）全曲版，由巴西鋼琴家Magda Tagliaferro（1893-1986）與Daniel Varsano（1953-1988）雙鋼琴

「洋娃娃組曲」，第一樂章，由英國指揮家Thomas Beecham（畢勤，1879-1961）指揮法國國家管絃樂團

「洋娃娃組曲」，第一樂章，吉他二重奏版

「洋娃娃組曲」，第一樂章，法國鋼琴家Alfred Cortot（柯爾托，1877-1962）演出，1925年版

「洋娃娃組曲」是Fauré最受歡迎的作品，也是Fauré器樂曲中唯一有標題的作品。此一組曲從大人的角度描繪兒童的世界，和舒曼的「兒時情景」和德布西的「兒童天地」，同為此類想像世界的傑作。此組曲由六首小曲所組成，六小曲的標題分別如下：搖籃曲、貓、洋娃娃的花園、小貓圓舞曲、溫柔、西班牙舞曲。其中第一曲「搖籃曲」最常出現在入門選集中。Fauré的「洋娃娃組曲」，比之舒曼和德布西的作品，更洋溢著童話般溫柔的氛圍，更可見出Fauré在鋪陳情境上如何敏銳獨到、營造出柔美的風格，而展現出纖細雅致的特質。另外，擅長小品的Fauré，有許多短章如Sicilienne、Elegy，透過大提琴的吟詠，都是一朵花一世界的動人樂章。

瑰麗的俄國之音--林姆斯基‧高沙可夫

        生平剪影

1、Rimsky-Korsakov（1844年3月18日生於俄國聖彼得堡東南方的Novgorod省之Tikhvin，1908年6月21日逝世於聖彼得堡），出生於航海世家，家族中有多位海軍將領、軍官，而其父親在沙皇統治時期擔任要職。自幼顯露音樂天賦，由父親啟蒙鋼琴，但航海的夢想卻更吸引著Rimsky-Korsakov。他於1856年7月，進入聖彼得堡海軍官校就讀，1861年在鋼琴兼作曲老師Theodore Kanille的介紹下，認識了Mily Balakirev（巴拉基雷夫，1837-1910），隨後加入Balakirev所領導的音樂集團，承繼俄國音樂之父Mikhail Glinka（葛令卡，1804-1857）對俄國本土音樂的開拓精神，以振興俄國國民音樂為目標，成為「俄國五人組」中的一員。其成員除了Balakirev、Rimsky-Korsakov之外，還有 軍人兼工程師César Cui（桂宜，1835-1918，擅長音樂評論）、軍官Modest Mussorgsky（穆索斯基，1839-1881）、醫師兼化學家Alexander Borodin（鮑羅定，1833-1887）等人，這些業餘音樂家，彼此志同道合討論音樂，成為推動俄國本土音樂的新力量。Rimsky-Korsakov 於1862年畢業後，登上艦艇任職出海，三年的遠航雖然擴展了Rimsky-Korsakov的眼界，認識許多異國城市，但最終發現對音樂的渴望超越教條式的軍旅生活。1865年再度回到「五人組」中，創作了不少作品。

2、1871，Rimsky-Korsakov獲聘擔任聖彼得堡音樂院作曲及管弦樂法教授，開始惡補對位和和聲理論，主要參考Cherubini和柴可夫斯基的著作。累積多年的教學經驗後，才於1884年編寫教材《和聲法》。1872年與鋼琴家Nadezhda Purgold（1848-1919）結婚，由Mussorgsky擔任伴郎。在結婚前的1871年，Mussorgsky與Rimsky-Korsakov還曾同住，忙於譜寫各自的歌劇，而這種同住經驗也有助於彼此作曲經驗的借鑑交流。但當五人組逐漸產生摩擦，Mussorgsky不滿Rimsky-Korsakov的學院式傾向而指責他，而Rimsky-Korsakov也因Balakirev過於專斷獨裁而開始疏遠，最後五人組因而拆夥。

3、1881年Mussorgsky過世，Rimsky-Korsakov接替Balakirev成為宮廷禮拜堂的指揮，更在富商Mitrofan Belayev（1836-1904）的資助下，與後起之秀Anatoly Lyadov（1855-1914）、Ippolitov-Ivanov（1859-1935）、Alexander Glazunov（葛拉祖諾夫，1865-1936）等作曲家組成新的音樂團體，繼續推動俄國國民音樂。

4、自1896年完成歌劇「Sadko」(沙德可)之後，進入Rimsky-Korsakov歌劇創作的高峰期，接下來的歌劇佳作有1897年根據普希金之作而譜寫的「Mozart and Salieri」、1898年的「Tsar’s Spouse」（沙皇的新娘）、1900年的「Tale of Tsar Saltan」（薩丹王的故事）、1903-1904年的「The Legend of the Invisible City of Kitej and of the Virgin Fevronya」，以及1906-1907年創作的「The Golden Cockerel」（金雞），因為涉及到對統治階層的諷刺，而被禁演。他的歌劇作品在沙皇時代多被刪改得面目全非，直到共黨革命後才能以原貌演出。身處於艱困的創作環境和沙皇官方的迫害，1908年6月Rimsky-Korsakov心臟病發，逝世於聖彼得堡郊外的Lyubensk，葬於Alexander Nevsky修道院，與穆索斯基、鮑羅定、柴可夫斯基等作曲家比鄰。

        音樂成就

1、俄國五人組企圖從西歐的音樂勢力之外，發揚俄國本土音樂，因而與當時主張以西歐音樂傳統的作曲形式融入俄國民謠的西化派音樂家，如安東‧魯賓斯坦兄弟和柴可夫斯基等人的立場不同。Rimsky-Korsakov是「五人組」中最具有國際聲望、作曲技法最洗鍊、影響俄國樂壇未來發展最深遠的作曲家（但五人組中最具有原創性的是Mussorgsky）。他的創作以歌劇為主，共寫了15部歌劇，代表作有「Sadko」（沙德可）、「Tsar’s Spouse」（沙皇的新娘）、「The Golden Cockerel」（金雞）等，將俄羅斯所孕育的傳說、故事、幻想與歷史，透過色彩豐富的音樂，鮮明地表現出來。

2、Rimsky-Korsakov是法國作曲家白遼士以降，最深諳管絃樂配器的作曲家，他的音樂融合了俄羅斯的傳統旋律，以細緻具有表現力的配器所塑造的華麗聲響，明朗溫暖的音樂表現，將譜寫管弦樂的技巧提高到更高的層次。Rimsky-Korsakov的三大管弦樂組曲是「天方夜譚」（Sheherazade）、「西班牙隨想曲」（Spanish Caprice）、「俄羅斯復活節序曲」（Russian Easter Festival Overture）

3、Rimsky-Korsakov於聖彼得堡音樂院任教37年，培育出不少音樂人才，主要有Glazunov、Anton Arensky（阿倫斯基，1861-1906）、Lyadov、Ivanov、史特拉汶斯基等。

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「大黃蜂的飛行」（The Flight Of Bumble bee），管絃樂版

「大黃蜂的飛行」，由法國鋼琴家György Cziffra（季弗拉，1921-1994）演出，1957年錄音

「大黃蜂的飛行」，由長笛名家James Galway（詹姆斯‧高威1939- ）演奏

「大黃蜂的飛行」，由Jascha Heifetz(海飛茲，1901-1987)演出，1934年錄音

1900年Rimsky-Korsakov根據普希金的小說而完成的歌劇「Tale of Tsar Saltan」（薩丹王的故事），是著名的俄國民間神話歌劇，但現在已很少演出。反而是第二幕的間奏曲「大黃蜂的飛行」以模擬黃蜂嗡鳴簇擁而至的聲響，層層進逼的威嚇效果，相當逼真，而成為家喻戶曉的名曲。也從管弦樂改編成各種不同樂器的版本，以展現該樂器的炫技技巧。

「天方夜譚」（Sheherazade）第三樂章，由俄國指揮大師Svetlanov（史維特拉諾夫，1928-2002）演出

「天方夜譚」（Sheherazade）第三樂章，德國指揮大師Kurt Masur（馬舒，1927- ）指揮萊比錫布商大廈管弦樂團，1993年

Rimsky-Korsakov最著名的管絃樂曲「天方夜譚」，以其濃郁的東方異國風味，瑰麗優美的抒情詩篇，和壯闊的海洋景象，成為最著名的標題音樂。四樂章分別呈現了阿拉伯著名短篇故事集「天方夜譚」（一千零一夜）中的四段故事，其中的第三樂章「小王子和小公主」的抒情慢板詩篇，以旖旎優美的旋律，烘托小王子和小公主的愛情，最能顯現出Rimsky-Korsakov透過音樂抒情的能力，營造出溫柔瑰麗的細緻感受，是Rimsky-Korsakov最優美的樂章。而在樂曲結束前，又出現了貫串四個樂章的Sheherazade主題，在此暗示的意涵則是Sheherazade述說故事的口吻。

北歐的蕭邦--葛利格

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1、Grieg（1843年6月15日出生於挪威西岸的Bergen港城，1907年9月4日逝於Bergen），排行第四，出生於商人家庭，父母親都有深厚的音樂素養，母親尤其是優秀的鋼琴家。Grieg自幼與母親學琴，受母親影響而喜愛莫札特與蕭邦。1858年，挪威著名的小提琴家Ole Bull（1810-1880）力勸其父母讓Grieg到萊比錫音樂院學習，Grieg進入音樂院後向Ignaz Moscheles（莫歇勒斯，1794-1870）學習鋼琴。但萊比錫音樂院重視理論的嚴格環境，扼殺了創作自由，讓Grieg心生不滿，不過最後他還是在鋼琴和作曲方面以優異的成績畢業。

2、Grieg畢業後在丹麥遇見知名作曲家Niels Gade（1817-1890）受其影響而興發對挪威音樂的重視。並認識了挪威國歌的作曲家Rikard Nordraak（1842-1866），兩人與其他志同道合的作曲家創辦Euterpe concert society，發揚挪威音樂，提供北歐作曲家發表作品，Grieg的交響曲、鋼琴、小提琴奏鳴曲也都於此會中發表，但1866年因Nordraak猝死而解散。1867年與遠房表妹女歌手Nina Hagerup（1845-1935）結婚，兩人婚姻幸福，Nina透過美妙的歌喉，演唱Grieg的歌曲，並悉心照料Grieg的生活。在許多作曲家混亂的感情生活中，Grieg美滿的婚姻不啻是個異數。

3、1868年於丹麥郊區譜寫代表作「鋼琴協奏曲」，並在1870年與李斯特見面的場合中，得到李斯特的贊賞，而李斯特識譜彈奏的能力也讓Grieg大為驚嘆。1874年，Grieg獲得挪威政府終身俸的補助，便專心創作，並多次巡迴歐洲，1876年2月首演的「皮爾金」（Peer Gynt），更讓Grieg成為挪威的民族英雄。1885年之後，Grieg在Troldhaugen過著鄉居生活，並經常巡迴演奏，1885年會晤布拉姆斯，布拉姆斯鼓勵Grieg的創作； 1887年在萊比錫遇到柴可夫斯基，雙方互有好感，1889年Grieg到英國、法國巴黎，十分欣賞比才的「卡門」。之後1897年、1906年都曾在英國、荷蘭等地演出，透過這些頻繁的巡演，將挪威音樂之美介紹到世界各地。而Grieg也因而分別在1894、1906年獲劍橋、牛津大學名譽博士，其餘法國、瑞典所頒發的榮譽獎章也不在少數。和波希米亞歡慶德弗札克六十大壽一般，1903年挪威全國也大肆慶祝Grieg六十歲生日。

4、1907年，Grieg原訂前往英國參加里茲音樂節，但出發前肺病復發，於9月4日清晨病逝於Bergen。挪威政府為其舉行盛大的國葬，數十萬人為其送葬。

        音樂成就

1、Grieg是挪威最偉大的作曲家，在西歐管絃樂語法的基礎上融入挪威音樂獨有的清新性、溫柔性和細緻的抒情性，將挪威的民歌和舞曲以及壯闊優美的自然景致融會在音樂中，而成為挪威音樂的代言人。

2、和德弗札克擅長譜寫場面浩大的交響樂、交響詩等管絃樂曲不同，Grieg的創作以鋼琴、室內樂等小型的音樂形式為主，呈現出對於抒情性的細緻挖掘。且由於旋律通俗平易，而引來不少批評，比如德布西就說Grieg的音樂是：「裹著棉絮的棒棒糖」。一般聽者也是根據「皮爾金組曲」以及「鋼琴協奏曲」等名作而作論斷，忽略了Grieg在室內樂方面，歌曲方面、鋼琴小品方面還有不少傑作。

3、被譽為「北歐的蕭邦」之Grieg，其鋼琴小品集「抒情小曲」，最能代表其承遞蕭邦又自成面貌的鋼琴詩意。創作橫跨了三十多年的時間，展現了Grieg透過自己最能掌握的樂器—鋼琴，來記錄片段的詩情、所思所想的見聞，以及紀錄挪威這塊土地人情風俗之直率、醇美的樸實世界，透過音符流露的平易性、溫潤詩情，反而是Grieg音樂中最容易被忽略的一部分。

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「Peer Gynt」之清晨，由愛沙尼亞指揮家Paavo Järvi（1962- ）演出

