過往的音樂會票根(上)

        這次連假回老家的期間，順便把大學時期所觀賞的演奏會票根拍下來，作為過往聆樂的雪泥鴻爪。這些票根和當時的大學生活照片放在一起，是曾經步履所及的一種紀念。也因為當時突發奇想，將散存的票根、帶有紀念性質的小卡一起黏附在相簿中，這些聆樂的痕跡才不致於被時光抹除。在拍攝這些票根的同時，我再次經歷了失憶症中與記憶掙扎奮鬥的過程，被過往的痕跡所敲擊，重新喚起某些浮光掠影。原先忘得一乾二淨的演奏會，透過真實存在的票根載錄，我驚訝地發現我曾經參與的名家演奏會竟如此多，在時光無情抹除的空白背後，原來我曾經聽過的風景也充滿繽紛的光影，可惜這些演出，部分留下微弱的印象，部分則僅剩一片空白。

        遺忘的魔掌，竟如此恣意妄為！可歎的是，當時沒有部落格，沒有留下片言隻字描摹任何一場演出的心得。僅能從票根上的演奏家姓名、樂團名稱來揣想當時購票入場的動因，除此之外，我幾乎說不出對演出的任何評論。文字抵擋時光掏洗的力量，在當時我還認識不深，遂讓遺忘奪去我曾經盈滿胸懷的美感觸發。僅能將這些票根串聯起來，當作一種過往足跡的証明。此篇所選出來的票根，都還是我現在回想還記得起來的演出，普雷特涅夫的演出目前還記得，大概是因為這是我灑下最多銀鈔的演出，而不惜成本共捧三次場，也可以看出我當時如何欣賞這位鋼琴家。至於林克昌的演出，我也彷彿記得，或許是當時的宣傳一再強調這是大師僅存的演出之一，加上當時是最迷柴可夫斯基後三首交響曲的時期，林克昌也同時發行錄音專輯。是以還保留殘存的印象。就以此處的網誌書寫，紀念當時參與音樂會的聆樂生涯。

低吟淺唱的舒伯特

        舒伯特藝術歌曲的演出，當推Fischer-Dieskau為第一把交椅，不過三大聯篇歌曲之一的美麗的磨坊少女(Die Schone Mullerin)在我接觸Fischer-Dieskau的演出之前，對男中音Hermann Prey在曲中所流露的豐沛情感與優美歌聲十分合拍，這正好細膩地體現磨坊少年既熱烈又壓抑的情意，深得箇中三昧。但我要分享的不是對這組聯篇歌曲的聆樂感受(雖然此組歌曲是三大聯篇中我最喜歡的)，而是我在此專輯中意外發現的一首動聽歌曲。

        此專輯在美麗的磨坊少女之外，又收錄四首以歌德之詩歌譜寫的藝術歌曲，包含耳熟能詳的魔王。但讓我一聽就喜歡的是最後一首：An den Mond, D259，我不知道此歌曲的歌詞原意，但從一開始鋼琴幾個簡單的音符，卻傳達出深沉靜謐的感受，而歌聲將此旋律作了細膩的鋪陳，這首三分鐘左右的簡短曲子，和上一篇網誌所談到的蕭邦十九號圓舞曲一樣，成為我在聆聽此兩張專輯最驚喜的發現，都是一聽就喜愛，直覺感受，沒有理智的分析，也不是感性的濫情，都在簡單的旋律中生發出深入的感情，意緒豐富，韻味悠然。舒伯特此曲更加沉靜抒懷，彷彿娓娓道出某種情緒，難以言喻的情緒。整首曲子起伏不大，但情致深沉細膩，相當感人。在沉靜中有不足為人道的感受，是相當私密的、相當內心的感受。當音樂響起，我煩躁的心緒隨之平穩，不由得隨音樂墜入心靈深處，任淺淺的惆悵、深深的感動蔓延，不需言語。音樂彷彿可以掏出心靈深處的渣滓，滌凈塵俗之濁穢，簡單卻充滿力量；低吟卻悠揚動人。舒伯特的音樂總充滿驚喜，只要靜下心來聆聽，便會發現這顆心靈的豐富深邃，藉由歌唱的音符旋律道盡人生的酸甜苦辣，這就是舒伯特，時而放懷高歌時而低迴傾訴，這就是舒伯特，輕易在心靈播種的園丁。

        以下聽的是舒伯特An den Mond. D 259(歌德，月亮頌，或譯為給月娘)，由Dietrich Fischer-Dieskau與Gerald Moore合演

   以下聽的是舒伯特An den Mond. D 259，由Hermann Prey演唱Karl Engel鋼琴，我更喜歡此版

蕭邦圓舞曲遺珠

        趁著端午連續假期返回南部老家，重新置身於自己小小斗室，被書籍及唱片圍繞的小房間，頓時湧起難以言喻的感覺，既陌生又熟悉。一段段被我在台北生活所消音的往事重新浮現，片段殘缺，依附在久久未曾摩娑的唱片、書籍、相本中。當初收集這些唱片和音樂雜誌的過程，大多已忘卻，但有許多曾經凝聚在唱片中的美感體驗，讓我迫不急待找出幾張唱片來重溫，前一篇網誌的書寫，就是對一段曾經美好的記憶再次觸撫，從回憶深處尋認那段感動，勉強化為文字形跡，但未說出的總是更多。雖然飄散在時空中，我嘗試捕捉，不足之處，勢所難免，因為遺忘的緣故。

        每次回南部老家，再次北上時行囊中又裝載幾十張唱片，我數千張的唱片就這樣陸續北運。老家中的專輯算算僅剩不到六百張了。但是仔細檢閱，大多數還是我從大學聽古典音樂開始陸續蒐集的，不過限於行李容量，無法全數帶上台北(但我也不想完全搬空)，因此我跟我的部分唱片收藏以及收藏之回憶就此相隔兩地，一年聚不到幾次。從二月開始，敲下部落格的第一個字，一直想記載某些對我特別有意義的唱片，但有幾張不在北部，遲遲無法化成文字。此次我特地在老家的唱片架上挑選出這些唱片帶回台北，作為書寫的靈感來源。但總有遺珠，也許要等到下次重回這方伴我成長的小房間，再次接續書寫，回憶的線方能從過去延伸到現在。甚至，回憶與現在總是並行的，尤其是，被塗抹在唱片上的感情印記只會淡化，不會消失。讓音樂再次響起，某些烙下的回憶便會再次重生。

        此張唱片對我也有特殊的意義。這在我南部的收藏中算是後期的新品，陪伴我的時間絕對比不上其他老朋友。記得它也曾經在我的架上蒙塵，未拆封而擺了許久。也不知什麼原因，那天我拆開後從第一首聽起。蕭邦的圓舞曲對我毫不陌生，也聽過幾次了。尤其是Lipatti的演出讓人動容。但亞列席夫(Alexeev,1947- )的詮釋究竟有何特殊之處呢？至少在當時，我並沒有仔細比較。但讓我驚豔而感動的是，聽到最後，一段旋律緊緊抓住我的心，讓我被觸動而難以平復。這段音樂十分簡單，也非刻意抒情錘鍊之作，看起來甚至還有些不成熟、稚氣尚存，但是正因為其簡單，自然，聲音竟然可以直接打動我的心靈。我反反覆覆聽了此曲好幾次，每次都是感動。這段音樂，沉靜中寓有不平靜，像某段失去卻突然湧上心頭的回憶，難以忘懷卻又早已逝去，錯綜複雜的感情，在看似平淡的口吻中含藏著。這第一次聽就喜歡的蕭邦圓舞曲，深深地扎根在我心裡。一般被接受演出的蕭邦圓舞曲共有十四首，此首卻是十四首之外的遺作，而且是很少人演出的遺作：A小調，第十九號。也唯有完整收錄蕭邦十九首圓舞曲的錄音才能接觸到這一首珍貴的遺珠。亞列席夫的這個版本，就是我第一次聆聽此曲的版本，讓我留下先入為主的深刻印象。後來即使我陸續購入鄧泰山與Garrick Ohlsson的錄音，也抹除不了這種先入為主的感動力量。仔細品味亞列席夫的演出，會發現這是樸素不矯情的蕭邦，聽者可以被亞列席夫真誠自然的詮釋所感動，雖然缺少了火花和縱情之趣，但溫暖抒情的圓舞曲也自有其平實中透顯的不凡魅力。亞列席夫另外詮釋的拉赫曼尼諾夫前奏曲和布拉姆斯晚期鋼琴曲的錄音演出也都有這種不同流俗的見解，這讓我相當欣賞這位鋼琴家。因為他的演出不是煽情膚淺的表演，而是熨貼細膩的詮釋，相當耐聽。另外兩張專輯日後有空再介紹，此處先按下不表。對我而言，收錄第十九號圓舞曲的蕭邦圓舞曲集，才是更值得購買的專輯，不論演奏家為何，錯過這一首曲子，就錯過另一種面貌的蕭邦。

        以下聽的是Chopin - Waltz No. 19 Op. Posth. in A minor由Lilya Zilberstein演出

   以下聽的是Chopin - Waltz No. 19 Op. Posth. in A minor由Ashkenazy演出

盤旋雲端之音

        記得多年之前一場劉岠渭老師的音樂講座中，我聽到了劉老師介紹的這首曲子，當時是第一次聆聽，卻飽受震憾，莫札特的音樂如綿細的天籟之音鋪陳在我耳前，花腔女高音Gruberova直上雲霄的歌聲盤旋在天際，那真是美好的體驗，美好的一晚。