Grieg最通俗的代表作「Peer Gynt」劇樂，根據挪威大文豪易卜生（Henrik Ibsen，1828-1906）的詩劇譜寫的配樂，於1875年7月完成。後來Grieg於1888、1892年摘取八個樂章編成兩首組曲。之後「皮爾金組曲」反而更為知名，完整版的劇樂共26曲，反而很少被演奏、錄音。Peer Gynt是挪威民間傳說中著名的浪蕩子，不切實際的幻想者，遊手好閒，愛冒險好吹噓。此劇描述Peer Gynt四處流浪的荒誕生活，最後年老時一事無成返回家鄉，才發現原來深愛自己的初戀情人一直守候著。這首「清晨」，原先出現在樂劇第四幕一開始的場景中，中年的Peer Gynt搖身一變成為礦場大亨。戲劇的場景也從挪威改換到非洲，這是描述撤哈拉沙漠中的日出（第一次聽此曲時一直以為是海上的日出），從微光隱露轉變到光芒萬丈，營造出開闊氣勢，極具有戲劇衝擊力，因而也被Grieg挪到第一組曲的第一首，更能吸引聽者進入組曲的奇幻、抒情之世界。

「抒情小品」，第六集（Lyric Pieces VI, Op. 57），No. 6 Homesickness - Andante由俄國鋼琴大師Emil Gilels（吉利爾斯，1916-1985）演奏

原先預定介紹的另一首名曲是「Peer Gynt」之Solveig's Song，既有女聲演唱也有管弦樂版，這是「Peer Gynt」組曲中最抒情最動聽的幽深之音，Solveig對Peer Gynt無怨無悔的付出讓人動容。此曲後來收入第二組曲最後一曲，也讓組曲留下讓人難忘的飄渺餘音。但經過思量後，還是決定介紹一首抒情小品，然而Grieg動聽的小品太多，所幸偶然間找到Gilels彈奏的這首「鄉愁」，簡易平實，意蘊綿長，具體而微地呈現這些抒情靈光的動人性。ABA三段形式單純。A段音樂如歌吟詠，讓人惘然若失，B段的輕快則稍微緩和思想之情的濃郁。Grieg的這些鋼琴小品，真的是蕭邦之後的絕唱，雖不如蕭邦華麗豐美，但淺淡自然的平易性更耐咀嚼。

波希米亞的鄉愁--德弗札克

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1、Dvořák（1841年9月8日生於布拉格附近的Nelahozeves，1904年5月1日逝世於布拉格），父親是鎮上小旅館與肉店老闆，自小受旅店中走唱樂手的演奏，而培養對小提琴與吉他等樂器的喜好。父母希望身為長子的Dvořák，能繼承家業改善貧困的生活，1853年小學畢業後被送至Zlonice學習屠宰和生意，順利考取執照。但心向音樂的Dvořák，在小學教師的幫助下進入布拉格風琴學校（後來改為布拉格音樂院）學習，並打工賺取學費。畢業後在小樂隊演出，引起Bedřich Smetana（史麥塔納，1824-1884）的注意，被引薦到布拉格臨時劇院（後改為國民劇院）中擔任中提琴手。在Smetana的提攜下，Dvořák得以研究西方著名作曲家的手稿。1873年譜寫的清唱劇「白山後裔」頗受歡迎，並於年底與Anna Cermake結婚。Dvořák曾戀上其姐姐Josefina Cermake，追求不成才與妹妹結婚。音樂史上海頓、莫札特也都如此。Dvořák年輕時替初戀情人寫了歌曲集「柏樹」，曾改編成四重奏。多年後得知對方生病且婚姻不順，Dvořák又將感傷之情寫入大提琴協奏曲中。

2、1875年Dvořák以兩年前譜寫成的交響曲申請奧國文化部的獎助金，獲得評審之一的布拉姆斯大力讚賞，而得到申請。其後Dvořák再以「Moravian Duets」歌曲集提出申請，布拉姆斯激賞之餘，將此作介紹給自己的出版商Simrock，出版後飽受好評。鑒於布拉姆斯「匈牙利舞曲」之熱賣，Dvořák在出版社的邀約下，寫出「斯拉夫舞曲」，同樣造成轟動，也讓Dvořák躍升為歐洲一流的作曲家。此後Dvořák與布拉姆斯，終生都維持著亦師亦友的深厚情誼（布拉姆斯曾幫Dvořák校對「新世界交響曲」，讓Dvořák受寵若驚）。他的成功，也得到著名指揮家如Hans von Bülow、Hans Richter（1888-1976）的肯定支持，Bülow甚至戲稱他為「長得像補鍋匠的天才」。

3、1883年，Dvořák的「聖母悼歌」在英國倫敦演出造成轟動，1884年5月，開始了日後Dvořák九次訪問英國的行程，他可說是繼韓德爾、海頓、韋伯、孟德爾頌以來，最受英國歡迎的作曲家。1890年春，Dvořák應柴可夫斯基之邀訪問俄國，兩位國民樂派的巨擘於1888年相識，相談甚歡，十分推重對方的作品，之後透過信件往返，確定了此次訪問。Dvořák在俄國會晤知名音樂人士，分別於莫斯科、聖彼得堡舉行的兩場音樂會都引起聽眾的迴響。1891年擔任布拉格音樂院教授半年後，應富商之妻Mrs. Jeanette Thurber（1850-1946）邀請，於1892年9月前往美國擔任紐約國立音樂院院長，Dvořák研究美國本土音樂，吸收印地安和黑人靈歌音樂之精華，將之化入自己的作品，留下了「新世界交響曲」和「美國」弦樂四重奏等膾炙人口的名作。「新世界交響曲」於1893年12月16日於卡內基音樂廳首演，造成轟動，在聽眾的要求下，動人的第二樂章演奏了第二次，並成為席捲美國的知名樂曲。

4、1895年，思鄉情深的Dvořák辭去音樂院長的職位，離開美國，繼續在布拉格音樂院任教，1901年出任院長，9月8日六十歲生日那天，全世界各地都舉行盛大的慶祝音樂會。1904年春天突然生病，休息幾個月後5月1日因中風而去世。5月5日舉行盛大的國葬儀式，數十萬民眾夾道送行，最後葬於布拉格。

        音樂成就

1、Dvořák將捷克波希米亞的音樂，傳達到世界各地。他在吸收華格納、貝多芬、舒伯特和布拉姆斯音樂結構形式的基礎上，融入波希米亞的民謠、民族精神，而以明朗健康、清新自然的樂風名列偉大的作曲家（作曲家中同樣具有此種健康明朗特質的，只有海頓和韓德爾）。他的「新世界交響曲」名列六大交響曲中，大提琴協奏曲則為浪漫時代的代表作。而他在四十幾年的勤奮工作之下，在交響曲、管絃樂曲、協奏曲、合唱、聲樂、室內樂、歌劇等方面，譜出許多動人的民族樂音。

2、Dvořák在美國雖僅停留了短短3到4年，但他對美國本土音樂的重視，融合印地安音樂和黑人靈歌於古典音樂的創作中，既是對美國本土音樂的提升，也對美國音樂的發展有深遠的影響。

3、Dvořák在布拉格音樂院的教學生涯中，培育不少後進，如被譽為「現代捷克音樂之父」的作曲家Vítězslav Novák（1870-1849），小提琴家Oskar Nedbal（1874-1930），以及後來成為他女婿的作曲家Josef Suk（1874-1935）。Dvořák的音樂，在捷克音樂發展中，承繼Smetana而下開Leoš Janáček（楊納傑克1854-1928）。他是波希米亞作曲家中最具有國際聲望的，然而真能代表波希米亞本土音樂的作曲家，還是Janáček。

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「弦樂小夜曲」（Serenade），Op.22第二樂章，由英國指揮家馬利納爵士（Sir Neville Marriner，1924- ）指揮聖馬丁管絃樂團

「弦樂小夜曲」（Serenade）第二樂章，由Rudolf Kempe（肯培，1910-1976）指揮慕尼黑愛樂，可惜不完整，不過可以比較英國與德國指揮家對此曲的不同詮釋特色

Dvořák有兩首小夜曲，一首以弦樂為主，一首以管樂為主，較著名的弦樂小夜曲與柴可夫斯基的同名作齊名，也常收錄在同一張唱片中。這是Dvořák年輕時的作品，作於1875年，正是申請獎學金通過之後。此曲可見Dvořák早期音樂直率明朗的抒情特色，雖然濃郁的波希米亞民族風尚不鮮明，但已能見出Dvořák獨特的個人抒情魅力。第二樂章為ABA三段曲式的圓舞曲，A段的流暢抒情（可分aba）B段的濃郁優美（可分cdc），都各具特色，尤其B的中段（d），情感最為濃烈。音樂的轉折流暢洗鍊，和小約翰史特勞斯金碧輝煌的貴氣圓舞曲、蕭邦濃烈詩意的圓舞曲相比，Dvořák的圓舞曲更具亂頭粗服不掩國色的樸實真摯之美。Dvořák的這首小夜曲，聽來十分順耳，早已流露出讓布拉姆斯羨慕的旋律天才。有興趣者可仔細聽聽第四樂章深情憂傷的主題，如蜿蜒流過波希米亞原野的清溪，讓人駐足馳神。實際上從第一樂章開始，不需太費力，每一樂章都有觸動聆聽之弦的時刻。

「斯拉夫舞曲」（Slavonic Dance），第二號，由小澤征爾（Seiji Ozawa）指揮，小提琴帕爾曼（Itzhak Perlman）、大提琴馬友友（Yo-Yo Ma）合演

「斯拉夫舞曲」，第二號，由俄國小提琴大師David Oistrakh（1908-1974）演奏

「斯拉夫舞曲」，第二號，由匈牙利女小提琴家Stefі Geyer（1888-1956）演奏，1927年的錄音。Dvorak曾題獻作品給她

「斯拉夫舞曲」，第二號，由Duo Lechner Tiempo演出鋼琴四首聯彈

Dvořák的「斯拉夫舞曲」跟布拉姆斯「匈牙利舞曲」一樣，都先譜寫成四首聯彈，其後才有管弦樂版和鋼琴獨奏版的產生。第二號舞曲是最具有抒情之美的樂曲，以輪旋曲的形式組成。由於十分動聽，改編成許多不同的樂器。Dvořák足以媲美舒伯特般自然天成的旋律源源不絕，此處即是一例。他的旋律才華，讓欠缺旋律靈感的布拉姆斯羨慕不已，直說從Dvořák的垃圾桶內也可找出動人的波西米亞之音。

悲愴的靈魂--柴可夫斯基

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1、Tchaikovsky（1840年5月7日生於Votkinsk，1893年11月6日逝於聖彼得堡），排行第三，出生在愛好音樂的家庭，但接受正式音樂教育則是20歲之後的事。1848年後舉家遷往聖彼得堡，1850年就讀法律學校，熟讀俄國大文豪普希金（Alxander Puskin，1799-1837）的作品。1855年開始與德國鋼琴家Rudolf Kundinger（1832-?）學習鋼琴，老師卻認為Tchaikovsky缺少天賦。1859年Tchaikovsky自法律學校畢業，擔任書記，逐漸厭煩於公務的繁忙，更嚮往音樂。1861年考入Anton Rubinstein（1830-1894）的音樂班，並向Nicolas Zaremba（1821-1879）學習和聲、樂理。在聖彼得堡音樂院的四年間，Tchaikovsky勤於學習，打下扎實的基礎，其畢業作還贏得獎項的肯定。畢業後得Anton Rubinstein的推薦，在Nicolay Rubinstein（1835-1881）所創立的莫斯科音樂學院教授和聲，1866年到1878年共十二年的創作與教學，都貢獻此地。

2、在結婚之前，Tchaikovsky曾與法國女演員Désirée Artôt（1835-1907）相戀，曾論及婚嫁，後來因女方移情別戀而結束。1877年5月開始，Tchaikovsky在女學生Antonina Milyukova（1848-1917）的追求下於7月結婚，但這段短暫的婚姻只持續兩個月多就結束了，除了Tchaikovsky的性向和心理狀態無法適應婚姻生活，導致自殺未成的舉動之外，也跟Milyukova不穩定的精神有關，在Tchaikovsky過世後幾年，她就被送入精神病院而終老。而另一位與Tchaikovsky關係密切的，是他的贊助人和知己梅克夫人（Nadezhda von Meck，1831-1894），兩人在1876年透過Tchaikovsky的學生Yosif Kotek（1855-1885）而認識，卻始終維持著長期通信的關係，梅克夫人提供贊助和支持，Tchaikovsky則傾吐自己的心事、作曲觀念和對樂壇的觀察、批評。1890年梅克夫人突然因財務問題中止贊助，即使Tchaikovsky去信希望友誼能持續，但卻不再收到任何回信。

3、1885年Tchaikovsky搬到莫斯科北方的鄉間，致力於晚期的創作。1887到88年再度到歐洲旅行演奏，並認識布拉姆斯、葛利格、德弗札克等作曲家。1891年訪問美國，並在卡內基音樂廳指揮自己的作品，深受歡迎。但在美國只停留一個月就返回故鄉。1893年Tchaikovsky前往劍橋大學接受名譽音樂博士的榮耀，和他一起獲獎的，還有聖桑、包益多、葛利格、布魯赫等作曲家。但自從與梅克夫人中斷通信後，Tchaikovsky的心情就更為鬱悶，1893年10月28日首演的「悲愴」交響曲，應和著Tchaikovsky此時對人生的絕望和對死亡的預感，首演之後並未獲得迴響。不幸的是，演出四天後Tchaikovsky因為誤飲生水感染霍亂，昏迷幾天後過世。關於他的死因，也有人認為因為懼怕同性戀的醜聞被揭穿，他故意在霍亂流行的時候飲用生水自殺，也有人認為Tchaikovsky是服用毒藥自殺的，他的死因未明，更加強了悲愴交響曲的悲劇力量。


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1、Tchaikovsky 是俄國作曲家中最具有國際聲望的代表，是俄國國民樂派的「西化」風格的主要大將（「本土」風格代表是林姆斯基．高沙可夫）。Tchaikovsky以歐陸德奧樂派的作曲技巧和傳統曲式，融入血液中自然流洩的俄羅斯精神，而融合成深具憂鬱悵然的抒情美感和奔放雄渾的斯拉夫之音。他的創作可分成三大部分，其一是管弦樂作品的豐厚深美，其一是芭蕾音樂的優雅甜美，其一是歌劇作品的民族戲劇。而以管絃樂和芭蕾音樂為代表。「悲愴」交響曲被列為六大交響曲之一。

2、Tchaikovsky在法國作曲家Delibes（德利伯，1836-1891）的影響下，再將古典芭蕾音樂推到高峰，「天鵝湖」、「睡美人」、「胡桃鉗」是古往今來最受歡迎的芭蕾舞音樂。無論是華麗如詩的「天鵝湖」，還是甜美溫柔的「睡美人」，甚或是童趣新奇的「胡桃鉗」，都是歷久不衰的經典名曲。

3、Tchaikovsky的「第一號鋼琴協奏曲」原先獻給Nicolay Rubinstein，此曲卻被嚴厲批評無法演奏，Tchaikovsky一氣之下轉而獻給Hans von Bülow，經由Bülow的演出讓此曲在美國大受歡迎。後來Nicolay Rubinstein也改變自己的態度，在莫斯科演出此曲的首演。而Tchaikovsky也曾修改此曲（但是他修改的原譜已經亡佚，如今此作包含著其他作曲家的修改）。和此曲近似的是「小提琴協奏曲」，也被俄國小提琴大師Leopold Auer（奧爾，1845-1930）退貨，一度沒有發表。但幾年後由俄國小提琴家Adolf Brodsky（1851-1829）在維也納演出大受好評，Auer也只好承認作品的價值。如今這兩首作品都是Tchaikovsky最著名的器樂協奏曲。

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「弦樂小夜曲」（Serenade for Strings），Op.48，第二樂章：圓舞曲，由日本指揮大師小澤征爾（Seiji Ozawa，1935- ）指揮柏林愛樂

Tchaikovsky和德弗札克的「弦樂小夜曲」並列為莫札特以降最著名的小夜曲之作，也都是入門者最容易親近這兩位作曲家的動人樂章。在西歐的作曲家中，Tchaikovsky最欣賞莫札特，此曲一方面承繼莫札特小夜曲清新甜美之風，另一方面又展現Tchaikovsky華麗優美、帶有惆悵感傷的弦樂合奏的色澤。此樂章以「圓舞曲」取代「小步舞曲」，顯現小約翰史特勞斯對Tchaikovsky的影響。在三大芭蕾音樂中，也有不少圓舞曲，這都是不讓圓舞曲之王專美於前的優雅抒情之樂章。

「天鵝湖」（Swan Lake）中的Scene，由義大利指揮Riccardo Muti（慕提，1941- ）指揮費城交響

三大芭蕾音樂中，Tchaikovsky的「天鵝湖」更是膾炙人口的名作，尤其這首Scene，當音樂響起，腦海中自然浮現著天鵝優雅從容地游在波光粼粼的湖面上，純潔夢幻的場景。透過音樂，Tchaikovsky讓音樂張馳於天鵝的純真性以及魔鬼的戲劇張力之間，而完美地詮釋這個傳奇故事。此外，從「天鵝湖」、「睡美人」、「胡桃鉗」摘選樂曲組成的三大芭蕾音樂管絃樂組曲，包含許多讓人愛不釋手的精緻短曲，則是接觸這些精美優雅的芭蕾音樂之最佳途徑。

法國的孟德爾頌--聖桑

        生平剪影

1、Saint-Saëns（1835年10月9日生於法國巴黎，1921年12月16日逝世於Algeria的Algiers），出生將近三個月父親病逝，由母親及姨媽撫養，母親是優秀的水彩畫家，姨媽則引領Saint-Saëns學習音樂。Saint-Saëns早熟的音樂天份，很快顯露出來。在四歲時留下作曲成果，七歲時被送到鋼琴家Camille Stamaty（1811-1870）處學習，經由老師的介紹向Pierre Maledon學習和聲及作曲。11歲舉行第一次獨奏會，背譜演出。之後在Stamaty的建議下與教堂管風琴師Pierre François Boëly（1785-1858，César Franck也曾跟他學習）和音樂院管風琴老師François Benoist（1794-1878）學習。1848年13歲的Saint-Saëns進入巴黎音樂院學習，繼續師從Benoist。四年後Saint-Saëns參加羅馬大獎，因為年齡太輕而被否決。

2、1853-57擔任巴黎Saint-Merry教堂管風琴師，1857-77年擔任Madeleine教堂管風琴師。1861年擔任巴黎音樂院鋼琴老師，在此培育出知名作曲家Gabriel Fauré（佛瑞，1845-1924），佛瑞後來也在Saint-Saëns之後接替Madeleine的職位。1871年Saint-Saëns與其好友Romain Bussine（1830-1899）等人一起成立國民音樂協會，擔任副主席，該協會成為發揚法國新音樂的主要途徑。Saint-Saëns並於該年首度訪問英國。1875年12月到76年1月，Saint-Saëns前往俄國，認識柴可夫斯基與安東‧魯賓斯坦。1877年辭去Madeleine教堂的工作後，更專力於作曲並巡迴演出。Saint-Saëns是白遼士之後，在國外演出成功的法國作曲家。1877年12月2日在威瑪宮廷劇院舉行歌劇「Samson et Dalila」的首演，成為Saint-Saëns最受歡迎的歌劇。

3、1881年當選法國國家藝術院的院士，之後陸續獲得榮譽勳章、榮譽博士的肯定，1915年代表法國政府出席舊金山舉行的「巴拿馬-太平洋博覽會」。晚年依然四處旅行，遊歷北非、中南半島、美國、南美洲等地。最後在1921年於阿爾及利亞避暑時過世。


        音樂成就

1、Saint-Saëns 被譽是「法國的孟德爾頌」，也是法國作曲家中最具有古典精神的代表。除了音樂之外，他也精通文學，作詩著書，有深厚的科學素養、哲學造詣。是孟德爾頌之外最多才多藝的作曲家。在十九世紀盛行歌劇的法國樂壇，Saint-Saëns創作精鍊完美的管絃樂、協奏曲、室內樂、器樂作品，形式整齊易懂，結構均衡完美，配器精巧豐富，成為法國新古典主義的引領者。這種精神，承繼著拉摩與庫普蘭澄澈優美的和聲美感，影響佛瑞和拉威爾等人。

2、Saint-Saëns早期以推廣李斯特、華格納等人的音樂而有功於法國樂壇，更自俄國帶回穆索斯基（Mussorgsky）的代表作「Boris Godunov」的樂譜，介紹給法國音樂家。羅曼‧羅蘭曾稱讚「國民音樂協會」是法國音樂的搖籃，許多新作曲家的作品如法朗克、丹第、蕭頌、杜卡、拉威爾的作品，都透過這個協會介紹給一般聽眾。

3、但Saint-Saëns晚年之後，卻在音樂新浪潮的發展之下被視為過時的人物。一方面是因為Saint-Saëns活得夠久，足以見證十九世紀、二十世紀之間音樂的劇烈變化，另一方面也因為Saint-Saëns的音樂很早達到洗煉精美的成就，如精金美玉般獨立自存，反而不能吸引一般大眾的注意，且受一些通俗名作如「動物狂歡節」之累，多少限制了愛樂者接觸Saint-Saëns其他更具水準之作的機會。Saint-Saëns的名作有：第三號交響曲、第二號鋼琴協奏曲、第三號小提琴協奏曲與第一號大提琴協奏曲，以及歌劇「Samson et Dalila」。但除此之外，Saint-Saëns還有不少精品等待挖掘。


        名曲分享

「天鵝」（The Swan），選自「動物狂歡節」（The Carnival of the Animals）由Croatian大提琴家Stjepan Hauser（1986- ）演奏

「天鵝」，由拉赫曼尼諾夫演奏Alexander Siloti改編的鋼琴版，1924年錄音

Saint-Saëns舉世知名的管絃樂組曲「動物狂歡節」，蘊藏了Saint-Saëns的機智、幽默和嘲諷的精神。由於援引許多作曲家的旋律（也包含自己）加以改編扭曲，與動物的形象搭配，讓Saint-Saëns生前禁止出版全曲，只同意演出「天鵝」一曲。這些被諧謔地引用的作曲家，有拉摩（母雞）、奧芬巴哈（烏龜）、白遼士（大象）、孟德爾頌（長耳人）、徹爾尼（鋼琴家）、羅西尼（化石）等，唯有「天鵝」一曲，無任何嘲謔的意圖，成為此組曲最優雅動人的樂章。也被改編成各種不同樂器的獨奏曲。


骷髏之舞（Danse Macabre），Op.40，動畫配樂版，演奏團體不詳

骷髏之舞，俄國鋼琴家Volodos（1972- ）演奏Horowitz鋼琴改編版

這是Saint-Saëns最負盛名的一首交響詩，巧妙地描繪出死神在墓地拉奏悲悽的音樂，骷髏們從墳土中爬出來起舞嬉鬧的詭異場景，最後黎明的雞啼讓骷髏們一哄而散逃逸無蹤的敘事情節（見動畫版的演繹）。無論讓人毛骨悚然的小提琴聲，還是詭異卻曼妙的舞蹈，Saint-Saëns對於標題音樂的大膽詮釋，開拓想像之境的邊界，自有其冷靜刻畫中的奇妙魅力。

最後的古典榮光--布拉姆斯

        生平剪影

1、Brahms（1833年5月7日生於德國漢堡，1897年4月3日病逝於維也納），出生於貧困家庭，為長子。父親在劇場、樂隊中演奏樂器以賺取微薄的收入，並希望Brahms日後也成為樂師。在父親啟蒙教導提琴的技巧及樂理之後，Brahms向Otto Cassel學習鋼琴，進步神速，並發現對作曲的興趣。1843年，Otto將Brahms介紹給自己的老師Edward Marxen（1806-1887），在老師的要求下，Brahms深入學習並改編巴哈和貝多芬的作品，熟悉了巴洛克和古典時代的音樂結構，奠定未來作曲的基礎。Marxen並預言Brahms日後也會成為偉大的音樂大師。Brahms同時在漢堡的樂團中擔任鋼琴伴奏，也領導一個男聲合唱團。1848與49年分別舉行的獨奏會，替Brahms打開了知名度。但他卻不往演奏之路邁進，而決心投入作曲中。從此時到1854年左右，譜寫的作品以鋼琴為主。

2、1848年Brahms與匈牙利小提琴家Eduard Reményi（1828-1898）認識，不久Reményi避禍到美國，直到1852年才返歐，與Brahms展開一段巡迴演奏。Brahms不僅認識到匈牙利（實際上是吉普賽）音樂的優美旋律和節奏，也引起匈牙利小提琴大師Jeseph Joachim（姚阿幸，1831-1907）的注意，而結成影響一生的朋友。並透過Joachim的引介，而在1853年認識李斯特，當年九月在Joachim的安排下，Brahms前往拜訪舒曼夫婦，演出自己譜寫的鋼琴曲，獲得舒曼的讚賞，透過「新音樂雜誌」向樂壇介紹布拉姆斯這位傑出的新秀。但也引起「新德意志派」等新音樂擁護者對Brahms的攻擊。

3、1857年Brahms擔任Detmold宮廷的指揮及教師，訓練合唱團並創作小型管絃樂曲。1862年受維也納歌唱學院之邀擔任指揮，飽受好評又再續約三年。從1862年到1869年間，Brahms譜寫許多室內樂、歌曲、而他歌曲的創作高峰是1874到1878年。他此時最重要的代表作即是1868年於不萊梅演出部分樂曲，而於1869年9月於萊比錫演出全曲版的「德意志安魂曲」，都獲得成功（1867年12月於維也納演出前三曲但接受度不高），再加上同年出版的「匈牙利舞曲」大受歡迎，讓Brahms在樂壇站穩了腳步。

4、1872到75年間應邀擔任維也納「樂友協會」的藝術指導。辭職後參加歐洲各地的音樂會，指揮自己的作品或以鋼琴家的身份演出。而從1874年開始將作品委託Simrock出版商出版，獲得優渥的酬勞，保障了Brahms日後的經濟生活。1876年9月，經由兩年多的埋首創作，終於完成第一號交響曲。這是從1854年譜寫的交響曲動機初稿，經由二十餘年的蘊釀修改，不輕易動筆的Brahms，得力於後來擔任樂團指揮的經驗，才完成這首各方引領期待的大作。11月4日的初演，震撼樂壇。大指揮家Hans von Bülow稱此曲是貝多芬第九交響曲之後的「第十交響曲」，樂評家Eduard Hanslick（1825-1904）也認為第四樂章最接近貝多芬之作。但Bülow的這種推舉，反而帶給Brahms不少困擾。隔年創作第二號交響曲，6、8年後分別再寫了第三、四交響曲，曲曲各有特色，也都引起樂評的重視和討論。之後不再譜寫大型作品，而以室內樂的單簧管樂曲、藝術歌曲、鋼琴小品為主，進入Brahms更為圓熟內斂的境界。