        這首曲子，即是莫札特歌劇「後宮誘逃」中的一曲：「Martern aller Arten」。我不知道樂曲的故事背景，不明瞭歌詞的意涵，只對音樂的起伏變化和時而高亢時而舒柔的女高音歌詠聲留下深刻印象。後來在唱片行就會稍微留意Gruberova的專輯，直到有一天在架上看到這張Gruberova莫札特音樂會和歌劇詠嘆調選集，我不確定是否收錄此曲，但抱著賭看看的心理買下專輯，迫不急待直接跳到幾首歌劇詠嘆調，終於聽到熟悉的前奏響起，心中真是驚喜莫名。用普通的播放設備當然比不上講座中頂級音響的真實感，也缺少劉老師精闢的解說，只能透過回想講座中的聆聲感動再次喚起此首詠嘆調所帶給我的震撼和美感感動。但是此次的聲音不再是追思憶念的模糊存在，就近在耳邊，直接撞擊我的美感世界。指揮蕭提相當適切地呈現出莫札特音樂中的鮮活和躍動自然之特質，也保有音樂的天真和靜謐的烘托，而Gruberova的歌聲，隨音樂起伏時而激昂時而婉轉低語，收放自如，既輕盈瑩澈又飽滿堅韌，尤其是6分半左右直上雲霄盤旋飛揚，像一根銀絲閃耀在雲端，時隱時現，真讓人嘆為聽止，是我最喜歡的段落。而3半到4分左右的音樂我也相當喜歡，讓人領略莫札特音樂悠揚舒卷之美。此兩段音樂，真是天籟之音，莫札特之巧思搭配女高音淋漓盡致的表現，就是美的保證。從此之後，此首詠嘆調就成為我最喜歡的一首，感謝劉老師的介紹，讓我得以知道人間還有如此優美的音樂；感謝偶然間的遇合，讓我發現Gruberova此張專輯，不必讓天籟之聲被記憶摧殘而淡化，反而可以時時親近，感受豐盈溢滿的聆樂享受。

        以下聽的是Gruberova現場演唱的Die Entführung - Martern aller arten，指揮家是貝姆

佈展偶誌

        昨天上午協助佈展，對我而言，也從旁學習到不少關於展覽的實務經驗。

        佈展的人手，靠的是書會成員自發性的參與，不過幾次活動下來，會發現有心參與幫忙的，總是幾張熟悉的面孔。這讓我想起大學時代書法社舉辦活動也需要幾位中堅人物的付出方能順利推行的經驗。但是就規模而言，之前的社團經驗上不了檯面，真正社會上的書會活動規模和事務都龐大得多。昨天自發幫忙的人手超乎我的想像，熱心參與的師兄師姐們年紀都比我大一截，但大家都努力付出，著實讓人感動，我也趁機學了一課。

        關於展出場地，有些不盡理想之處。比如出入口有兩處，安排作品的次序以正式的入口為基準向場地中央擺掛，尾段正好銜接另一頭的出口，從入口進入才吻合佈展安排的參觀動線，若從另一頭進入，反而從尾端參觀起。又受限於場地原先的規劃，懸掛作品的位置高低不齊，在觀賞視覺的銜接上容易被影響。而可以懸掛作品的展板又蜿蜒曲折，只能靠觀賞者移步換景，自行調整觀看作品的最佳角度。但這些場地的問題還是在大家通力合作以及老師指點下完成所有作品的掛置工作。從空蕩蕩的場地到掛滿作品，放眼望去，突然覺得滿室風生，悠然氣韻流動蔓衍，一景一方，觸目即成佳趣，從空白的牆面空間中幻化成龍蛇舞動、或潛蟄或高翔的美感世界。在調整作品掛置的階段中，首先要注意搭配作品的形式以及數量，能適切地掛置於整面空間上，而且多幅聯屏都不能拆開，因此其展出牆面有寬有狹，就必須一再調整以尋求最基本的均衡協調。此外，相同字體甚或是相同裝裱顏色或紙張顏色也要錯開以求映襯成趣。因此掛上展板不是問題，如何調配更換，箇中學問也需要經驗積累。一切大致就緒後，稍微縱覽作品，可看出師兄師姐們多年臨池之經驗及功力累積，或精深以求嚴謹，或縱逸以求表現，但都各具姿態，頗有可觀之處。相比而言，自己的臨池及作品書寫經驗的確稚嫩不成熟，但有師兄師姐的典範可讓我觀摩陶養，以為取法，也有助於自我書藝眼界之提升。以前自己大都埋頭書寫，不關注如何讓作品的內容搭配形式而取得最佳藝術效果之類的問題，因此真正完成的作品不一定能突顯自己臨池之心得。但透過實際作品之觀摩學習，揣摩其佈局安排以及聯屏或各種表現形式之搭配運用，可以調整自己之不足，相信有助於提升作品之水準。而師兄師姐們的精深精熟之表現成果，也是激勵自己痛下苦工的良好示範。佈展看展雖非臨池首要功夫，但也是不可或缺的體驗。藝術創造，正需要師友交流互勵，方能開眼界拓心胸。

Znaider提琴小品

        1975年出生的小提琴家尼可萊‧齊奈德（Nikolaj Znaider），是新生代小提琴家中最受矚目的一位，三十多歲的年齡，在錄音及現場演出已經打開知名度，是值得注目的新星。

        基本上我很少買新生代小提琴家的專輯。購買老大師(無論知名或被遺忘)的歷史錄音或新出土音源(新轉錄或新挖掘)已經讓拮据的財力不敷使用，哪裡兼顧到陸續發行的新專輯？尤其是源源不絕豋上舞台的新秀，每位新秀在唱片公司的包裝下，以及前輩演奏家的讚許激賞和樂評家毫無保留的肯定之詞，被塑造成光芒耀眼的明日之星，彷彿聽眾就必須掏錢出來，買下這張難得的專輯。如果接觸得少，會全盤相信唱片宣傳的說詞。但相似的伎倆一再出現在唱片側標或音樂雜誌中，實在很難讓人相信這個時代是天才盡出的時代，怎會有這麼多的明日之星蜂擁而出，簡直就要改寫當代的演奏歷史了。所以完全沒聽過姓名的新生代演奏家的專輯，我總是略為保留，不會輕易掏錢。畢竟這就像投資賭注，賭一個明日之星在所有的明日之星中能脫穎而出，從而成為下一代的大師。如果我有很多閒錢，就可以多方下注，但銀彈有限，就更需要精挑細選。挑選的過程就是一種冒險。

        沒有冒險也就沒有收穫。要如何在眾多明日之星的新專輯中挑選值得聆聽的聲音，光看側標或樂評是不夠的。但是實際上也沒有挑選的標準。就當成是拓展自我聆樂版圖的投資，憑感覺與緣份來決定這場聲音的奇遇會有怎樣奇異的風景。至少在目前，我會撥出些微預算，來投資某些聲音，也許，其中某些會成為陪伴一生的聲音，某些卻沉積在唱片角落。這張專輯是我近期投資的結果之一。對於齊奈德精準的技巧以及明亮的音色印象深刻，而其詮釋的感情細膩和音樂轉折的自然，都讓這張專輯具有可聽性。至少我的投資沒有讓聆聽之耳失望。當然從專輯曲目的安排，可以看出齊奈德受一代小提琴巨匠海飛茲的影響，但齊奈德在精準的技巧之外，又多了些情感細膩的鋪陳，又不同於海飛茲展技酣暢之表現。但我還是覺得齊奈德感情鋪陳的細膩度足夠，但深度及厚度稍嫌不足。這是悠揚洗鍊的浪漫小品，琴音之凝鍊已有一定水準，但有時覺得琴音稍冷，較沒有溫暖或溫潤的感覺，聽來雖覺得技巧完美，但並不會被所表現的音樂直接打動心靈，雖然有不少片段演奏者的細膩鋪陳讓人被音樂深深吸引，但並非整張專輯都如此。不過對於此演出精湛的技藝表現，我也有陶醉贊嘆的時刻。因此我相信只要經過相當時日的焠鍊與成長，齊奈德也必脫胎換骨，名列大師的候選名單中。

       以下聽的是Nikolaj Znaider演奏Chopin Nocturne Op. 27 No 2

高貴優美的Fournier

        談到Arpeggione Sonata，不能不說說傅尼葉（Pierre Fournier,1906-1986）在此張專輯中的演出。這張唱片是我接觸著名法國大提琴家傅尼葉的第二張專輯(第一張是無伴奏巴哈)，收錄了德弗札克大提琴協奏曲與舒伯特阿貝鳩奈奏鳴曲以及其他弦樂大提琴曲「所羅門王」和「晚禱」以及一些大提琴小品。記憶中對Bruch的「晚禱」曲寧靜崇高和抒情深邃的音樂留下深刻印象，也很喜愛CD2所收錄的大提琴小品，尤其是第17首帕格尼尼的Variations on a Theme of "Moise"by Rossini。雖然也欣賞舒伯特的阿貝鳩奈奏鳴曲，但傅氏的詮釋卻沒有在第一時間吸引我的注意。直到麥斯基的詮釋讓我深深愛上這首曲子後，再重新聆聽傅尼葉的詮釋，兩相比較，可以體會到兩位大提琴家不同的琴音氣質。

        傅尼葉的琴音屬於醇雅溫潤的質地，在感情的發抒上較為內斂沉穩，不像麥斯基外放激情般地濃烈動人。而在音樂的表情上，也不如麥斯基細膩著墨，反而呈現出較為清新悠然，自在歌詠的舒伯特形象。在聆聽傅尼葉的琴音，我總是聯想到另一位同樣以高貴端正為特色的小提琴家Szeryng。這種高貴典雅的特質，得力於獨特的涵養以及自然的氣質，也是欣賞音樂中不可或缺的一種美感。而麥斯基對阿貝鳩奈奏鳴曲的詮釋，在第一時間就緊抓住聽者的心靈節奏，直接深入地剖析表白舒伯特的感情，而傅尼葉的詮釋就像後勁醇厚的佳釀，品嚐之初僅覺得淡雅高貴，但卻在自然流暢和端正優美的聲音中透顯獨特的氣韻，讓人回味無窮。這是兩種不同面貌的舒伯特，一感情豐沛一自然清新；一醉人一沁涼，卻都表現出舒伯特音樂之精神。現階段麥斯基的詮釋讓我激盪不已，但可以預期的是，隨著年齡漸長，傅尼葉繁華落盡見真醇的琴音，也許更具有低首回味之餘韻。不同的詮釋在生命各個階段各扮演不同的心靈之聲，各有其適合我感性生活之美感特質，可以讓我擷取、讓我悠遊，讓我摹繪美感星圖之廣袤無窮。因此對我來說，沒有絕對終極的完美版本，各種不同詮釋美感向度的版本，都需要自我生命的刻寫參與，生命的色調變了，對版本的體會感悟也隨之改換。

        以下聽的是由Fournier演出的舒伯特Arpeggione Sonata

歷史的名字--Arpeggione

        在忠孝東路後面巷子中的二手唱片行駱克(現在已搬走)，我買到這張唱片，當時試聽了一下就決定帶走，原因無它，唱片所收錄的都是我最喜歡的舒伯特藝術歌曲，尤其是大提琴奏鳴曲Arpeggione Sonata,D821。

        這首曲子也不應該稱做大提琴奏鳴曲，只是現在一般都以大提琴演奏。正確的稱呼是阿貝鳩奈（Arpeggione）奏鳴曲。Arpeggione 這個樂器僅出現在舒伯特的時代，原先指的是「用琴弓演奏的吉他」，製造者Staufer在1823年發明，但並未普及流傳，而且後繼無人，僅被保留於樂器博物館當成歷史的痕跡。但舒伯特這首樂曲，卻讓這件已經失傳的樂器名稱還流傳在現代，這真是一則奇妙的故事，逝去的歷史，製造者的期待與心血化為烏有，被塵封遺忘在歷史洪流中，唯一不變的只有聲音，只有舒伯特的靈心妙韻，讓樂器之名依附在被後人重述聆聽的音樂上，獲得流傳的契機。舒伯特此首樂曲特別優美動人，三個樂章都各有足以觸動心靈底層的美感深度。雖然我們永遠不知道真正用Arpeggione這種樂器來演奏，會不會完全發揮此首曲子的潛能，但能透過大提琴的演繹來感知此曲之美，就是後人的幸福了。

        麥斯基(Mischa Maisky,1948- )此張專輯為何流落至二手唱片區，是我永遠也想不透的謎題。在當時，此唱片還擺放在一般唱片行的高價位區販售，對於窮學生的我，突然在二手唱片行遇到，就像挖到寶一樣，但也為此唱片先前的不幸境遇傾注不少同情。當時我已約略知道麥斯基這位大提琴家，只是蒐片的主力放在Fournier、Du Pre、Yo-Yo Ma等大提琴家，無法再有閒錢網羅麥斯基的唱片。反而是這張唱片才讓我真正瞭解麥斯基這位提琴家的琴音特質。我不因它是二手唱片而輕忽它，相對的，這是我少數二手唱片中最受我青睞的一張。光是唱片一開始的三樂章阿貝鳩奈奏鳴曲，就讓我感動不已，更何況還有許多首舒伯特著名藝術歌曲的改編演出，更物超所值了。而且透過大提琴這項最接近人聲的樂器來詮釋舒伯特的歌曲，再也貼切不過。可以讓藝術歌曲的抒情特質更加純粹動人，直接打動聽者的心靈。麥斯基詮釋的阿貝鳩奈，感情馥郁深邃，濃烈醉人，琴音細膩飽滿，刻畫深入，讓這首曲子抒情的面向淋漓盡致地表現出來，每次聆聽都有無言的情思韻致被音樂撩動，甚至難以自己，沉浸在深層的悵惘氛圍中，低迴不已。而藝術歌曲的改編演出，讓我們從不同角度貼近舒伯特如歌的天性和憂傷易感的細膩心靈，這不是讓友朋取樂調劑的小磨菇，而是擁有深邃內在的藝術靈魂。這就是獨一無二的舒伯特。拓展、深耕心靈沃土的舒伯特。透過麥斯基的改編詮釋，我發現了大提琴演奏的其他可能，更人性化的、更親近心靈的聲音存在，透過小品演出的形式，麥斯基想讓愛樂者感動，近而體認到納須彌於芥子的涵藏力量，至少，這是我所體會的。

        以下聽的是Schubert, (Serenade) Ständchen: 'Leise flehen meine Lieder'由Mischa Maisky & Daria Hovora演出

唱片回顧--Solomon彈奏蕭邦

        此張Testament在1993年發行的所羅門蕭邦錄音專輯，購買時間約與前一張近似。當時正是自己狂戀蕭邦音樂的時期，故對所羅門的詮釋特別好奇。聽完後深感這是與眾不同的蕭邦詮釋，如同我在前一篇網誌分享我對所羅門琴音的美感感受，相近的詮釋特質也可以在此張蕭邦音樂的演出中得到呼應，這是均衡節制的蕭邦，充滿端正晶瑩的細膩音色以及優美如歌的旋律營造，在所羅門的指尖下，聽不到過於隨性的彈性速度，因此其蕭邦詮釋毋寧更具有古典風格。此種特質表現在此張專輯中所收錄的蕭邦練習曲，扎實的技巧被隱藏起來，呈現的是純粹聲音的展現。雖則如此，還是可以聽出感人的情韻。只要聽最後一首Berceuse的演出，就能感受到這種既優美又純淨自然的聲音表現，真如落英繽紛，觸目即是璀璨晶瑩的珍珠，情韻悠然動人。但是蕭邦的音樂並不是都適合此種節制的詮釋表現，在此張專輯的後半部，收錄的曲子如Polonaise、Fantasy、Ballade，都需要更激情狂放的感情投入，而所羅門的詮釋也隨之變得揮灑自如，既能表現出鏗鏘有力的扎實觸鍵，也能在擊出最強音的同時仍保持音色之精純堅實，令人嘆為觀止。當然整體而言，所羅門的蕭邦演出不是過於激情無節制的縱情表現，在隨音樂的激情處表現其浪漫感的同時，所羅門還是保有適度的節制與均衡。只是其堅實的鏗鏘觸鍵，讓人印象深刻。

   最近比較少聽蕭邦的曲子，當然不代表我不再喜歡蕭邦，只是逐漸脫離那段為賦新辭強說愁的歲月，聽音樂也變得更加智性，更願意嘗試之前較少接觸的領域。但蕭邦音樂的抒情優美以及激情狂熱和心靈迷醉，卻也曾陪伴我相當長的生命旅途，對我有特殊的情感意義。而所羅門的蕭邦詮釋，是清新優美的樂章，和魯賓斯坦健康華美的蕭邦面貌又有所不同。雖然所羅門的蕭邦錄音僅此一張，但這卻是難得的珍寶。

   以下聽的是Solomon 演奏蕭邦Berceuse D flat, op. 57

唱片回顧--純淨無瑕的Solomon

        英國鋼琴家所羅門(Solomon,1902-1988)是我相當欣賞的英國鋼琴家之一，最早聽他的演出就是透過此張專輯。當時能找到他的錄音只在EMI、Testament等唱片錄音。還有一套二十世紀偉大鋼琴家的專輯。後來Testament又陸續發行所羅門新的轉錄錄音。最近EMI也在ICON樂壇巨星系列發行7CD的低價版合集，但此合集對我並沒有吸引力，因為我怕低價促銷的轉錄破壞了所羅門獨特的音色表現。

        當初就被所羅門清澈又明晰的音色所着迷，像水晶般地澄澈卻又擁有鑽石般的堅硬內質，艱難的樂段在他的指下變得簡單起來。而明亮純淨的音色就在其指間流瀉，音樂的層次自然，轉折毫不費力，既有優美華麗之特質，又飽含完美無暇之音色表現，這樣的聲音特質，最適合表現古典時期的作品。是以此張唱片收錄的貝多芬第一、三號鋼琴協奏曲、第27號鋼琴奏鳴曲，正好充分地發揮所羅門的音色特質，而顯得自然端正，均衡流暢，卻又不失應有的音樂對比和張力表現，也能表現恢弘大度的音樂，但卻都不是濫情毫無節制地以技巧取勝的演出。而這樣的詮釋特質，也讓兩首浪漫時期的鋼琴協奏曲Grieg和Schumann的作品顯得超群脫俗，沒有過於耽溺的浪漫情緒，彷彿是不屬於人間的聲音。我最喜歡的Grieg協奏曲第二樂章，所羅門的彈奏毫不費力，讓清亮飽滿的琴音自在流淌，較Perahia的詮釋多了一份清新和沉靜的氣質，Perahia的詮釋得力於鋼琴家的深思體會，而所羅門的詮釋則反映鋼琴家的自然氣質，這不是力學可以達致的境界。就同樣以音色著稱的鋼琴家，所羅門的音色變化不如Michelangeli豐富，較偏於銀亮色調的不同層次的表現；而Moravec的琴音音色不如所羅門般地堅實飽滿，而Perahia的音色較為圓潤。總之，所羅門的鋼琴琴音，就像來自天堂的純淨自然之音，不沾染一點塵俗味。甚至比Lipatti的琴音更純粹，是讓人感動的聲音。仔細聆聽貝多芬鋼琴協奏曲的慢板樂章，就能體會這份既沉靜自然又澄澈節制的美感特質。

       以下聽的是Solomon 演奏莫札特Piano Concerto No. 23 A Major

聆聽Bruckner交響曲

        布魯克納的九首交響曲，最近才聽完德國指揮家約夫姆(Eugen Jochum，1902-1987)在EMI的錄音，算是我第一次完整地從第一首聽到第九首。之前也零星聽過第三、四、七、八號交響曲，也蒐集其他著名指揮家如Celibidache、Bohm、Schuricht、Wand的名演。但Celibidache僅演出3到9號，因此要聆聽完整的布魯克納交響曲全貌，還是得從號稱布魯克納專家的約夫姆的錄音來作第一手接觸。