5、個性內向害羞、行為笨拙容易得罪人的Brahms，缺少如蕭邦、孟德爾頌、李斯特般的魅力，加上他面對婚姻舉棋不定的態度，讓他即使與不少女性有親密的交誼，卻終身未婚。而Brahms與舒曼妻子Clara之間的關係，從原先的愛慕發展到彼此敬重、支持的友誼，提供一些電影八卦渲染的題材，在加油添醋之下反而模糊了焦點。1869年5月，Clara於法蘭克福病逝，Brahms聽聞消息馬上奔赴喪禮，不料乘錯車白跑一場，又急忙趕往波昂。痛失故人的哀傷和路途中的奔波勞累，讓Brahms於隔年因肝癌病逝，葬於維也納。

         音樂成就

1、以李斯特、華格納為首的新音樂運動，在十九世紀中葉後席捲歐洲，這股浪漫狂潮，唯有堅持古典精神的Brahms得以抗衡。Brahm和華格納，作為被兩派陣營拱出來的主要人物，看似敵對的立場，實際上Brahms對華格納的才華，始終保持敬意。對於這種音樂門戶之爭，Brahms並不主導也不介入，只是持續專注地譜寫自己深具古典精神、曲式發展充實飽滿，而內在結構嚴謹的絕對音樂。作為浪漫時代中抗拒潮流發展的偉大作曲家，也唯有當浪漫狂潮逐漸止歇時，Brahms的價值才被重視。然而時代的印記依然無法避免，浪漫時代慣用的作曲手法、音響的劇烈變化以應和情感發抒的激烈口吻、對自然的讚賞等面向，都出現在Brahms的作品中。

2、Brahms的交響曲是貝多芬之後最偉大的創作，也是浪漫時代交響曲的豐碑。他的小提琴協奏曲列為四大經典名作之一，德意志安魂曲也是古往今來安魂曲的名篇。古典時代作曲大師擅長的曲式，Brahms都承繼發揮，尤其在交響曲、管絃樂曲、室內樂、藝術歌曲方面的成就，是浪漫時代其他作曲家難以望其項背的。至於歌劇，則是Brahms有心而力有未逮的領域。

3、作為古典樂派在浪漫時代的高峰，Brahms總結了古典主義，並影響著二十世紀的新古典主義。而與巴哈、貝多芬並列為德國作曲家中最偉大的3B。

        名曲分享

「搖籃曲」（Wiegenlied，lullaby），Op.49 No.4，弦樂合奏版

「搖籃曲」，法國鋼琴大師Alfred Cortot（1877-1962）1925年錄音

「搖籃曲」，由德國抒情女高音Elisabeth Schumann（1888-1952）演唱，1937年的錄音

「搖籃曲」，由大提琴家David Moulton演奏

Brahms於1868年為女性朋友Bertha Faber所作，作為其第二個兒子的誕生禮物。樂曲融合了Faber所喜愛的圓舞曲旋律，搭配上搖籃曲，以切分音的伴奏和穩定的律動製造出如搖籃般的舒服、安眠的效果。而成為Brahms作品中最通俗、深受一般愛樂者喜歡的曲子。此曲可以見出在Brahms嚴肅不易親近的性格中，其內在溫柔體貼的一面。Brahms的通俗名作中，還有最常出現在入門選集中的第十五號圓舞曲，也被改編成其他器樂版，因為與此首搖籃曲同質性太高，故在此不做介紹，有心者可自行取用。

Guten Abend, gute Nacht, mit Rosen bedacht,
Mit Näglein besteckt, schlüpf unter die Deck!'
Morgen früh, wenn Gott will, wirst du wieder geweckt
Morgen früh, wenn Gott will, wirst du wieder geweckt

Guten Abend, gute Nacht, von Englein bewacht
Die zeigen im Traum, dir Christkindleins Baum
Schlaf nun selig und süß, schau im Traum's Paradies
Schlaf nun selig und süß, schau im Traum's Paradies

[English]

Good evening, and good night, with roses adorned,
With carnations covered, slip under the covers.
Early tomorrow, so God willing, you will wake once again.
Early tomorrow, so God willing, you will wake once again.

Good evening, and good night. By angels watched,
Who show you in your dream the Christ-child's tree.
Sleep now peacefully and sweetly, see the paradise
in your dream.
Sleep now peacefully and sweetly, see the paradise
in your dream.


第五號「匈牙利舞曲」，由義大利指揮大師Claudio Abbado（阿巴多，1933- ）指揮柏林愛樂，1996年演出

第五號「匈牙利舞曲」，弦樂四重奏版，由Garden Quartet演出

第五號「匈牙利舞曲」，由Yehudi Menuhin（曼紐因，1916-1999）演出

第五號「匈牙利舞曲」，女小提琴家Hilary Hahn（希拉蕊‧韓，1979- ）2009年現場演出

Brahms 21首匈牙利舞曲集，原為鋼琴聯彈所作，但Brahms也將之改編成獨奏（1到10曲）、管絃樂曲（只有1、3、10號由Brahms自己改編），其餘的管絃樂改編版則由其他作曲家完成。此外，匈牙利小提琴大師Joachim也將之改編成小提琴的版本。這是Brahms最通行最暢銷的作品，四首聯彈的形式和音樂中的異國情調都吸引一般有音樂素養的家庭彈奏娛樂。幫Brahms發行此曲的Simrock出版商也因此荷包滿滿，後來又透過Brahms的介紹，與捷克作曲家德弗札克合作的「斯拉夫舞曲」，同樣讓德弗札克一砲而紅。但Brahms最後也因為此曲與舊友Reményi鬧翻進而興訟，最後法院裁定：Brahms以編曲的方式發表而沒有侵害著作權的問題。這也讓Brahms在第三、四集（11-21曲）的創作中，盡量使用自己的創作。這首第五號舞曲是最膾炙人口的一首，ABA三段曲式，流暢爽朗的音樂激發出濃烈的熱情，頗能提振精神，讓人神清氣爽。

圓舞曲之王--小約翰史特勞斯

        生平剪影

1、John Strauss II（1825年10月25日生於維也納，1899年6月3日逝於維也納），其父親老John Strauss（1804-1849）是維也納最著名的圓舞曲作曲家，從貧困的家庭靠著奮鬥而創造出與當時的圓舞曲名家Joseph Lanner（1801-1843）平分秋色的名氣，而在擁護者中形成「藍納黨」與「史特勞斯黨」之爭。John Strauss II為長子，從小耳濡目染，也希望能成為音樂家，但父親被繁重的演奏、作曲工作壓得喘不過氣，反對兒子學習音樂，John Strauss II只好背著父親偷學。一次練小提琴時被父親發現，老John Strauss憤怒地搶過琴，摔個粉碎。之後將John Strauss II送到學校習商，希望他能當銀行家。而在母親的支持下，John Strauss II繼續學習樂器。

2、1843年父親拋棄妻子與新歡同居，離婚後監護權歸給母親，John Strauss II至此得以盡情學習音樂，先後與Anton Kohlmann、Joseph Drechsler（1782-1852）學習。1844年，十九歲的John Strauss II組織樂隊演奏自己的作品，10月16日的報紙以「再見，藍納；晚安，老史特勞斯；早安，小史特勞斯」為標題，預示著John Strauss II圓舞曲時代的來臨，之後父子兩人的音樂席捲了歐洲。1849年老約翰過世，John Strauss II遂獨霸為圓舞曲之王。他率領樂團走訪各大城市，因為工作太忙，而委請他的弟弟Josef（1827-1870）與Eduard（1835-1916）代為指揮，兩位弟弟也創作了不少圓舞曲。

3、1862年八月，John Strauss II與大他十歲的富孀Henrietta Treffz（1818-1878）結婚，獲得經濟上的支援，讓John Strauss II得以充裕地作曲，讓他在1865-70年間得以創作出「藍色多瑙河」、「維也納森林的故事」、「藝術家的生活」等代表作。1870年接連遭遇母親與弟弟Josef的惡耗，John Strauss II無心作曲，將指揮工作交給小弟Eduard。正好此時輕歌劇之祖Offenbach（奧芬巴哈，1819-1880）鼓勵他創作輕歌劇，因而再創John Strauss II另一番事業高峰。1872年波士頓世界和平音樂會邀請John Strauss II指揮，在一場數十萬聽眾的超大型音樂會中，由幾百位助理指揮協助，留下盛況空前的紀錄，John Strauss II也在美國造成新聞話題。

4、John Strauss II在生命的最後二十幾年間，享受功成名就的榮華富貴，他的輕歌劇「蝙蝠」與「吉普賽男爵」，被列為輕歌劇的代表作，與第三任妻子住在豪華的宅邸中生活美滿。1899年6月過世，全維也納市停止音樂活動以哀悼，葬禮舉行時有十幾萬人夾道送行，葬在維也納中央公墓，與莫札特、貝多芬、舒伯特與布拉姆斯的墓相比鄰。維也納市立公園也樹立一座金色的雕像，以紀念這個讓維也納傾倒、讓世界著迷的作曲家。


        音樂成就

1、史特勞斯父子提升了民間的圓舞曲的地位，讓圓舞曲透過曼妙、優雅、生動而氣勢兼備的管絃樂，塑造出燦爛的、享樂的、浪漫的、華麗的詩情畫意。正與十九世紀中葉維也納城市逸樂的休閒消遣之氛圍相互呼應，而忘卻政治上的控制和追求革命的需要。圓舞曲一躍而成十九世紀代表性的舞曲音樂，而與十八世紀盛行的小步舞曲各擅勝場。在史特勞斯父子之前，如舒伯特、蕭邦也都有圓舞曲之作，但在John Strauss II手中，圓舞曲成為雅俗共賞的音樂精品。影響所及，如布拉姆斯、柴可夫斯基、德弗札克、馬勒等人在其作品中都出現圓舞曲。而布拉姆斯和華格納，即使各被擁護者拱成敵對的音樂陣營，但他們共同欣賞的音樂家都是John Strauss II。

2、John Strauss II譜寫的十六齣輕歌劇，繼奧芬巴哈後成為最有代表性的輕歌劇作家。他的輕歌劇深受圓舞曲風格影響，輕妙優雅的姿態，讓輕歌劇在十九世紀後半達到高潮，其推廣輕歌劇的效應，深深超越了奧芬巴哈。


        名曲分享

「藍色多瑙河」（The Blue Danube Waltz），由小克萊巴（Carlos Kleiber，1930-2004）指揮

John Strauss II於1867年完成的「藍色多瑙河」，成為家喻戶曉的名曲。1866年普奧戰爭慘輸，指揮Herbeck（1831-1887）委託John Strauss II創作一首合唱曲，以便掃除戰敗的陰霾。受匈牙利詩人Karl Isidor Beck（1817-1879）「美麗的藍色多瑙河畔」詩篇的啟發，John Strauss II寫下了此曲的合唱版，七月舉行的首演未引起太多目光，半年後John Strauss II改編的管絃樂版在巴黎博覽會上演奏，造成轟動。此曲也成為奧地利的精神象徵，被視為非正式的第二國歌。大作曲家布拉姆斯也很喜歡此曲，在一次宴會中，應史特勞斯夫人的要求把此曲前幾小節的旋律抄寫在扇子上，簽名後遺憾地說：「可惜，這不是布拉姆斯的作品」。可見布拉姆斯對John Strauss II的推崇。此曲由五首圓舞曲和序奏、尾奏組成，優雅清新的旋律，十分動聽。

「蝙蝠」（Die Fledermaus）序曲，2010年維也納新年音樂會，由法國指揮大師Georges Prêtre（普列特，1924- ）指揮維也納愛樂

此首序曲，將「蝙蝠」輕歌劇中最優美的旋律匯集起來，因此即使這齣輕歌劇不常被演奏，但序曲卻歷久不衰，成為音樂會上最常被演奏的John Strauss II管絃樂曲之一。鐘聲響起之後而有許多旋律出現，有的是三重唱曲、有的是圓舞曲，有的是波卡舞曲，或抒情的詠歎，如萬花筒般璀璨地一一豋場，鮮明地呈現此曲生動活潑又優雅暢快的風格。

義大利歌劇巨匠--威爾第

        生平剪影

1、Verdi（1813年10月10日生於義大利北部Parma省Busseto市附近的農村Le Roncole，1901年1月27日病逝於米蘭），父親是旅館兼雜貨店老闆，無力負擔Verdi的音樂教育。自幼顯露音樂興趣的Verdi，其父讓其跟隨村中的管風琴師學習音樂，好學的Verdi引起商人Antonio Barezzi（1787-1867）的注意，在其資助下向Busseto市管風琴師Ferdinando Provesi（1770-1883）學習作曲，擔任助理並創作樂曲。1832年Barezzi鼓勵Verdi報考米蘭音樂學院，卻因為鋼琴與樂理達不到標準而不被錄取。在Barezzi的資助下，於史卡拉（La Scala）劇院師從Vincenzo Lavigna（1776-1836），研究對位與音樂理論。 Barezzi更把掌上明珠Margherita（1814-1840）嫁給他（1836年，與Verdi同年出生的華格納也在這一年與第一任妻子結婚）。

2、1839年Verdi第一部歌劇「Oberto」在劇院經理Bartolomeo Merelli（1794-1879）的支持下演出，十分成功，經理再委託Verdi創作三齣新劇。然而隔年Verdi的妻子及一雙兒女先後過世，忍痛譜寫的喜歌劇「一日國王」，遭致一敗塗地的困境，讓Verdi一度想放棄作曲，之後也幾乎不寫喜歌劇。但在Merelli的鼓勵下，Verdi隨後譜寫的「納布果」（Nabucco）與「倫巴底人」（I Lombardi alla prima crociato）都大受歡迎，也確立了Verdi在米蘭樂界的地位。此時Verdi與「納布果」一劇的女主角Giuseppina Strepponi（1815-1897）相戀，兩人於1859年結婚。從1844年到1853年的「茶花女」（La Traviata），Verdi幾乎每年譜寫一部新劇，且都大受歡迎。Verdi的三大歌劇中，1851年於威尼斯首演的「弄臣」（Rigoletto）、1853年於羅馬首演的「遊唱詩人」（Il Trovatore）都大獲成功，讓Verdi成為義大利歌劇作曲家的第一把交椅。只有1853年於威尼斯首演的「茶花女」失敗，然而經過修改後於隔年推出，獲得更熱烈的肯定。1869年受埃及國王委託，為慶祝蘇伊士運河通航而譜寫的「阿伊達」（Aida），1872年於米蘭首演後，數以萬計的聽眾激動地抬著Verdi，邊唱著劇中的進行曲邊送Verdi回家，正可見Verdi在義大利的高人氣。

3、Verdi的歌劇善於譜寫氣勢昂揚，激動人心的合唱曲，因而與當時義大利追求革命的潮流相合拍。這些戲劇張力強烈的劇情，往往引發群眾的愛國激情，比如「納布果」中最著名的合唱：「去吧！思念啊，乘著金色的翅膀」，更激發被統治者的共鳴。Verdi也成為當時革命者提出口號時所援引借用的鮮明象徵。Verdi本人出生於被法國、奧國佔領的屬地，此種生長背景，也孕育了他對義大利民族精神的嚮往，而不自覺地表現在作品中，切合於群眾的渴望。但是此種創作趨向，自然引起統治當局的注意，多次透過檢查干預Verdi的創作，但Verdi在應付修改之餘，依然能巧妙地忠於自己的藝術理念。他曾於1861到1865年擔任議員，替振興音樂出一份心力，但最後因與政治環境不合而辭職。

4、Verdi晚年的創作愈為謹慎，用更長的時間蘊釀傑作，晚期代表作有1886年的「奧泰羅」（Otello）、喜歌劇「法斯塔夫」（Falstaff），以及「聖母頌」、「聖母悼歌」等四首聖歌，展現他老而彌堅的創作力。1897年11月，多年以來忠實陪伴在Verdi身旁的妻子Strepponi病逝，Verdi的身體日益走下坡。1901年1月21日中風，在好友兼劇作家、作曲家包益多（Arrigo Boito，1842-1918）的陪侍下最後於27日過世。在米蘭舉行的葬禮，二十多萬人的送葬行列，高聲唱著「去吧！思念啊，乘著金色的翅膀」，陪伴作曲家走完最後一程。

        音樂成就

1、當華格納以革新後的樂劇席捲歐洲樂壇的時候，在義大利的Verdi，承繼著自羅西尼、貝里尼、董尼采第的義大利歌劇傳統，經由Verdi對於音樂與戲劇、抒情表現與管弦樂語法的不斷摸索，終於開展出與華格納不同的歌劇語言：此可由Verdi畢生的代表作「法斯塔夫」見出，此劇的簡鍊細緻、文學與音樂的緊密結合，反而比華格納的樂劇作品更切合於華格納所追求的藝術理想，但卻無華格納之作龐大冗長之弊。即使華格納擁護者多攻擊Verdi之作中如「唐卡羅」（Don Carlo）、「阿伊達」等有抄襲、模仿華格納的痕跡，但Verdi始終秉持著「歌劇是歌劇，交響曲是交響曲」之分（Verdi認為華格納之作是交響曲化的，而不是歌劇）。即使研究過華格納之作，但對於華格納作品中歌劇詠唱消融於管弦樂中的作法保持著戒心，而始終堅守著承自Palestrina（帕勒斯替那，1525-1594）之後的義大利聲樂傳統。

2、歌劇之外，Verdi為紀念1873年過世的義大利作家曼佐尼（Alessandro Manzoni，1785-1873），而譜寫的「安魂曲」，同樣也引起熱烈的迴響，此曲的優美抒情和崇高的戲劇性，得以和莫札特的「安魂曲」、佛瑞的「安魂曲」以及布拉姆斯「德意志安魂曲」並列為傑作。

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「茶花女」之「飲酒歌」（drinking song），由Sutherland（蘇莎蘭，1926-2010）與Pavarotti（帕華洛帝，1935-2007）合演

這首「飲酒歌」和「弄臣」中「善變的女人」，都是Verdi最通俗最知名的歌劇詠嘆調，本該一起分享，但為了介紹另一首Nabucco中的合唱，是以從兩首中選出一首。「飲酒歌」出現於「茶花女」的第一幕，富家公子Alfredo首度蒞臨花魁Violetta的香閨，與一群貴族紳士、淑女美女們一起飲酒談笑。Alfredo在Gastone的提議下被要求唱一首歌，猶豫推辭的他禁不住Violetta的懇請，就唱了這首著名的飲酒歌，所有來賓和Violetta也接著唱了下去，將宴會的氣氛炒熱到高潮。這首歡樂燦爛的歌曲，淋漓盡致地表現了今朝有今朝醉的享樂愉悅氛圍，和「茶花女」最後的悲劇結尾正成對比。

「Nabucco」，「思念乘著金色的翅膀」大合唱

出現在第三幕的這首大合唱，描繪著希伯來俘虜，在巴比倫河畔進行勞動，他們齊體向神明禱告，祈求能擺脫奴役，返回家鄉。此曲成為Verdi歌劇中最著名的合唱，唱出了在奧國統治下的北義大利人民的心聲。歌聲盤旋向上，彷彿在向上蒼祈求，而逐層匯聚加強的合唱聲，彷彿象徵著這些希伯來俘虜更為堅定、更為強烈的渴望之情，是外力也無法撼動的。

拜魯特樂劇之神--華格納

        生平剪影

1、Wagner（1813年5月22日生於德國萊比錫，1883年2月13日逝於義大利威尼斯），出生六個月時父親去世，母親改嫁演員、導演兼作家Ludwig Geyer（1779-1821），浸染在一個充滿戲劇與音樂的環境中，並受叔父Adolph Wagner（1835-1917）影響，讓Wagner對音樂、詩歌、戲劇、神話與哲學產生濃厚的興趣。1828年聆聽貝多芬第七號交響曲和歌劇「費黛里奧」，深受撼動而立志成為作曲家。母親聘請管風琴師Theodor Weinlig（1707-1842）教導音樂，Wagner透過學習掌握和聲與對位。1831年進入萊比錫大學就讀，後陸續擔任Würzburg歌劇院、Magdeburg劇團的指揮，1836年與Magdeburg劇團女演員Minna Planer（1809-1866）結婚，但Wagner在Magdeburg養成了揮霍的習慣，積欠不少債務，讓妻子多次離家出走。而他為了躲債而在1839-42年間躲在巴黎，作品不受重視，過著最潦倒貧困的生活。在逃往巴黎的海路行程中，經歷了風暴襲擊，此段經歷，讓Wagner醞釀出「漂泊的荷蘭人」（Der Fliegender Holländer）之劇情。

2、1842「黎恩濟」（Rienzi）在德勒斯登上演，演出成功，Wagner一躍而成著名的歌劇作家。其後「漂泊的荷蘭人」演出雖不如「黎恩濟」成功，但卻讓Wagner的聲望扶搖直上，也讓他獲得德勒斯登劇院指揮這個肥缺，但也引來債主們的追討。1849年Wagner捲入德勒斯登革命而遭通緝，不得已逃往威瑪依附李斯特，後又轉往蘇黎世，在此潛心著述，留下了《未來的藝術作品》、《歌劇與戲劇》等理論著作，奠定他「樂劇」的思想基礎。在蘇黎世獲得富商Otto Wesendonck的資助，代為還債並提供住所，但Wagner與富商妻子Mathilde的曖昧關係，不僅結束了這段友好關係，也引發Minna Planer的妒恨，兩人終於在1858年分居。而這段沒有結果的戀情，也觸動Wagner撰寫「崔斯坦與伊索德」（Tristan und Isolde）這部Wagner作品中最具悲劇性作品。

3、在Wagner潦倒的時候，1864年5月，仰慕Wagner的巴伐利亞國王Ludwig II（1845-1886）邀請Wagner到慕尼黑，並建造劇院讓Wagner創作「尼貝龍根的指環」（Der Ring des Nibelungen），得到國王的支持，Wagner邀請大指揮家同時也是李斯特的女婿Hans von Bülow（1830-1897）協助，並專心創作。但國王的朝臣並不贊成國王對Wagner推心置腹的支持，Wagner因而避居於日內瓦。1866年Wagner在與Bülow之妻Cosima暗通款曲一段時間後於日內瓦同居。在1870年與Bülow離婚之前，Cosima已為Wagner生了兩個女兒，兩人的關係遭受不少非議攻擊，一開始也得不到李斯特的諒解，最後在1870年9月才舉行婚禮。李斯特與Wagner夫婦的關係直到1871年才恢復。

4、Ludwig II在慕尼黑為Wagner建造的劇院，原為演出「尼貝龍根的指環」而建。但國王的臣屬不顧Wagner的反對而演出其他作品。Wagner決心另覓場地，1871年赴拜魯特（Bayreuth）勘察，隔年動工興建，至1875年完成，1876年8月13到17日舉行第一屆拜魯特音樂節，以四天的時間上演全本的指環，冠蓋雲集，蔚為傳誦後代的歷史盛會。Wagner的樂劇理想，至此終於透過具體的歌劇院設計而得到落實。此後十幾年一直到二十世紀初，Wagner成為最具有影響力的作曲家。晚年Wagner享受著功成名就的生活，但不久於1883年2月心臟病發逝世於威尼斯，遺體運往拜魯特，2月18日，在「諸神的黃昏」葬禮進行曲的樂音聲中舉行盛大的葬禮。

        音樂成就

1、作為歌劇的改革者，Wagner受韋伯德國國民歌劇的啟發，並結合他對希臘戲劇的研究、日爾曼神話傳說的閱讀、叔本華哲學的發揮，將音樂、文學、戲劇諸要素綜合，形塑出自成體系的「樂劇」理論。並承繼白遼士「固定樂思」的標題音樂之精神，創造出以「主導動機」和「無限旋律」的手法，將音樂主題旋律與情感、人物、場景緊密結合，而以管絃樂交響曲化的音樂表現，捨棄義大利歌劇慣用的詠嘆調和宣敘調，而將音樂與戲劇的關係提昇到新的境界。「尼貝龍根的指環」也成為古往今來氣魄最浩瀚、演奏天數、規模最大的歌劇。

2、Wagner創新的音樂語法，影響到德布西、布魯克納、理查‧史特勞斯等作曲家。而直接受其沾概者有Humperdink（1854-1921）的歌劇、Hugo Wolf（1860-1903）的藝術歌曲。在Wagner過世後，許多作曲家模仿他的樂劇，在當時的歌劇世界中，只有義大利的威爾第得以與Wagner鼎足而立。

3、Wagner其人其作始終爭議不斷，死忠擁護者視之為神，年年往拜魯特朝聖；詆毀批評者反對其自大的言論，並將日爾曼民族優越性和納粹排斥猶太人的帳算在他頭上。音樂學者針對Wagner的研究可以生產出許多撰述專著，而支持和反對Wagner的不同意見往往引發不少論戰。

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「新娘合唱」（Bridal Chorus），選自歌劇「Lohengrin」

有多少對新人結婚時，婚宴會場響起這首著名的婚禮音樂？這即是Wagner歌劇「Lohengrin」第三幕男女主角結婚時的四聲部合唱音樂，和另一首選自孟德爾頌「仲夏夜之夢」中的「結婚進行曲」，並列為兩大婚禮音樂。比較起來，Wagner的婚禮合唱比較夢幻飄邈，屬於聖潔純粹的祝福，而孟德爾頌的結婚進行曲則更為熱鬧、亮麗，更能引發興奮喜悅之情。

指環 「女武神的騎行」（The Ride of the Valkyries），由德國指揮大師Wilhelm Furtwängler（福特萬格勒，1886-1954）指揮維也納愛樂

「尼貝龍根的指環」第二部「女武神」中，第三幕一開始描述驍勇善戰的女武神們騎著馬車，在空中翱翔的英勇身姿，銅管樂器的喧囂伴隨著雄渾壯盛的節奏進行，讓此曲成為最振奮情緒、激動人心的戲劇音樂。此曲自從美國導演柯波拉（Francis Ford Coppola，1939- ）在「現代啟示錄」中用作戰場攻擊的音樂而聲名大噪。2009年由湯姆克魯斯主演的電影「行動代號：華爾奇麗雅」中的「華爾奇麗雅」，即是「女武神」（Valkyrie）的音譯。