        布魯克納的交響曲對一般愛樂者的吸引力不像貝多芬或馬勒般擁有死忠的支持者，但布魯克納的交響曲卻是上承貝多芬、舒伯特，下接馬勒交響曲的關鍵。我從布氏第四號交響曲「浪漫」開始聆聽布魯克納的音樂，或許被標題所誤導，並聽不出哪段音樂與「浪漫」扯得上關係(或許第二樂章的深沉可以算是吧)。但卻對此交響曲一開始的號角聲印象十分深刻，聽此交響曲的感覺就像聽舒伯特第九號交響曲「偉大」一般，相同的主題樂思不斷重複，又企圖營造出崇高開闊的聲音空間感，彷彿置身在阿爾卑斯山山麓，仰觀雲霧繚繞的綿延山峰，俯視自然原野一望無盡的清新生機，這不是激情狂熱的浪漫情懷，而是縱覽自然的浩蕩心胸。但這樣的世界太過純粹、非世俗，太過超群離世，不是可以常常駐足遊觀的世界。後來才知道布魯克納本人對天主教的崇信以及運用管風琴的風鳴原理來譜寫交響曲，因此其音樂中的聲音空間場域，充滿了異乎尋常的聲音體驗，不是主要旋律的變化推演，而是多重聲音的交織堆疊。相同樂層肌理的重複出現，卻又傳達出不同的感受。乍聽之下會讓人不耐煩，但聽久了又會明白這就是布魯克納。必須調整平常聆聽音樂的習慣，才能慢慢接近他的心靈世界，而這或許是現代人得以暫時休憩的一方天地。但布魯克納也不是一開始就這麼超凡入聖，在前幾首交響曲中還是可以聽出他的喜怒哀樂，也因此我並不排斥聽這幾首曲子。而且從布氏的音樂中也可以感受到深沉的、人性的一面，這也讓我十分感動。這九首交響曲聽完後，我對布魯克納的音樂觀有更深入的體會，但也感受到自己對整個音樂王國的認識實在非常渺小、粗淺。而且它的交響曲有許多不同的修訂版，這又是版本比較的大學問了。至於布氏個別交響曲的體會比較，日後當會陸續分享。而約夫姆的權威詮釋，也足以作為我日後版本比較的基礎(雖然就個別的交響曲而言，其他指揮家也許有更精采的表現，但整體而言，約夫姆這一套錄音也足以傳世)。在我過去十幾年的聆樂之旅中，並沒有有系統地聆聽布魯克納的交響曲，此次一鼓作氣聽完，唯一的收穫就是：音樂的版圖尚有許多未曾探勘拼湊的塊白，不一定要專注於熟悉曲目的版本比較，開發新曲目，拓展心靈視角，也一樣能體會源源不絕的美之感動。

        以下聽的是Jochum指揮Bruckner Symphony No. 7 第二樂章前1/3

Mullova最新巴哈無伴奏

        最近持續在寫書法的同時聆聽巴哈無伴奏小提琴和大提琴曲，拆了先前買的Mullova第二次全曲版無伴奏小提琴錄音，聲音響起的時候，我聽到了完全不同的音樂，在我這幾個月所聽到的無伴奏曲演出中，是最為奇特的美感感受。

        最近聽的無伴奏曲，除了Martzy的演出讓我震撼之外，印象最深刻的當屬Kagan的現場實況了。卡崗的演出有一種獨特的悲涼情緒，雖然現場演出的錄音不佳，但可以感受到透過琴音所傳來的感動力量。可是Mullova的最新錄音，卻呈現出完全不同的風貌。如果說前述幾位提琴名家想透過琴音詮釋出巴哈音樂中的偉大和感情深刻的特質，Mullova的詮釋重心就完全不屬於此種面向，她的詮釋特別淡雅清新，又蘊含靈動多變的音樂表情，呈現的是日常生活中的巴哈，平易近人的巴哈，不端架子的巴哈。這是Mullova這幾年來深入研究巴洛克音樂，並與幾位古樂大師如Gardiner、Harnoncourt合作之後的心得，而此次演奏也特別採用1750年製的Guadagnini琴配上腸弦，使用巴洛克的弓來表現。我對提琴樂器沒有深入的研究，但推測這樣的樂器特質應該無法表現深厚雄健的音樂。搭配Mullova特殊的運弓和分句，以及極佳的錄音，聽到的是融入聲音場中的琴音，而非習慣聽到的提琴音為主體的聲音。這樣的聲音，單就琴音本身來聽，會覺得過於單薄細弱，缺少大開大闔的淋漓盡致，但反而如潺潺流水般可以將音樂揮灑在空氣中，透過琴音所在的整體空間場的迴盪，表現出更豐富的琴外之韻致。而Mullova不強調流暢自然，沒有清晰明確的琴音線條做為聲音的主體，反而更強化了巴哈音樂中複音並置的繁瑣細緻感。乍聽之下會覺得琴音過於纖弱，不夠飽滿，支撐不起音樂的表情，但仔細反覆聆聽之後，會發現聲音本身自然構築出古色古香的巴洛克風味，這是不需要理性、感情過度介入的世界，Mullova的琴音本身不刻意著墨感情的刻畫，僅讓聲音迴盪在空氣中，聲音場的豐富呈現，本身就蘊涵獨特的韻味。既清新靈動，又繁複多變。但這樣的詮釋，習慣於飽滿雄偉的巴哈音樂的愛樂者，必然難以接受Mullova另闢蹊徑的表現。也許需要改換欣賞的立足點，方能感受不同面向的美感風貌。

        將Mullova的演出跟她的名師Kogan相比，會發現師徒之間的差異極大。Kogan的表情端正，結構沉穩，琴音飽滿厚實，感情細膩動人，旋律清晰動人，音樂直接打動聽者的靈魂深處，是既偉大又感情豐富的巴哈形象。但Mullova的詮釋大異其趣，幾乎完全沒有Kogan的影響，而摸索出自己對於巴洛克音樂的詮釋風貌。而Mullova在1992-1993年間也有三首巴哈無伴奏Partita曲的演出版本，比較新舊錄音，可以發現新錄音的樂思及某些分句表現，在舊錄音中已有痕跡可循，但舊錄音過於拘束，揮灑之變化不如新錄音來得豐富。總之，這是不同審美感受的巴哈無伴奏曲，也是古樂詮釋風行以來重新賦予巴哈新生命的諸多嘗試之一。值得愛樂者細細品賞，體味不同的美感世界。

        以下聽的是由Mullova演奏之Bach - Partita No.2, BWV 1004 - Chaconne

   以下聽的是Kogan 演奏 Bach Chaconne BWV 1004, 1954 live

遺忘與版本比較

        聽音樂的方法有許多種，版本比較是其中之一。但是版本比較如何可能，究竟比較的是什麼？聲音是流動的時間，樂曲結束之時，聲音就進入回憶，最鮮活的聲音在場，在現實生活中已然消失，僅存對音樂的片段與旋律的回想。而且隨著時光的淘洗，感動簡化為印象，印象簡化為朦朧的存在。那麼，究竟，我們可以比較什麼？

        比較的是每個人對於「記憶」的容納空間嗎？比較的是消失的聲音被記起的部分嗎？此部份又能代表整體音樂的幾成呢？比較的是存在腦海中的聲音，而已經不是現實生活聆聽過程中所聽到的聲音。比較的是消失在現實中的聲音，而無法比較一直存在的聲音；比較的是曾經，而無法比較當下。聲音的感知和文字的感知最大的不同，是對於聲音的想像還原，總要與時光擦除的抹布對抗，往往在聲音推移變化的瞬間，心靈情緒也隨其濤湧起伏，但推移變化朝向必然結束的一刻，心靈之感動也隨即消失，僅存斷片可供辨認的餘緒。我們或可在結束的剎那喚起樂曲起始的旋律、節奏，但那總是存在於腦海中的聲音，而且只會愈來愈遙遠、愈來愈模糊。唯一讓聲音再次發聲的方式，就是重新開始聆聽。而文字在閱讀過程中透過文字的塑造所想像的世界或情緒也會遁入記憶而淡化，但只要隨手翻閱幾張幾頁前的文字，就能讓前後劇情或情緒之間的對照再次並生在閱讀之旅中。而音樂就更受限於時間對聆聽之耳的無情抹除。唯一可以改善此點的或許就像劉岠渭老師把重要主題的演奏時間與其發展變化的段落分別抓出來，在很短的間隔時間內將原先橫跨數十分鐘的聲音互相參照，並且反覆播放，或可盡量彌補遺忘對聲音必然消逝、耳際必然空白的宰制。但是，愛樂者怎有閒工夫來仔細標記時間樂段？因此，大部分的版本比較都是在回憶中進行的，當下聆聽的版本，與之作比較的版本已經在好幾分鐘前聽完，繼續加入新的版本只會將最早的版本推向遺忘的深淵，愈推愈深。因此，大部分版本比較多的是描述性的詞語，偏向於片段的、印象式的體會，而且篇幅無法太長。

        但版本比較真的不可能嗎？那也未必。比較時可藉助紙筆，迅速記下被觸發的心情與想法，優點是可保留部分的感動痕跡，缺點是在筆記的過程中，不夠專注的態度必然影響音樂的感染力。因此僅聽一次就做比較是不夠的。更專業的版本比較，就要如焦元溥在三大冊的「經典CD縱橫觀」的比較成果那般，對照樂譜來聆聽。而且每一首樂曲至少都找了五六十種以上的版本，一些聽都沒聽過的版本也不知道哪兒找來的，在財力及耗費的時間上自不容小覷。而且焦氏又專注於鋼琴學派的辨別分析，研究不同版本間的詮釋影響或歷史發展。因此這三本版本比較的著作既專業又深入淺出，讓人十分佩服讚賞。對古典音樂的版本比較立下一種典範。不過像我沒受過專業音樂的訓練，看譜辨音自然是一大障礙，就算真的聽出與譜上的標記不同，也很難用專業音樂術語表述出來。因此焦氏的著作可以堂皇出版，我就只能在部落格隨性發抒，並希望淺薄的心得具有愚人千慮一得的效果。我認為版本比較是古典音樂愛樂者必經之途，非比較無以言深入欣賞，非比較無以深入音樂的肌理，非比較無以掌握不同詮釋風格的特質，非比較無以培養自我審美能力，非比較無以體會音樂之博大精深。但有時候，又不需要刻意比較，僅需好好沉浸在音樂中，享受一時片刻的美感震盪，享受音樂對心靈的拓寬與築深的無形魔力。故版本比較不是目的，聆聽音樂，感受音樂之美才是目的。

        我較喜歡的版本比較方式是針對自己喜愛的樂曲、樂章(一開始最好不要聽太長的曲子)，先聽熟一種詮釋，再找其他不同的演奏來做比較。在數量上不需要一次比太多，只要比較三四種左右，重要的是在比較的過程中，只要聽熟了某種詮釋，在聆聽第二種詮釋時，就會邊聽邊喚起對第一種詮釋的感受，兩種詮釋同時(一種存在於當下，一種存在於數分鐘前的回憶)迴盪在聆聽之耳與心靈的互動中，只要仔細體會，必然有所得。在聆聽的過程中有任何觸發或對詮釋有任何體會，我就會在聽完後記下這種感受，或用頭腦或用文字。在再次聆聽比較的過程中，先前觸發的感受再次喚起重現，與當下存在的聆樂之感互動疊合，由此可以強化或修正先前的印象，最後才是透過文字的落實，保留部分的審美體驗。而文字的載錄，只要不是不知所云的空談，都能存留片段的美感記憶。一段時間過後，重覽這些文字遺跡，其中還有可以喚起我的身體再次體驗當初感動的力量。於是這樣的文字書寫，某方面也可以存真，讓必將消逝的聲音透過不同載體的揹負，保留依稀彷彿的感動印痕。如是，版本比較還是可能對抗遺忘，對抗時間。而在這種比較的過程中，透過音樂也透過美感訓練，我從另一個向度書寫自己的生命。

Grieg鋼琴協奏曲

        Lipatti葛利格鋼琴協奏曲國際版錄音，我所買的版本是二十世紀偉大鋼琴家全集李帕第卷，剛好此碟就收錄Lipatti演奏的此兩首著名的協奏曲。為何一般協奏曲錄音總喜歡將風格迥異的舒曼和葛利格鋼琴協奏曲收錄在同一張唱片中，也許因為這兩位作曲家都只譜寫一首鋼琴協奏曲，而且此兩首作品都是A小調的作品。但葛利格的抒情優美和舒曼的晦澀激情，恰成強烈的對比。

        此處先談葛利格這首鋼琴協奏曲。這首曲子大約是愛樂者最早接觸挪威作曲家Grieg的作品之一(皮爾金特組曲則是另一首入門曲目)，其優美的旋律與抒情的特質，和平易近人的曲風，都是讓入門者特別喜愛此曲的原因。在我接觸古典音樂之初，我也很喜歡此首曲子，但反覆聽下來，卻無法獲得更深層的感動，也始終找不到一個可以讓我滿意的版本。故此曲被我列為容易聆賞但也容易流於爛熟生膩的曲子。就像甜食吃多了，揮之不去的黏膩感反而破壞胃口。每每聽到愛樂電台又響起此首協奏曲的旋律，我就像逃難似地離開，對我而言，類似的曲子可以不必多聽。

        但是這首曲子又讓我十分矛盾地喜愛其第二樂章之靜謐和優美，往往購入新版本後迫不及待地跳到第二樂章聆聽享受，感受一方純境未被打擾的北國世界，尤其是鋼琴聲悠悠地從樂團深處浮現，一顆顆音符飄散在空中，像凝澈晶瑩的冰晶，煥發出璀璨的光芒。我特別喜歡此段音樂，這是適合沉思與浮想的時刻，可惜的是，大部分的版本都無法讓我滿意。我希望此處的琴音要既清晰，音色飽滿，而速度在由慢變快的轉換中又不能太快，也能在情韻的塑造上傳達出淡淡的憂傷。Lipatti的演出很難得地在音色和清晰度上符合我的要求，可惜速度偏快了些。屬於自然流暢發抒的表情，但讓人引發特殊韻味的感受似乎稍嫌不足。唯一讓我印象深刻的版本是由鋼琴家O'Hora的詮釋，可惜此錄音僅有第二樂章，因為這是收錄在僅發行四期就夭折的欣樂讀音樂雜誌所附贈的精選唱片，始終沒有買到全曲錄音。手邊其他的版本，以音色變化著稱的鋼琴家如Michelangeli，豐富音色遠超過Lipatti，呈現出顆顆分明又晶瑩明亮的音色，但速度仍嫌快。而偏於陰柔細膩的Lupu，在速度及情韻的表現上較契合我的想法，其音色也相當瑩澈，但可惜整體而言又過於柔弱。而Perahia的詮釋較接近我印象中的O'Hora，只是其琴音氣質更加沉靜純粹，屬於不食人間煙火的世界。

        比較日本版Opus的新發行錄音，整體聆聽的細節增加了不少，聲音的立體感與縱深得到強化，更重要的是，Lipatti的琴音更加飽滿鮮明，音色變化更豐富，樂團的聲部也更加清晰、細膩。但是聲音中多了歷史錄音慣有的沙沙聲，而國際版錄音就沒有這麼清楚的沙沙聲，只有偶爾出現的小爆音，但是舊版的聲音音場較薄，聽不出縱深，而且似乎隔著一層屏障傳來。琴音色澤較單一，樂團層次較模糊。兩相比較，新發行的錄音適合對歷史錄音接受度高的樂友，而如果聽不慣沙沙聲，也只好繼續保留國際版的錄音。

        以下聽的是Ronan O'Hora演奏葛利格鋼琴協奏曲第二樂章

巧遇Lipatti唱片

        這張Lipatti的協奏曲錄音，在去年推出時頗獲好評，聽說其錄音遠遠勝過EMI國際版，擁有此版就可以丟掉舊的國際版；又聽說舊的國際版錄音，有些樂段樂團會神奇消失再出現。種種評價挑起我的好奇心，不過從去年到今年，我尋訪唱片的冒險途中，此張唱片始終在預訂購買的計畫中，卻未曾在我訪碟之旅中變成供我遊憩的風景，我只是在心頭掛念著，卻也不曾積極地尋找。直到前天Yablonskaya獨奏會之前，照例到小閔逛逛，挑了一些唱片，其中有張Lipatti獨奏錄音，小閔兄突然問我另外一張我應該有了吧？就在這樣的巧合中，我遇到了這張唱片。

        最近越來越這麼認為:唱片就像生命中所遇到的人事物，充滿無限的可能。自己與唱片的遇合關係，總存在著無形中難以掌握的緣分，可遇不可求。對於某些未曾網羅的名碟，我已不再抱持著非買不可的搶購心態，而隨著機緣遇合來決定聆音之旅中的歧出風景。對於曾經觸目可見隨手可得的唱片，一段時日之後突然消失，我也不再失落懊悔。畢竟，真正可以陪伴自己的是那些經由個人聆聽之耳與美感觸動所吸納的審美經驗，而承載此美感體驗的唱片，就是陪伴心靈的密友。除此之外，未曾深聽的片子總會失落在時光的淘洗中，或擺置片櫃深處積塵生霉(話說回來，完全沒聽過的片子似乎較不容易發霉，反而是常聽的唱片容易發霉。因為:凡摸過必留下痕跡)。即使我蒐藏三四千張的唱片，即使我努力聆聽記載聆樂斷片，企圖讓某些唱片透過文字烙下更深刻的印痕，也總有遺珠之憾。是以我漸漸放下追求名碟名錄音的執念，雖然很羨慕某些網誌樂友分享一些我完全沒有接觸過的唱片，並深深感嘆碟海無涯，但取而代之的不是盡入彀中的搜集狂熱，而是隨緣遇合的適性關係。

        此版我尚未與自己舊藏的國際版錄音作比較，故不敢在此大放厥詞地吹捧錄音如何優秀，日後有空再分享我比較的體驗。畢竟這兩首協奏曲對我而言有獨特的意義，需要再次沉澱反芻Lipatti的演出所帶來的享受。故先分享巧遇此唱片的心情漫談，雖有灌水嫌疑，容作簡札隨筆一則。

       以下聽的是由Lipatti演奏的葛利格鋼琴協奏曲第二樂章

唱片回顧-Mengelberg的指揮

        一直想不起來究竟是透過何種管道認識Mengelberg這位荷蘭指揮家，也許是某本雜誌的介紹，也許是某張唱片的側標，也許在我拓寬對指揮家基本認識的同時，恰巧接觸到相關的資訊。當時除了卡拉揚之外，最先接觸到比卡拉揚輩分更高的傳奇指揮家福特萬格勒(Furtwangler），也透過相關樂評資料了解有與福氏詮釋理念及音樂表現完全不同的托斯卡尼尼（Toscanini）。當時自己的聆聽體驗更切合於福特萬格勒的詮釋，所以對所謂的主觀詮釋指揮家的演奏更有興趣，是當時蒐集唱片的主要目標。在福特萬格勒之外，也認識了以現場演出及風衣版唱片出名的Celibidache，更進而接觸到比福特萬格勒更主觀、更隨意浪漫的指揮家孟根堡之大名，在好奇心的驅使下，在韻順唱片挖掘歷史錄音的同時，也帶了幾張孟根堡的唱片回家，此張即是其中之一。

        當時我已經聽了不少歷史錄音，可以習慣歷史錄音特有的音場聽域，這張唱片的貝七，給予我的震撼不下於小克萊巴，但兩者是兩種完全不同的聆聽體驗。而此張的貝二，簡直就像另一種貝七的翻版，推翻了一般對貝二的聆聽體驗。孟根堡的詮釋屬於已經失傳的十九世紀的指揮傳統，彈性速度運用十分主觀隨意，但又不是漫無標準。他擅長隨音樂的流動推衍出旋律線的強弱變化，並用彈性的節奏來強化結構，因此其音樂推進力極強，卻又不是死板地遵照固定的節拍。孟根堡用主觀的詮釋來洞悉深入貝多芬的精神，既有個人的領會也能突顯作曲家的神髓，充滿鮮明飽滿的個人印記。但這和強調客觀即物主義的當代指揮特色有截然不同的音樂表現。聽這種類型的指揮作品，聽者的心靈隨音樂擺動而難以自己，幾乎也要舞動雙手，想像樂團也臣服在指揮棒之下，隨難以克制的指揮欲而傾洩其聲音、傾洩自我的激情。此時淹沒在音樂的狂潮中而難以思考，這是席捲聽者身心的強力介入，身處期間，僅需讓音樂帶動自我，一旦涉入即難以抽離，也不需抽離。唯一的美感體會就是淋漓盡致，自在暢快。