鋼琴之王--李斯特

        生平剪影

1、Liszt（1811年10月12日生於匈牙利Raidging，1886年7月31日病逝於拜魯特）為獨子，其父親工作於Esterhazy公爵府下，身為業餘音樂家但鋼琴與大提琴都在水準以上，父親的鋼琴才華與母親的宗教熱忱都影響到Liszt。七、八歲時舉行演奏會而贏得神童之稱。1821年向貝多芬的學生Carl Czerny（徹爾尼，1791-1857）學習鋼琴，並向Salieri（1750-1825）學習作曲。由於Liszt 的聰穎，Czerny在上了Liszt十幾堂課後就不再收任何學費。在1823年的演奏會上，傳說貝多芬曾擁抱這位神童，並親吻前額表示讚賞（音樂學者多懷疑此事）。在維也納的兩三年間，貝多芬與舒伯特成為Liszt最欣賞的作曲家。1823年，Liszt曾想進入巴黎音樂院就讀，然受到院長Cherubini（凱魯畢尼，1760-1842）的阻撓而作罷。其父親聘請樂理專家Antonin Reicha（1770-1836）與作曲家Ferdinand Paer（1771-1839）敎他音樂。

2、1824-27年舉行多場演奏會，成為社交界的寵兒。至1827年父親去世才減少演奏，而留連於巴黎社交界，與當時的文豪如雨果、拉馬丁等來往。1831年受帕格尼尼演奏的觸發，而立志要成為鋼琴上的帕格尼尼，Liszt更積極鍛鍊演奏技巧。1835年，Liszt與認識兩年的有夫之婦Marie d’Agoult（1805-1876）夫人在日內瓦同居。兩年後二女兒Cosima（柯西瑪，1837-1930）出生（Cosima後來拋棄其夫畢羅而與華格納結婚，和其母親如出一轍）。但Liszt不斷與其他女性傳出風流韻事，造成兩人最後以分手收場。在Liszt沉醉於愛情之時，瑞士鋼琴家Sigismund Thalberg（1812-1871）崛起，一度威脅到Liszt在鋼琴上的霸主地位，1837年兩人在巴黎的競技，成為當年音樂界最熱門的盛事，最終Liszt還是證明了自己獨一無二的「鋼琴之王」的地位。

3、1847年Liszt在基輔認識Carolyne zu Sayn-Wittgenstein（1819-1887）王妃，之後在威瑪同居。1848年開始在威瑪宮廷活躍的Liszt，有十三年之久的時間擔任指揮、演奏，並作曲、推廣其他作曲家的作品，是Liszt音樂生涯的高峰，許多交響曲、交響詩、協奏曲、合唱曲等代表名作，都作於此時。1861年兩人原訂在羅馬結婚，但天主教會一直否定Liszt結婚的請求。Wittgenstein王妃遂寄情於寫作，Liszt則投入於宗教活動。但晚年的Liszt，依然在情史上多有斬獲。

4、1869年到Liszt去世之前，都在布達佩斯、羅馬、威瑪等地來往，並成為著名的教育家，培養出指揮家Felix Weingartner（溫加特納，1863-1942）、鋼琴家Emil von Sauer(紹爾，1862-1842)等著名人物。晚年的Liszt，過著近乎隱退的生活，只與貴族、教士、學生來往。1886年7月20日，Liszt前往拜魯特（Bayreuth）探望二女兒並參加華格納音樂節，最後於月底病逝，在女兒的堅持之下葬於拜魯特。

        音樂成就

1、Liszt前期以讓人目眩神迷的鋼琴演奏，開拓了鋼琴的表現力，奠定現代鋼琴演奏的基礎，並以呼風喚雨之姿、笑傲王侯的態度，成為社交界、樂壇的核心人物，代表作是「超技練習曲」、「巡禮之年」前二冊。後期則遁入宗教的神祕體驗中，一改前期的炫技，而追求更有深度的文學性、哲理性的內涵，代表作是第三冊「巡禮之年」。從魔鬼般的技巧轉而變成聖徒的修行形象，Liszt的一生始終與話題性、傳奇性難以分割。鋼琴之外，Liszt對於文學與繪畫的喜愛，讓他承繼白遼士「標題音樂」與「交響詩」的浪漫音樂核心精神，而與華格納構成當時歐洲音樂界主導新音樂走向的「新德意志派」。此種音樂標題精神，並影響聖桑、理查‧史特勞斯等人的交響詩。而他晚期音樂的前瞻性，也啟發德布西、馬勒、理查‧史特勞斯等作曲家的創作。除了音樂創作外，Liszt曾替蕭邦留下傳記，對蕭邦藝術有精準的體會，他的音樂評論和論文，文筆流暢生動，也十分著名。

2、Liszt在歐洲各地舉行的獨奏會，把鋼琴家變成音樂舞台上的主角，建立了現代鋼琴獨奏演奏的基礎。而Liszt除了自己的創作之外，也以鋼琴版的改編曲著稱，他將貝多芬、舒伯特、華格納、威爾第等人的作品改編成鋼琴，將不同的音樂形式如交響曲、歌曲、管絃樂曲、室內樂、歌劇等，化成驅馳於十指之內的音符，以一架鋼琴匹敵於管絃樂團，而賦予這些音樂新的面貌。

3、作為歐洲樂壇舉足輕重的知名人物，受Liszt推薦提拔的音樂家不少，如白遼士、舒曼、華格納、威爾第等。而如葛利格、林姆斯基‧高沙可夫、Macdowell（1861-1908）等人則受Liszt的獎掖甚多。Liszt的鋼琴演奏及教學，開啟了現代鋼琴學派的發展，但是只要能在Liszt面前彈奏一兩次，就可以對外宣稱是他的學生，也因此鋼琴演奏史上自稱是Liszt的學生如過江之鯽般多。但是Liszt的傳統主要透過以下的鋼琴家傳承：Rafael Joseffy（1852-1915）、Arthur Friedheim（1859-1932）、Arthur de Greef（1862-1940）、Moriz Rosenthal（1862-1946）、Emil von Sauer(1862-1942)、Alexander Siloti（1863-1945）、小巨人Eugen d'Albert（1864-1932）、Frederic Lamond（1868-1948）、José Vianna da Motta（1868-1948）等。而與同受Czerny指導而以傳承貝多芬精神的Theodor Leschetizky（1830-1915）所教導的許多學生，構成了兩大鋼琴傳承。而俄國的Anton Rubinstein（1829-1894），即使未曾受Liszt指導，但卻深受其影響。

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「愛之夢」（Liebestraum）No. 3，由Artur Rubinstein（1887-1992）演奏，1954年錄音

「愛之夢」，改編成大提琴與鋼琴的合奏版，芬蘭大提琴家Seeli Toivio與其兄弟鋼琴家Kalle Toivio合演

「愛之夢」，改編成管弦樂版，由美國指揮家Charles Gerhardt（1927-1999）指揮National Philharmonic Orchestra

「愛之夢」的聲樂原曲：「愛情短促，當盡可能去愛」（o lieb solang du lieben kannst），由男高音Yeghishe Manucharyan演唱

Liszt的三首「愛之夢」，原先是歌曲，後來改編成鋼琴獨奏，而成為Liszt最通俗最著名的鋼琴小品。三首曲子都與歌頌愛情有關，同時具有細緻優美的抒情性，也帶有蕭邦夜曲的氛圍，因而也被稱為三首夜曲。第三首「愛之夢」是最常出現在入門精選以及作為鋼琴獨奏會的安可曲。原歌曲的詞意主要是：「愛情短促，當盡可能去愛」，在華麗的伴奏以及抒情的旋律中，可以瞥見Liszt受蕭邦影響的痕跡。

Consolation No. 3，由Horowitz演出

Consolation No. 3，由Milstein演奏他改編的小提琴版

Consolation No. 3，由美國豎琴家Ina Zdorovetchi（1981- ）演奏豎琴版

Consolation No. 3，由法國大提琴家Alexis Descharmes改編的大提琴、豎笛、鋼琴版

Liszt這首「Consolation」第三號，與愛之夢近似，都帶有蕭邦式的抒情詩意，也因此讓這些樂曲從Liszt諸多技巧璀璨、格局宏大、思致深遠的作品中脫穎而出，成為一般入門聽眾、一般愛樂者接觸Liszt音樂的起點。Liszt六首「Consolation」作於1849-50年間，獻給俄皇的妹妹，同時也是威瑪大公的王妃，在她幫助之下，Liszt才得以與Wittgenstein公主過著一段平靜的生活。此曲的幽深氛圍比之第三號愛之夢的歌詠，有著更為澄靜舒緩的特色。經由這種更為簡易明晰的抒情樂章來認識Liszt，可能是雙面刃，畢竟這與真能代表Liszt讓人咋舌目眩的超技名曲相去甚遠，但卻可以讓人體會到Liszt在技巧開闔之外的短章詩意。

樂評與象徵--舒曼

        生平剪影

1、Schumann（1810年6月8日生於薩克森之Zwickau，1856年7月29日病逝於波昂附近的精神病院），排行老么，出生於愛好音樂的家庭，父親是書商兼翻譯家，Schumann耳濡目染也培養濃厚的文學愛好。七歲時向管風琴師Johann Gottfried Kuntsch（1757-1855）學習，九歲時看見當時的大鋼琴家Ignaz Moscheles（莫歇勒斯，1794-1870）的演奏，立志成為鋼琴家。但父親去世後Schumann銜母命就讀萊比錫大學法律系，除了閱讀文學、創作詩歌、小說之外，Schumann大部分的時間都花在音樂上。1828年認識Friedrich Wieck（威克，1785-1873），上了幾堂課。1830年Schumann在法蘭克福聆聽帕格尼尼的演奏，決定捨棄法律從事音樂，回到萊比錫，住進Friedrich Wieck家中接受訓練，並與Heinrich Dorn（1804-1892）學習理論。

2、1831年Schumann開始創作鋼琴曲，並發表樂評。勤於練琴的Schumann，透過自行發明的器具練習而受傷，成為鋼琴家的夢想破碎，只得轉移精力到作曲上。1834年籌辦發行「新音樂雜誌」，一年後合夥人陸續離開，雜誌遂由Schumann全權負責。1840年9月，在與Friedrich Wieck纏訟了一年多之後，Schumann得以和Wieck的女兒Clara（克拉拉，1819-1896）結婚。1830年Schumann住進Wieck家中時，Clara還是11歲的小女孩，反而是Wieck的其他學生吸引了Schumann。也許因為深知Schumann感情上的放蕩和見異思遷（即使1833年開始和Clara交往，卻也常常將愛戀之情投注在其他女性上），又或為了保護自己的女兒，Wieck才阻止Schumann和Clara的交往和結婚。但最後Wieck為了打贏官司弄得家醜外揚、顏面盡失，即使最後樂評新星Schumann打贏勝仗，音樂史的記載也理所當然地歌頌Schumann與Clara的愛情，但Wieck的荒涼處境卻沒什麼人同情。

3、婚後的Schumann，進入創作的高峰期。Schumann的創作歷程按照樂曲的類型而有發展的痕跡，婚前1830年到1839年，是集中創作鋼琴曲的時期，代表作有「狂歡節」（Carnaval）、「交響練習曲」（Etudes symphoniques）、「兒時情景」（Kinderszenen）、「C大調幻想曲」等；1840年，是Schumann的藝術歌曲年，代表作有：「詩人之戀」、「女人的愛情與生命」等；1841年是集中譜寫交響曲、管弦樂的一年（有些作品則在之後才完成）；1842年是「室內樂之年」。但之後室內樂、管絃樂曲、歌曲、合唱曲、鋼琴曲也出現在Schumann後期的創作中（代表作是1845年鋼琴協奏曲、1850年大提琴協奏曲），如1845年後又有一些鋼琴曲出現（重要的如「森林情景」），因此這樣的劃分只是對Schumann創作活動的簡要概括。

4、1843年在孟德爾頌成立的萊比錫音樂院教授鋼琴和作曲，1850年在Düsseldorf擔任指揮，但在教學上過於主觀，並無法讓學生獲益。而指揮工作是Schumann在樂評、作曲之外最想展現企圖的領域，可是他指揮的才華不如孟德爾頌，評價並不高。Schumann自1844年開始產生憂鬱的傾向，1850年精神異常的狀態更明顯。1854年二月精神病發作，企圖投萊茵河自殺未果，被送入精神病院療養，兩年後病逝。

        音樂成就

1、Schumann在世時的聲譽主要建立在樂評上，其次才是作曲，至於此時期浪漫作曲家最擅長的鋼琴演奏和指揮，並非Schumann之所長。他的樂評文字善用譬喻，不遺餘力地批評膚淺、粗俗的作品，如著名的「大衛同盟」，透過虛擬的人物創造，將生活中的師長、朋友聚集成有靈魂有主張的化身，以發抒Schumann對於音樂的探討和對保守勢力的批評。其中批評所指涉的對象，則暗指當時義大利大為盛行的羅西尼歌劇音樂。而透過「新音樂雜誌」上的批評廓清以及推薦，Schumann獨到的眼光，則將浪漫時代最具有代表性的作曲家推向世人面前，如蕭邦、布拉姆斯，都經由Schumann的點評而嶄露頭角。而他對李斯特、華格納、孟德爾頌的評價介紹，也都切中其特色。另外值得一提的是，和孟德爾頌挖掘、指揮巴哈的音樂一樣，Schumann透過文字的介紹闡揚，在巴哈復興的潮流中也有其功勞。