        多年以後，我也能漸漸領會客觀即物主義指揮的精神，也對此兩種詮釋取向之分野有相當程度的體會，知道對音樂的美感體會就包含在這兩種看似對立的指揮特質之間，但我始終無法忘懷孟根堡的詮釋在當時是怎樣震撼我、怎樣感動我，怎樣讓我心醉神迷。現在重聽此張唱片，彷彿又重新招喚當初感動我的身體體驗，再次沉浸在這種難以自主的激情與迷醉，重新感受不屬於此世紀的詮釋風格。

Yablonskaya鋼琴獨奏雜感

        今晚Yablonskaya（1938- ）鋼琴獨奏會，雖然票房不是很理想，但我想在場的愛樂者應該都滿載而歸，留下難以磨滅的記憶。

        被尊稱為「蘇聯秘密武器」的俄羅斯女鋼琴家，師承Sumbatyan（也是Ashkenazy的老師）、Goldenweiser，也曾擔任Nikolayeva的助理，代表了俄國學派最正統的技巧和歷史傳承，曾獲得隆—提博大賽、里約熱內盧大賽、維也納貝多芬大賽首獎，但因為政治因素無法在西方國家演出，因此知名度受限。但1977年在伯恩斯坦等人的協助下於林肯中心舉辦鋼琴獨奏，才打開世界巡迴的演奏足跡，名列當今最傑出的鋼琴家之一。

         不過從今晚的出席聽眾來看，大約只有六、七成左右，遠遠比不上Kissin三月那一場演奏會的出席盛況。可見有無大牌唱片公司在後面撐腰宣傳，對愛樂者接觸知名演奏家的程度有舉足輕重的影響。而兩位俄國鋼琴家的演出價位差別甚大，Yablonskaya的票價有十分平民的價位，但紀辛的演出就得出動好幾倍的小朋友。但我覺得只聽紀辛而沒有聽Yablonskaya的愛樂者，就更錯過了對俄國學派的深入接觸。紀辛的演出，是在俄國學派逐漸世界化的過程中尋求突破的表現，而Yablonskaya則沒有此時代限制，反而演奏出最正統的俄國學派的詮釋。原先的曲目稍有更動，布拉姆斯Op79的狂想曲以及蕭邦第二號詼諧曲換成了拉赫曼尼諾夫Variations on a theme by Corelli以及蕭邦Op50的三首馬祖卡。我覺得改成柯瑞里變奏曲更能發揮Yablonskaya俄國鋼琴家的本色，就聆賞上的痛快感來說，更能欣賞到Yablonskaya讓人咋舌的技巧展現。加上我也很喜歡此變奏曲，故此更動對我來說是意外的驚喜。整體上來說，Yablonskaya的演出對比強烈，低聲部渾厚，高音清亮，觸鍵鏗鏘有力，音色晶瑩鮮明，爆發力極強，而且又收放自如，強奏之處似乎毫不費力。其演奏讓我想到聆聽Richter錄音的感覺，但Richter多了一份解析透視的能力以及某種深思的音樂性，而Yablonskaya則更傾向於流暢發抒，不加思索地讓音樂在指尖奔騰，而有痛快淋漓的震撼。Yablonskaya一襲綠色的衣服，坐定後掌聲尚未停歇時音樂隨即響起，似乎豪不受觀眾影響。其清亮鏗鏘的琴音，馬上傳到最後一排，原先還擔心距離太遠聽域太差的疑慮馬上消除。這是一場比紀辛演奏會更物超所值的演出，當然美感體驗無法用金錢衡量，不過Yablonskaya在台灣愛樂者間並未打開知名度也是事實。手邊一張好幾年前在韻順購買的Yablonskaya演奏貝多芬的唱片，但後來很少在唱片行看到她的唱片，在網友的討論中也很少被提到。

        俄國學派演奏蕭邦，在氣質上比較不切合，屬於硬質的蕭邦。就Yablonskaya和紀辛的演出來做比較，紀辛更對細節情韻詩意的掌握，有其獨特會心之處。相對的，Yablonskaya就比較大而化之，不會刻意對抒情的樂段塑造浪漫的音色對比，只讓音樂自然流瀉。因此柯瑞里變奏的演出偏向於明朗暢快，而沒有突顯出拉赫曼尼諾夫抒情浪漫的內在面。其中我覺得最能切合Yablonskaya的演出的曲子是柴可夫斯基的四季，其演奏能透顯出此曲子的情味和音樂性，和Pletnev偏於內斂細膩的表情不同，Yablonskaya的四季轉折明確，色調鮮朗，能刻劃出每一首不同的特質。我最喜歡的船歌，Yablonskaya的詮釋就樂曲的速度及表現流暢性來說接近Van Cliburn，但觸鍵的表現完全不同，更凝鍊鮮明，不像Van Cliburn那麼詩意浪漫。觸鍵上接近Richter，但兩人的演出速度及音樂給人的感受迥然不同。演奏結束後，觀眾熱烈地鼓掌，Yablonskaya也很大方地不因聽眾人數多寡而獻出三首安可曲，我猜一首是Prokofiev的，一首是Scarlatti的奏鳴曲「田園」，一首是李斯特改編舒伯特的曲子，Gretchen am Spinnrade。這場音樂會，讓我對正統俄國樂派的演出，有更直接鮮明的體驗。

        以下聽的是Yablonskaya演奏柴可夫斯基船歌

優遊不迫、沉著痛快

        最近在準備讀書會導讀的書籍時，讀到了南宋詩論家嚴羽在《滄浪詩話》中的一段文字：「詩之品有九：高、古、深、遠、長、雄渾、飄逸、悲壯、淒婉。其大概有二：優遊不迫、沉著痛快。」吸引我的不是九種詩品風格之區分，而是「優遊不迫、沉著痛快」此八個字。

        對詩歌風格分品評賞，為中國傳統詩論的一大特色，著名的司空圖《二十四詩品》，就以意象詩化的韻文評論，區分出二十四種美感領域。後代評論家又有發揮，或擴充至三十六品，或有《續詩品》之作，或以不同文類分品如《文品》、《賦品》、《詞品》等，但品類既雜，所分不純粹為美感分判，而雜有創作、修辭等面向，不如《二十四詩品》之分類標準較為一致。但美感感受區分至二十幾種，又太過龐雜。實際上，在這些不同的美感區辨中，最為基本的兩種，即是德國思想家、美學家康德(Kant）所劃分的「崇高」與「優美」，也是清代古文大家姚鼐所說的：「陽剛」與「陰柔」。而嚴羽此八字，也吻合這種分野。但是中國傳統文論家、詩論家的這種「陰陽」對舉，並不像西方思想傳統背景下所提出來的美感範疇具有對立對比性，反而像作為太極的兩端，你中有我我中有你般地並立並生。因此「優遊不迫」雖偏於陰柔舒卷，細吐漫遣，但亦包含能推動優遊自在之源源不絕的推力；而「沉著痛快」雖偏向暢情發抒，淋漓盡致，但也在沉著之背後涵蘊內斂之凝塑力。

        這種分野，來自於審美者對藝術作品之美感體會，更多的是透過不同作品之間的風格、氣韻之比勘對顯而來。因此在這陰陽之兩極中間，包含了更多細緻的區分，有陰中偏陽，也有陽中偏陰，隨其交融匯合之多寡，而決定影響審美者的美感程度之分野。因此，這不限於詩歌，也不限於文學，可以包含書法、音樂，也可以涵括所有的藝術。因此在文學上，有杜工部（甫）之沉鬱頓挫，也有秦少游（觀）之女郎情詩。在書法上，如楷書，有雄渾大器的顏魯公，也有姿態韶秀的褚遂良；在行草上，有雄強霸氣的王覺斯（鐸），也有氣韻瀟灑的董玄宰（其昌），在篆書上，有古樸豪健的吳昌碩，也有婉麗流媚的徐三庚。在音樂上，如鋼琴演奏，有雄健剛強的巴克豪斯（Backhaus），也有陰柔婉約的魯普（Lupu）；如小提琴演奏，有渾厚扎實的柯岡，也有陰柔優美的葛羅米歐（Grumiaux）。類似的例子還不少，但重要的是，這種比較區別，是相對的而非絕對的，更重要的是，凡是偉大的作品，總是剛柔並濟，兩者兼備的。因此，作為音樂欣賞者，也應該兩極兼聽而不偏廢，以擴張對美感體會之聽域空間，體味不同美感性質的作品。而作為書法創作者，也應該剛柔兼采，能放能收，興到時自在揮灑，痛快淋漓；情生時不妨任意舒卷，優遊徐行。

Tchaikovsky兒童小品集

        Pletnev這張BMG 2CDTwofer系列演奏的鋼琴作品集，是我接觸柴可夫斯基鋼琴獨奏曲的開始。尤其是聽到第一張CD收錄的Children’s Album,Op39（兒童小曲集），印象特別深刻，總覺得音樂風格以及情韻，特別接近舒曼的「兒時情景」組曲。後來在Michael ponti演奏的柴可夫斯基鋼琴作品全集的曲目中看到此組曲有標註：in the Style of Schumann，我才明瞭柴氏此組曲乃是受舒曼啟發而來。

         Pletnev對於此組曲的演出有特別的安排，原曲24首小品，每首約一分鐘左右，最長也只有三分鐘，Pletnev沒有按照第一首到第二十四首的順序演出，其中某幾首作品被他挪到其他首之前，形成不同的聆聽體驗。比如組曲名稱中有「My New Dolly」，就被移到「Dolly is ill」、「Dolly’ Funeral」之前，更切合故事描述之發展。此組曲除了這種描述性的標題外，其他也有以舞曲形式（Waltz、Polka等）或歌曲名（Russian Song、Italian Song等）為標題。也許為了讓同類的標題和不同類的標題區隔，Pletnev才略為更動演出的順序。

        這二十四首兒童小曲集，沒有花俏的技巧展示，也沒有浪漫抒情的語法，實實在在、平平凡凡，卻透顯出真摯純樸的童心，其中有兒童的天真囈語，有兒童的歡呼起舞，也有兒童的懵懂傷懷，當然也有不屬於兒童的情緒，畢竟童心也有成人難以模擬之處。在聆聽音樂的過程中，真正展開了一個可以讓人靜下心來沉澱心緒，好好體會的簡單世界。在這些小品中，我最喜歡第5、6、8、10、13、15-18、22首。每一首的演奏時間雖短，但卻有畫龍點睛的感染效果，可以在簡短的聲音中發現讓人感動的真誠之心。就我聆聽鋼琴的音樂而言，同為俄國作曲家，我覺得這樣的音樂Rachmaninoff就寫不出來。拉赫曼尼諾夫的鋼琴曲太過琢鍊，抒情浪漫，太過成人，太過技巧，表現不出柴可夫斯基在此組曲中所傳達的清新自然的感染力。雖然我也喜歡拉赫曼尼諾夫極致浪漫的曲風，但還好可以在柴可夫斯基的鋼琴曲中找到俄式鋼琴曲風不同的美感質地，平衡了對俄國鋼琴曲過於炫技、過於抒情的片面印象。

        以下聽的是Tchaikovsky之Children's Album, Op 39, No 16, Old French Song

   以下聽的是Tchaikovsky之Children's Album, Op 39, The sick doll

   以下聽的是Pletnev 演奏Tchaikovsky Children's Album op. 39 - video 1986

Tchaikovsky鋼琴小品-船歌

        之前已在網誌分享過我對鋼琴家Van Cliburn詩意浪漫琴音之欣賞，當時談的是布拉姆斯晚年的作品。但是真正能顯示出Van Cliburn琴音之精粹，無疑是浪漫派時期的作品，尤其是柴可夫斯基的鋼琴曲。光是柴可夫斯基鋼琴大賽實況錄音中第一號協奏曲第三樂章獨特的搖擺旋律，充滿醉人的韻致，特別有魔力。而我對Van Cliburn另眼看待的作品，就來自柴可夫斯基這一首鋼琴小品：Les saions-Barcarolle（船歌）,Op37b-6。這是柴氏鋼琴組曲《四季》中的一首，按照季節排列的十二首小品，第六首船歌應是描述夏日時光的生活。但這首聽起來並不是喧囂熱鬧的夏季場景，像維瓦第四季中的夏季那般緊張、躁鬱的雷雨景象，反而更像是夏夜賞月之情景。在沉靜的心緒中喚起某種追思憶念，某種縈繞不去的幽懷衷情，透露出孤獨的況味。

        當初聽Van Cliburn彈奏這一曲，飽滿扎實的觸鍵及如歌的表情，自然流暢地發抒出來，讓聲音不知不覺間貼近自己的心靈底層，喚起觸動某種難言的意緒及氛圍。這首就成為我最喜歡的柴氏鋼琴小品。當時聽的版本收錄在二十世紀偉大鋼琴家系列，後來買入BMG這張Van Cliburn鋼琴選集，也收錄這一首。此張唱片相對而言比較好買，所以我就貼出此張的封面。後來又聽到Pletnev彈奏這一首，Pletnev也是我相當欣賞的鋼琴家，可惜近來的表現不如以往。比較兩位鋼琴家的演出，可以發現兩種大異其趣的詮釋。Van Cliburn直接讓音樂流瀉，自然中不失華麗抒情，但Pletnev更重視節制與張力的表現，抒情的感受被含藏在音樂之中，屬於含蘊不盡吐的表情方式，琴音的質地較內斂，對音樂的思考著墨較深，須細細品味方能被其感動。我雖然比較喜歡Van Cliburn的詮釋，但Pletnev的版本收錄《四季》全曲，又有欣賞收藏的價值。而柴可夫斯基的鋼琴小品優秀的演奏錄音不多，但Pletnev在BMG 2CDTwofer系列中有兩張錄音，卻是柴氏鋼琴小品的精華，其中有許多少見但十分動聽的珠玉之聲，我最喜歡「兒童小曲集」，不輸舒曼的「兒時情景」。

        手邊還有Richter演奏船歌的兩種版本，分別是1966年BBC現場錄音以及1983年錄音室錄音。其中1966年是所有船歌演出中時間最長的，Richter替這首曲子注入哲思的面向，如歌的旋律被拉長慢到極限，聽不到Van Cliburn般的自然流瀉，但也有相當深入的內涵情韻被挖掘出來，琴音在響亮處清脆盈亮，格外引人注意。1983年的版本，更接近個人的囈語呢喃，屬於Richter獨特的內心世界。但表現上與前一版差異不大。從比較中可以發現Van Cliburn抒情華美的自然氣韻，是模仿不來的。像偉大鋼琴家Richter也要另闢蹊徑，表現出對此曲的詮釋思考之深度，但缺點是過於著意，不如Van Cliburn天然氣韻之發抒般來的直接動人。到底哪個版本最好，現階段我較喜歡Van Cliburn的詮釋，但也許年紀漸長會喜歡上Richter的詮釋也說不定。

        以下聽的是由Richter演奏的 Tchaikovsky The Seasons, June,船歌

Scherchen的貝五兩次錄音

        接觸被稱為鬼才德國指揮家Hermann Scherchen（1891-1966）的大名是在這一年左右，而且是透過網路，在一些關於馬勒交響曲的錄音討論中提到此君的詮釋相當特別，才讓我注意到這位指揮家的存在，也因此才開始收集他的唱片，不過數量相當少。我雖非崇馬派的死忠樂迷，但出現一個從來沒聽過的指揮家，卻相當有興趣。而在一些先進樂友的部落格中發現對此位指揮家的介紹，於是透過博客來搜尋到此張貝多芬專輯，聽完之後，大受震撼。又發現在瓦礫系列的偉大指揮家專輯中出現Scherchen指揮排練貝五的實況和現場演出，兩相比較，對此指揮家指揮同一曲目卻有如此差異頗大的樂曲速度表現，感到不可思議。這即是我所說在小克萊巴之外讓我印象深刻的貝五詮釋之一。

        當初第一次聽1951年錄音室版的貝五，差點沒從椅子上跌下來，第一樂章的狂飆速度，遠遠超過小克萊巴的詮釋，怎麼有樂團可以演奏出這樣的速度！聽起來淋漓盡致，十分過癮。第四樂章也是激昂飆速的發揮，不到八分鐘就飆完，真是痛快！中間兩個樂章的速度倒是十分正常。而Scherchen以其對現代作曲家的鑽研，對貝多芬音樂提出迥出流俗的結構剖析，讓我大受震撼，彷彿看到對音樂詮釋的不同視域。1965年義大利Lugano的排練和現場演出，速度就接近於正常的演出版本。對我而言，此演出沒有1951年錄音室版的震撼，但附加了排練樂曲的全貌，可以讓人聽到Scherchen排練過程中打斷樂團的狂吼與對音樂的投入，雖然有語言的隔閡，但聽到Scherchen的排練讓我想到另一位著名指揮家Celibidache的排練及現場演出催動樂團的忘情吼聲。關於此排練的內容，可參考網友的轉載：
http://blog.roodo.com/chiu719/archives/726564.html，便可知及大概。這兩個演出，差異如此之大，可見Scherchen獨特的音樂思考過程。1965年的現場演出雖因樂團的表現不夠理想，但排練的實況也是彌足珍貴。而1951年的版本讓我印象特別深刻，由此也可以知道貝多芬的音樂充滿無窮變化的詮釋空間。

        以下聽的是Scherchen指揮皇家愛樂演出Beethoven 之第五號交響曲

唱片回顧-Kleiber的傳奇名演

        小克萊巴的DG經典名演，相信是台灣愛樂者人手一張的收藏。不論是LP、大花版重發，或是24K金版本，小克萊巴的唱片和演出實況DVD，始終是唱片公司的搖錢樹。

        在我接觸古典音樂不久，就接觸到小克萊巴的大名，其現場演出以及唱片錄音，因為極少數的唱片發行而被視為珍寶。最早接觸小克萊巴的演出就是此張大花版的貝多芬兩首交響曲，在此系列發行不久後便購入此張唱片，也陪伴我十年以上的時光了。他的演出以優雅高貴又充滿激動人心的動感速度而著名，獨特的聲音表現，飽滿華麗又生動鮮明的音樂形象，改變了我對這兩首交響曲的看法。記得當時剛聽到的時候，下巴都快掉下來了，對其彈性自如的樂曲速度和動感，留下深刻的印象。也讓我由此喜歡上第七號交響曲被稱為「聖化舞蹈」的最後一樂章。第五交響曲之前聽的詮釋如Klemperer的沉穩堂皇、Karajan的流暢華美、Bohm的溫潤雅致，相對之下就變得索然無味。於是小克萊巴在DG新發行的唱片，就變成我持續網羅的收藏。此種興趣又延伸到一些小克萊巴比較冷門的風衣版唱片，以及影像DVD的現場演出。透過影像，小克萊巴指揮的丰采以及優雅又精確的動作，格外讓人着迷，彷彿細緻又迷人的音樂，透過其充滿魔力的指揮棒源源不絕地流洩，讓人心醉神迷，賞聽悅目。交響曲之外，也漸漸收集其他新年音樂會、歌劇的演出錄音。最讓我喜歡的歌劇版本是小克萊巴指揮的「茶花女」、「魔彈射手」的演出。我雖然對歌劇的錄音沒有狂熱的收藏癖好，但對小克萊巴指揮的歌劇作品印象特別深刻。

        回想起這段接觸小克萊巴這位傳奇指揮家的故事和唱片之歷程，自己也許也墜入某種「偶像崇拜」的造神氛圍中，看到小克萊巴的唱片就有一種被電到的神奇感覺，不由自主鬆開荷包。除了他的詮釋本身所透顯的獨特的音樂氣韻，重塑了我對音樂質地的想像與體會，也該歸功於小克萊巴自己的神祕行徑（演出及錄音極少）和唱片公司的宣傳手法（物以稀為貴，變成愛樂者之間口耳相傳的傳奇）。但回想當時把小克萊巴當成偉大指揮家的聆樂心態，而排擠了接觸其他指揮詮釋的想法，這不能不說是一種有缺陷的執念。還好日後我漸漸走出這樣的偏執，仔細體會其他指揮家的詮釋面向，而有更深廣的收穫。但回顧這段歷程，小克萊巴指揮的這兩首貝多芬交響曲，還是在我心中佔有獨特的一席之地。