2、Schumann音樂的價值，到他過世後才逐漸被重視。他的鋼琴小品，濃厚的文學性和晦澀主觀的表現，深入到浪漫主義的精神，而與其思想狀態和心理情緒之變化密不可分。這種更為內斂的主觀內向性、與象徵結合的文學性，難以被一般聽眾所理解。Schumann的藝術歌曲，承繼舒伯特詩與音樂的結合，在此種平衡中更深化了鋼琴的表現能力，而詩歌的文學性也更為濃郁。Schumann的交響曲雖然在德國傳統的交響曲作曲家中不甚突出，但其個人語法所呈現的獨到浪漫性，到二十世紀後慢慢獲得重視。

3、Schumann的鋼琴作品，成為二十世紀鋼琴家最常演奏的浪漫作品之一。大提琴協奏曲與海頓第二號、德弗札克之作，並列為三大大提琴協奏曲。小提琴協奏曲雖不列入四大小提琴協奏曲之中，但二十世紀後逐漸被視為傑作。

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「夢幻曲」（Träumerei），選自「兒時情景」，由俄國鋼琴大師Vladimir Horowitz（霍洛維茲，1903-1989）演奏

「夢幻曲」，由俄國小提琴家Mischa Elman（1891-1967）演奏小提琴改編版

「夢幻曲」，由俄國大提琴家Rostropovich（1927-2007）演奏大提琴版

「夢幻曲」，由Martin Borda Pagola改編成吉他，由Cesar Amaro（1948-2012）演奏

Schumann鋼琴曲中最膾炙人口的樂曲，作於1838年，根據Schumann的自述，因為想到Clara曾說過：「你真孩子氣」的話，而觸動作曲的樂思。從原先的三十首選出十二首，再加上「詩人如是說」一曲共構成十三曲。從成年人的角度回想自己童年有趣的場景，流露出Schumann的赤子之心，而與後期所寫的「兒童鋼琴曲集」純從兒童的角度發抒有所不同。出現在第七曲的「夢幻曲」，單純的旋律、慵懶如夢的意境，清新自然，優美如詩，和Schumann其他過於晦澀深奧的鋼琴曲不同，因而贏得一般聽眾的喜愛。


「Widmung」（奉獻），選自歌曲集「Myrthen」（桃金孃），Op.25，由Schwarzkopf（1915-2006）演唱

「Widmung」（奉獻），由德國男中音Hermann Prey（1929-1998）演唱

「Widmung」（奉獻），由俄國鋼琴家Evgeny Kissin（紀辛，1971-）演奏李斯特改編的鋼琴版

1840年譜寫的歌曲集，「桃金孃」（Myrtle）有許多不同的象徵意涵，主要作為吉祥的象徵，裝飾在新娘上代表著純潔的意涵。Schumann譜寫這些歌曲，做為結婚禮物獻給妻子Clara，各個短曲取自不同詩人的作品，而以親切的樸實風格，如話語似的抒情旋律為主要特色。作為第一曲的Widmung（奉獻），取自德國詩人Friedrich Rückert（1788-1866）的詩作，表現出思念對方的熱烈感情，正與Schumann此時對Clara的愛情相呼應。此曲經由李斯特的改編，而成為鋼琴獨奏會上常見的曲目。

Du meine Seele, du mein Herz,
du meine Wonn', o du mein Schmerz,
du meine Welt, in der ich lebe,
mein Himmel du, darein ich schwebe,
o du mein Grab, in das hinab
ich ewig meinem Kummer gab!

You my soul, you my heart,
you my bliss, O you my pain,
you my world in which I live,
my heaven you, wherein I float,
O you my grave, into which
I ever lowered all my cares.

Du bist die Ruh', du bist der Frieden,
du bist vom Himmel mir beschieden.
Dass du mich liebst macht mich mir wert,
dein Blick hat mich vor mir verklaert,
du hebst mich liebend ueber mich,
mein guter Geist, mein bess'res Ich!

You are my rest, you are my peace,
you are bestowed on my by heaven.
That you love me makes me worthy of myself,
your gaze has transfigured me in my own sight,
you lift me above myself in love,
my good genius, my better self!

Du meine Seele, du mein Herz,
du meine Wonn', o du mein Schmerz,
du meine Welt, in der ich lebe,
mein Himmel du, darein ich schwebe,
mein guter Geist, mein bess'res Ich!

You my soul, you my heart,
you my bliss, O you my pain,
you my world in which I live,
my heaven you in which I float,
my good genius, my better self!

鋼琴詩人--蕭邦

        生平剪影

1、Chopin（1810年2月22日(或3月1日)生於波蘭Zelazowa Wola，1849年10月17日病逝於巴黎），排行第二，生長在波蘭母親與法國父親的家庭中，自幼由母親及姊姊Louise啟蒙，也曾向Wojciech Żywny（1756-1842）學習。1822年起向音樂學院院長Josef Elsner（1769-1854）學習作曲，展露才華。1828年受帕格尼尼小提琴演奏的影響，Chopin前往維也納，開演奏會並發表作品。舒曼評價Chopin：「脫帽致敬吧，天才誕生！」，讓蕭邦作曲家的聲名更受肯定。

2、1830年在波蘭反抗俄國的混亂局勢中，Chopin離開波蘭前往維也納。臨行前，老師和同學們致贈Chopin一抔華沙的泥土，作為祖國的象徵，此泥土一直被蕭邦保管著，直到他過世。11月底華沙起義，隔年九月波蘭淪陷。Chopin轉而前往巴黎，在一些朋友如Friedrich Kalkbrenner（1785-1849）、李斯特、孟德爾頌的幫助下展開演奏、教學的生涯，而能在巴黎自立。1835年至萊比錫，與舒曼夫婦見面。

3、1836年，經由李斯特的介紹，Chopin認識著名的女作家George Sand（喬治桑，1804-1876），Chopin在其照顧下譜出戀情，兩人同居了九年。Chopin著名的代表作幾乎都作於此時。1846年11月兩人分手，Chopin的健康日益惡化。1848年法國二月革命，Chopin財源斷絕，不得不抱病前往英國，但受英國潮濕天氣影響，肺病更為嚴重。1849年返回巴黎，在親友與貴婦們的陪伴下過世，葬於巴黎。波蘭人為了紀念Chopin，將他的心臟運到華沙，葬於聖十字架教堂。

4、被譽為「鋼琴詩人」的蕭邦，與「鋼琴之王」李斯特，形成鮮明的對照：Chopin因為體弱多病，彈奏時音量不大，屬於柔和優美的風格，深得貴族仕女的欣賞；而李斯特擅長以雄渾有力的大氣魄、大格局和炫技的方式震懾聽眾，懂得操弄群眾心理來營造魅力。Chopin羨慕李斯特的力道與開朗格局，李斯特則欣賞Chopin渾然天成的優雅詩意，李斯特在未接觸Chopin音樂之前，著重的是炫技表現，但受Chopin影響後也致力於追求樂曲的深度。

        音樂成就

1、Chopin幾乎以他全部的精力灌注在鋼琴音樂上，除了歌曲和大提琴奏鳴曲之外，鋼琴承載著Chopin的即興精神、優雅詩意、內向世界、民族風格，以及各種鮮活靈巧的想像和打破慣例的大膽思考。內斂的蕭邦，纖細柔美的演奏風格和曲風，幾乎來自於個人才華的噴湧，而非轉益積學的成果。比之傳統文學家，Chopin最接近李後主，不必多學、多歷練，就能洞照人生深沉的悲苦。

2、Chopin的鋼琴音樂，將對祖國的思念化成音符，透過波蘭舞曲、馬祖卡舞曲等音樂，傳達波蘭的民族精神，即使Chopin並非國民樂派，但其宏揚波蘭音樂，讓世界認識波蘭舞曲之美，而被視為國民樂派的先驅。

3、Chopin的鋼琴音樂，暨具有濃厚的歌唱性，也具有結構嚴謹的對位精神。前者來自於鄉土以及個人氣質的陶染，也受當時的歌劇名家貝里尼（Vincenzo Bellini，1801-1835）的影響，貝里尼與Chopin近似，也以體弱貌美著稱，也都英年早逝；後者則受巴哈音樂影響。Chopin的音樂，影響了其後的德布西、史克里亞賓、拉赫曼尼諾夫等音樂家。

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前奏曲Op.28 No.15「雨滴」（Raindrop），由俄國鋼琴大師Vladimir Horowitz（霍洛維茲，1903-1989）演出

Chopin作於Majorca島上的修道院靜養時期。由左手反覆彈奏的降A音，造成如雨滴不斷滴落的印象，這也是曲名之所來。Chopin的二十四首前奏曲，合而為一首完整的組曲，分而各自性格迥異的短章，如一瞬間被捕捉的畫面，激發無窮的想像空間。法國鋼琴家Alfred Cortot(柯爾托，1877-1962)曾各自用二十四段標題，賦予無標題的前奏曲許多詩意的場景，如第一首「焦急地等待情人」、第二首「悲傷的沉思，在寂寥的海岸彼端」、第三首「小溪之歌」等。比較特別的是，這首俗稱為「雨滴」的第十五首前奏曲，Cortot是用「雖然死神在那陰影中」來詮釋。


升C小調夜曲（Nocturne In C Sharp Minor），由智利鋼琴大師Claudio Arrau（阿勞，1903-1991）演奏

升C小調夜曲，由Nathan Milstien（米爾斯坦，1904-1992）改編成小提琴，Milstien1935年的錄音

升C小調夜曲，由Nathan Milstien（1904-1992）改編成小提琴的版本，日本小提琴家Midori（1971- ）於卡內基音樂廳的演出

第二十號夜曲，原先並不在Chopin夜曲集中，這是Chopin過世後從他姊姊處找到的一首「屬於夜曲風格的緩版」。這是Chopin為了讓其姊姊能順利彈奏「第二號協奏曲」，所作的練習用之曲子。原曲名有「表情豐富的緩版」之術語提示，正暗示出此曲內蘊情感的豐富以及抒情性。這是Chopin夜曲中最動聽的樂曲之一，經由Milstien改編的小提琴版，更突顯此曲低迴惆悵的旋律，其動人心魂之美感。

浪漫時代的天籟--孟德爾頌

        生平剪影

1、Mendelssohn（1809年2月3日生於德國漢堡，1847年11月4日逝世於萊比錫），生於富裕的猶太人家庭，排行第二。祖父Moses（1729-1786）是著名的哲學家，父親是銀行家，母親會彈鋼琴。自幼接受良好的音樂、文學、藝術、語文教育，曾先後和Ludwig Berger（1777-1839）、Muzio Clementi（1752-1832）學習鋼琴、與Eduard Rietz（1802-1832）學習小、中提琴，1819年起與Carl Friedrich Zelter（1758-1832）學習作曲，Zelter是歌德的好友兼音樂顧問，在老師的介紹下，Mendelssohn與歌德建立起忘年之交。Mendelssohn九歲舉行公開演奏，十歲進入音樂院學習，開始作曲，曲風早熟優美，馬上成為知名的作曲家，被譽為「十九世紀的莫札特」。

2、1821年11月，Mendelssohn拜見歌德，相隔一甲子的年齡差距卻沒有造成隔閡，歌德十分欣賞Mendelssohn的作曲才華和演奏技巧；1830年在到義大利旅遊之前，Mendelssohn 再次拜訪歌德，並為詩人演奏古典到浪漫時期的作曲大師之作。歌德並送一頁「浮士德」的手稿給Mendelssohn，作為臨別的紀念。相對於白遼士主動將自己譜寫的「浮士德八幕」樂譜寄給歌德，歌德卻受Zelter的負評影響而不回應，Mendelssohn應該是除了莫札特之外，最受歌德看重的作曲家。

3、1829年3月，在柏林指揮巴哈「馬太受難曲」，造成一股復興巴哈、研究巴洛克音樂的潮流。除此之外，1833年5月Mendelssohn在Düsseldorf演出韓德爾的神劇「以色列人在埃及」，同樣造成轟動。從1829年開始，Mendelssohn在三年內遊歷英國、義大利、法國等地，Mendelssohn作品中充滿對自然的歌頌和描繪，多得力於此段時間的遊覽。不僅譜出多首名作（或獲得創作的靈感，之後才完成）如「Fingal’Cave」（芬加爾岩洞）、「蘇格蘭交響曲」、「義大利交響曲」，也與音樂家如白遼士、蕭邦、李斯特等結交。相對於Mendelssohn的音樂在二十世紀後的評價，還不如白遼士、蕭邦、舒曼等作曲家，然而在十九世紀，Mendelssohn的作曲才華卻是舒曼、白遼士、李斯特交口稱讚的。

4、1833年擔任Düsseldorf樂團指揮與行政總監約兩年，因不合而去職。1835年10月擔任萊比錫布商大廈管弦樂團指揮，在此地認識舒曼，並讓樂團達到一流的水準，最值得一提的演奏是：Mendelssohn曾帶領樂團演出舒伯特「偉大」與貝多芬「合唱」交響曲。1837年與Cécile Jeanrenaud（1817-1853）結婚，婚姻幸福美滿。1841年出任柏林音樂院院長，並認識華格納，但兩人卻互無好感。1843在舒曼的協助下，成立萊比錫音樂院，成為歐洲最負盛名的音樂學院。Mendelssohn的朋友Julius Rietz（1812-1877）與其學生Carl Reinecke（1824-1910）先後接替布商大廈管弦樂團的職位；而Reinecke也曾接掌萊比錫音樂院，將Mendelssohn的音樂素養傳遞到後代（Reinecke的學生比較著名的有葛利格、布魯赫；Julius Rietz也是Mendelssohn作品的編訂者）。1847年5月，姊姊Fanny（1807-1847）去世，Mendelssohn悲痛萬分而病倒，雖然親友們極力幫助他在瑞士養病，但Mendelssohn最終還是於該年11月去世。出殯那天，柏林市懸掛黑旗誌哀，參與送葬的行列有數千多人，在Mendelssohn過世後一兩年間，各地紛紛演奏Mendelssohn的音樂以紀念他。

        音樂成就

1、Mendelssohn是最具有古典均衡之美的浪漫作曲家，相對於舒曼、白遼士、李斯特打破音樂形式噴薄而發的浪漫精神，Mendelssohn的音樂始終維持著均衡、節制、澄澈明晰的古典之美。由於Mendelssohn早熟的作曲才華在創作技法上的精鍊，也因此博得其他作曲家的推崇，而在當時被譽為貝多芬之後最偉大的作曲家。但是Mendelssohn過世後，聲望不復從前，到了二十世紀初更飽受批評，然而二十世紀後半其音樂才重新得到肯定。

2、Mendelssohn訪問英國，大受歡迎，並被推薦為倫敦愛樂協會的榮譽會員。Mendelssohn可以說是繼巴洛克大師韓德爾以來，第二位在英國備受肯定的作曲家，也影響英國的樂壇其後的創作發展。

3、Mendelssohn的鋼琴作品集「無言歌」，是浪漫時代鋼琴小品的珠玉之聲，而小提琴協奏曲則與貝多芬、布拉姆斯、柴可夫斯基等作名列四大小提琴協奏曲中；神劇「Elijah」（伊利亞）與韓德爾「彌賽亞」、海頓「創世紀」並列為三大神劇。

        名曲分享

「仲夏夜之夢序曲」（Midsummer Night’s Dream Overture），Peter Maag(1919-2001)指揮London symphony orchestra

「仲夏夜之夢」原為莎士比亞的喜劇，充滿幻想、童話式愉悅的氛圍。Mendelssohn在十七歲譜寫的序曲，將此喜劇純真、燦爛優美的一面透過管弦樂傳達得天衣無縫。連同十六年後接續譜寫的十二首樂曲所構成的戲劇音樂，前後應和構成完美的整體，正是接觸Mendelssohn音樂最佳的入門曲目。

「乘著歌聲的翅膀」（Auf Flügeln des Gesanges），西班牙女高音Victoria de los Ángeles (安赫麗斯，1923-2005)演唱

「乘著歌聲的翅膀」，李斯特的學生Emil von Sauer(1811-1886)演奏李斯特改編的鋼琴版，1923年的錄音

「乘著歌聲的翅膀」，俄國小提琴大師David Oistrakh（歐伊斯特拉夫，1908-1974）與鋼琴家Vladimir Yampolsky（1905-1965）合演的小提琴改編版，1949年錄音

Mendelssohn最著名的歌曲，1835年作於Düsseldorf。歌詞取自海涅（Heinrich Heine，1797-1856）的詩，有著一股幸福甜蜜的溫柔意味。明朗溫潤的歌詠旋律伴著流暢自然的鋼琴，讓人彷彿隨著音樂的流波飄揚到閃亮的雲端，而忘卻人間的紛擾喧囂。在浪漫時代強調情感的噴湧、想像力的奇詭奔放，打破既有的規範尋求新的表現樣式的時代中，唯有Mendelssohn音樂的純淨、明亮自然，能讓人放心休憩，自在悠遊。

Auf Flügeln des Gesanges,
Herzliebchen, trag ich dich fort,
Fort nach den Fluren des Ganges,
Dort weiß ich den schönsten Ort;
Dort liegt ein rotblühender Garten
Im stillen Mondenschein,
Die Lotosblumen erwarten
Ihr trautes Schwesterlein.
Die Veilchen kichern und kosen,
Und schaun nach den Sternen empor,
Heimlich erzählen die Rosen
Sich duftende Märchen ins Ohr.
Es hüpfen herbei und lauschen
Die frommen, klugen Gazelln,
Und in der Ferne rauschen
Des heilgen Stromes Well'n.
Dort wollen wir niedersinken
Unter dem Palmenbaum,
Und Liebe und Ruhe trinken,
Und träumen seligen Traum.

On Wings of Song
English Translation by Marty Lucas

On wings of song,
my love, I'll carry you away
to the fields of the Ganges
Where I know the most beautiful place.
There lies a red-flowering garden,
in the serene moonlight,
the lotus-flowers await
Their beloved sister.
The violets giggle and cherish,
and look up at the stars,
The roses tell each other secretly
Their fragant fairy-tales.
The gentle, bright gazelles,
pass and listen;
and in the distance murmurs
The waves of the holy stream.
There we will lay down,
under the palm-tree,
and drink of love and peacefulnes
And dream our blessed dream

乘著歌聲的翅膀（中譯取自網路）
曲：孟德爾頌(Op. 34, No. 2)
詞：海涅 (德國詩人)

乘著歌聲的翅膀
心愛的人，我帶你飛翔
向著恒河的原野
那裡有最美的地方。

一座紅花盛開的花園
籠罩著寂靜的月光
蓮花在那兒等待
她們親密的姑娘。

紫羅蘭微笑地耳語
仰望著明亮星星
玫瑰花把芬芳的童話
俏俏地在耳際傾談。

跳過來細心傾聽
是那善良聰穎的羚羊
遠處喧騰著的
是那聖潔河水的波浪。

我們要在那裡躺下
在那棕櫚樹的下邊
享受著愛情和寂靜
沉入幸福的夢鄉。

法國管絃樂奇才--白遼士

        生平剪影

1、Berlioz（1803年12月11日生於法國La Cote Saint Andre小鎮，1869年3月8日逝於巴黎），其父親是愛好文學與哲學的醫生，讓Berlioz接受完整的教育，並學習長笛和吉他。但父親不希望Berlioz成為音樂家，而要求他繼承衣缽成為醫生，Berlioz因此被送到巴黎學習解剖學，但Berlioz更常到圖書館研究大作曲家的樂譜，並偷偷向Jean-François Le Sueur（1760-1837）學習作曲。1824年，聽了葛路克歌劇的Berlioz，決定放棄從醫，1826年進入巴黎音樂院向Sueur和Anton Reicha（1770-1836）學習音樂。父母苦勸Berlioz放棄學樂無效，遂斷絕對Berlioz的補助。陷入經濟困境的Berlioz經由朋友Humbert Ferrand的介紹，撰寫樂評維生。

2、1827年，Berlioz深深著迷於英國劇團中飾演茱麗葉的女演員Harriet Smithson（1800-1854），寫信向她發抒愛意。當時如日中天的Smithson，對於沒沒無聞的音樂院學生自然不屑一顧。Berlioz把企圖自殺的激情轉化成創作動機，譜寫了浪漫時期經典名作「Symphonie fantastique」（幻想交響曲）， 在1830年於巴黎首演造成轟動，不過當時Smithson並未出席。之後Berlioz曾經歷一段論及婚嫁卻無疾而終的情感（曾企圖殺害對方而覺悟放棄），從羅馬返回巴黎後，又為了Smithson而於1832年舉行一場音樂會，冠蓋雲集，過氣的女演員也出席盛會。兩人的際遇逆轉了，Smithson發福不如往昔美麗，而Berlioz卻是如日中天的知名作曲家。音樂會結束後兩人開始交往，隔年10月結婚。但婚後Berlioz心目中的女神褪去迷人的外衣，兩人的裂痕日增，七年之後不得不離婚。Berlioz另結新歡，與女歌手Marie Recio（1814-1862）再婚，但不久後又分開。滿懷熱情嚮往愛情的Berlioz，最後孤獨一人，晚年時只有與初戀情人的通信能撫慰他的心靈。

3、經濟來源不穩定的Berlioz，分別在1837年被法國政府委託撰寫「安魂曲」，而獲得三千法郎的年金，也在1838年，演出為小提琴大師帕格尼尼（Paganini，1782-1840）所作的「Harold en Italie」（哈羅德在義大利），獲得帕格尼尼致贈兩萬法郎的鼓勵，而能更專注於作曲。

4、Berlioz在1845年創作的「La Damnation de Faust」（浮士德的天譴）並不受巴黎聽眾歡迎，陷入經濟困境的他不得不再次巡迴，在巴爾札克的建議下前往俄國，1847年「浮士德的天譴」反而在俄國大受歡迎，暫時解決了Berlioz的財務問題。中晚年的Berlioz，父母和朋友相繼去世，再娶的妻子與獨子也一一離開，致力於創作的Berlioz，所推出的作品如歌劇「Benvenuto Cellini」、「Les Troyens」（特洛伊人），都得不到預期的肯定（當時法國樂壇，最受歡迎的歌劇作曲家是羅西尼、麥亞白爾、古諾），反而在法國之外的俄國造成迴響，並啟發了俄國、德國的作曲家對於Berlioz的重視。在最後幾年的生活中，Berlioz幾乎隱居不出，過世後的葬禮也不隆重，當時的法國樂界，對Berlioz始終保守地保持距離。他是在自己祖國被忽略，而揚名於異地的作曲家。

        音樂成就

1、在浪漫時代的作曲家中，Berlioz是唯一的法國人，也是法國樂壇開拓浪漫精神的先驅。不擅長演奏樂器的Berlioz，卻能深諳管弦樂的音色和配器變化，譜寫出色澤亮麗、豐富生動的音樂。他的標題音樂對於李斯特的「交響詩」產生影響，而除此之外，「固定樂思」的精神，也經華格納「主導動機」的繼承而發揚光大。此外，與Berlioz交好的音樂家，都是音樂史上的大作曲家，如孟德爾頌、李斯特、華格納、蕭邦與舒曼，共同構成浪漫時代的核心。

2、Berlioz除了以詞鋒犀利、文筆流暢而具有獨到見解的音樂評論著名之外，1843年撰寫成的《近代器樂法與管絃樂法》一書，是近代重要的管絃樂理論著作，反映了Berlioz在管絃樂曲之配器和樂團編制上的創新，塑造出更有表現力的聲響，更有助於浪漫作曲家描繪各種情感的不同幅度，而對於後代的管絃樂大師如聖桑、林姆斯基‧高沙可夫都有影響。

3、浪漫時代作曲家與文學的密切關係，由Berlioz首開其端，他的許多作品取材自莎士比亞（「羅密歐與茱麗葉」、「李爾王」、「Béatrice et Bénédict」）、歌德（「浮士德」）、拜倫（「哈羅德在義大利」、「海盜」序曲）、維吉爾（「特洛伊人」），Walter Scott（「Waverley」序曲），之後重視標題性的作曲家如舒曼、李斯特，也都重視從文學汲取靈感。

        名曲分享

「幻想交響曲」第四樂章，美國指揮家Leonard Bernstein（伯恩斯坦，1918-199）指揮法國國家管絃樂團，1976年

Berlioz這首自傳式之作，除了確立浪漫時代「標題音樂」的音樂特色之外，在各樂章間也運用了「固定樂思」的手法將特定主題與人物形象密切聯繫。此曲的靈感來自於英國Thomas DeQuincey（1785-1859）之作：「一個吸食鴉片者的陳述」，五樂章的形式突破古典時期四樂章的結構。第一樂章描述主角對女主角的熱烈愛情，第二樂章以舞會穿插戀人的幻影，第三樂章則在夏天黃昏的郊野發抒思念，第四樂章在幻想中殺死愛人而被押解至斷頭台，最後一樂章則描寫妖巫魔鬼喧鬧的宴會。在此摘取的第四樂章，詭異大膽的進行曲，將主角推往斷頭台，透過音樂的描繪，可以想見旁間圍觀的人嗜血振奮的神情。Berlioz獨到的鋪寫手法，讓人隨節奏的進行激起腎上腺素，而難以抗拒地加入人群中，見證一場荒誕卻真實的人性試煉。


「羅馬狂歡節序曲」（Roman Carnival Overture），法國指揮家Pierre Monteux（蒙都，1875-1964）指揮

「羅馬狂歡節序曲」，美國指揮家Leopold Stokowski（1882-1977），指揮費城管絃樂團，1931年的錄音。這位管弦樂指揮大師，擅於塑造豐潤飽滿的管絃樂聲響，即使是歷史錄音，依然可見其更緊湊生動的魅力。

此首序曲乃是歌劇「Benvenuto Cellini」第二幕前的序曲，由於特別出色，而被單獨當作管絃樂曲演奏。此曲運用義大利鄉間舞蹈Saltarello為主題，表現出燦爛華麗的狂歡激情。第一主題取自歌劇中「愛之二重唱」，特別舒暢甜美，之後進入Saltarello舞曲（約4分多後之後），形成燦爛律動的氛圍，最後融合先前出現過的主題，在壯麗振奮的高潮下結束。