        以下聽的是Carlos Kleiber指揮Beethoven symphony No.7, Op.92 第二樂章

孟德爾頌Fingal's Cave

        想到孟德爾頌的音樂，最先映入我腦海的是Overture"Fingal's Cave"，其次是第三號交響曲第一樂章，其次是仲夏夜之夢，最後才是小提琴協奏曲和鋼琴曲無言歌。芬加爾岩洞序曲雖是標題音樂，即使不明瞭標題指意的內涵，也不妨礙聽者體會此首樂曲開闊深邃的聲音場域。芬加爾岩洞位於蘇格蘭西北岸的小島，島上以獨特的岩石景觀及洞穴著名，孟德爾頌在遊覽的過程中大受震撼，遂以標題音樂的描寫方式呈現海浪拍擊岩洞以及海鷗飛翔等自然開闊之美景。此曲吸引我的地方在於從樂曲一開始寬闊湧動的旋律，具有獨特的魔力，緊緊抓住我的心靈，將我的美感想像拋入一個既神祕又開闊又充滿波瀾起伏應接不暇的世界，被聲音之潮帶動，被聲音之波濤所淹沒，身體不由自主地隨音樂擺動，彷彿就置身於芬加爾洞穴中，被自然奇觀所懾服。尤其是五、六分鐘左右的點狀推進力，擊打我的心靈，格外生動有力。讓我不知不覺間隨音樂揮舞。透過想像，真的可以再現一幅海天遼闊，奇景當前之空間場域。從初聽此曲至今，每次重聽，Fingal's Cave之音樂對我始終有難以言喻的吸引力，尤其音符響起，樂曲從無至有展開的幾個小節，像把我超拔現實世界的無形力量。莫名其由，就是感動。

        有名的Maag版不在，無法加入此次版本比較中，我先選出四種版本，體會其不同之詮釋特質。之前比較常聽的是Flor指揮Bamberg交響樂團的版本，這是新生代指揮家的詮釋，錄音保留了開闊細緻的聲響變化，獨特的海浪拍擊聲也別有風味，較諸卡拉揚略為平鋪直敘的起始，Flor對波濤起伏的拍擊聲之掌握，更符合標題音樂之題旨，而點狀推進之力度變化，也能讓我隨音樂擺動。而卡拉揚此處的詮釋略為圓滑了些，在節奏上不夠鮮明。但是Flor的整體音響表現，均不如卡拉揚和Schuricht的宏大氣勢。也許受限於樂團的關係。但對於音樂中細膩轉折之處別有用心，就精神和氣質上的表現，較吻合孟德爾頌的音樂特質：細緻、優雅。卡拉揚指揮柏林愛樂的版本演奏時間為此三個版本中最長的。聲音之表現優美動聽，不過加入卡拉揚獨特之聲音美學，在表現上並不能貼合孟德爾頌音樂之特質，但樂曲後半部的懾人氣勢，仍有可觀之處。其中讓我印象最深刻的是Schuricht指揮維也納愛樂的版本。Schuricht的指揮特質樸實無華，將豐富多彩的樂團變成單色的表現，照理說詮釋此首充滿色彩變化的標題音樂聽起來應該毫無味道。但此版本特殊之處就在於貫穿樂曲中的渾厚雄健的勁道，演奏時間最短不到10分鐘，但其內在的精神張力最為充足飽滿，相對而言，Flor和卡拉揚的版本就像優美的風景照。Schuricht的詮釋用「雄渾」一詞足以當之，但內在精神過於飽滿，反而讓孟德爾頌的音樂聽起來像貝多芬。而Haitink的詮釋顯得溫潤內斂，音樂中吹來的海風以及拍擊的波濤較為柔和，但錄音頗佳，樂團的表現層次清晰，肌理透徹，雖缺少像卡拉揚般的霸氣，但勁力內蘊，音樂意象鮮明，頗耐咀嚼，是這些版本中慢速詠歌樂段最有餘味的詮釋。Schuricht像黑白照，Haitink就像全彩的寫真。Haitink的詮釋讓我對這首聽得十分熟的曲子還能聽到清新的詮釋新意，在我的評價中也不遜於Flor的詮釋。整體而言，Flor的詮釋還是有獨到之處，尤其此張收錄孟德爾頌少見的序曲，頗有收藏性。

        以下聽的是Fingal's Cave，由卡拉揚指揮柏林愛樂

雅宜山人王寵

        這篇雜談原本不在預定的書寫構想中，反正偶有觸發，則觸興成文。最近王寵竟然因為圓山飯店廁所的一幅扇面書法，而躍上了新聞版面。鑑定烏龍倒不是我關心的重點，對我而言，明代「吳門三家」中的王雅宜，與著名書法家文徵明、祝枝山齊名，但我的評價卻是這三人中最高的。甚至在某方面來說，王寵的行草書作品，猶有足以超越王鐸書法的美感質素。

        王鐸的書法勁健霸氣，線條流動酣暢淋漓，字形穿插隨意錯落，章法攲側生動，行氣動宕連綿，情感飽滿鮮明，可說創意性與造型味十足。故在現代書壇頗受歡迎。我也稟承此風氣臨過許多王鐸的作品。但王鐸書法之美感侷限就在於字外無味，形外無韻。在我接觸覽觀歷代書法名跡的美感之旅中，明代書家讓我最後感動和最喜愛的書法家不是王鐸、傅山，而是四十歲壯年早逝的王寵。每次觀覽王寵之書法，總有特別的精神氣韻讓我充盈美之享受，餘味無窮。

        王寵楷書初學虞世南、智永，行書師法王獻之，其小楷、行草上追魏晉風度，得其神似，尤以小楷著名。但我也相當喜歡他的行草。其書法之風格美感正是妙在筆墨之外的最好見證。疏宕淡雅，拙中見韻致，但又十分沉穩洗鍊，無意求工而自有其格調，筆墨字形之外充滿餘味韻趣。此乃得自於天賦才性，輔以迥出流俗之品性。明代著名書家文徵明、祝枝山、張瑞圖、王鐸、傅山之書法我都曾臨過，雖沒有深入專研，但在臨摹過程中自可體會各家書法之筆法異趣。文徵明之字最好入手，規矩法度清晰，不善學者易流於呆板生硬。其次祝允明、張瑞圖、王鐸，此三家各有特色，祝之不假修飾，張之奇異結體，王之氣勢縱橫，皆有可學之處。而傅山之字最難掌握，如有王鐸之基礎再來表現傅山，就不會流於體弱軟藤之病。但此諸家猶有法則可以入手，王寵之書法卻難以力求僅能神會，因為其字之風神，來自於高曠自適之簡淡人品，故其空靈、疏淡之美感，也需別有會心之觀者方能體會欣賞，更何況此風格在書法表現之時，個人之稟賦影響更大。明代何良俊《四龍齋叢說》曰︰『衡山（文徵明）之後，書法當以王雅宜為第一，蓋其書本于大令，兼之人品高曠，故神韻超逸，迥出諸人上。』明人王世貞也對其評曰︰『（王寵）晚節稍稍出己意，以拙取巧，婉麗遒逸，為時所趣，幾奪京兆（祝允明）價。』（《吳中往哲像贊》）此種高古淡遠之逸品風格，魏晉之後已屬難得，近代之後恐怕已經絕跡。在這個強調創新求變的時代中，強調字形造型之變化。但此種風氣下之產物，書法之美感，是否又陷入另一種受限於某種典範的僵化，而排斥了不同美感韻趣之存在面向。而且所謂的創新，是否掩蓋了現代人某些精神匱乏、心靈空洞的時代印記呢。

註:書法圖片取自網路，原圖因有浮水印，我做了裁切，故僅為部分。

舒伯特的靈心妙韻

        說到筆下源源不絕的天賴美聲，除了莫札特之外，相近的氣質還有舒伯特和孟德爾頌。其中舒伯特觸動我心弦的感動猶勝過孟德爾頌。在此先分享對舒伯特音樂的片段感悟。

        舒伯特號稱歌曲之王，其短暫31年的生命，竟留下了600多首歌曲，18部歌劇、歌唱劇和配劇音樂，10部交響曲，19首絃樂四重奏，22首鋼琴奏鳴曲，4首小提琴奏鳴曲以及許多其他作品。真不知他的腦袋到底裝下多少音樂。美妙的音樂幾乎透過舒伯特不加思索的筆，就源源不絕地流瀉在譜上，自然天成，可以讓聽者直接感受到這種渾然自如的音樂旋律之悠然餘韻。聽舒伯特的音樂幾乎不需要什麼準備，也不會有聽不懂的壓力，只要任音樂在空氣中氳染生發，自然會有美妙的旋律飄進聆聽之耳中。而某些格外具有感染力的聲音也會在此過程中於聽者心靈中播種，慢慢發芽。經由聆聽之耳的多次灌溉，聲音成長茁壯，緊緊扎根在聽者心靈之沃土，心靈有多寬廣，音樂之苗圃就有多寬廣。大體上而言，舒伯特的音樂充滿溫暖、自在歌唱的特質。前期的音樂頗似莫札特之清新天成，後期的音樂受貝多芬影響，作了讓音樂更加格局開闊的嘗試，雖然嘗試得不很成功。但是後期舒伯特的音樂，就在往心靈深處拓展探勘的過程中，達到了後世作曲家難及的感人深度。有時候簡短的一個樂章或是一小段音樂，一粒沙映出世界，猶勝過某些作曲家長篇大論所帶給我的感動。

         此張唱片收錄舒伯特三重奏作品。包含兩首美藝三重奏演出的Piano Trio D898、D929，以及兩首單樂章鋼琴三重奏未完成之作品。還有一首Grumiaux Trio三重奏演出的String Trio D581，以及弦樂三重奏未完成作品D471。舒伯特兩首鋼琴三重奏是接觸他的室內樂時所不會錯過的音樂。但最讓我驚艷的是這兩首更少聽到的弦樂三重奏的作品，尤其是未完成的單樂章D471。其中有段極美的音樂就自然在我心靈扎根，此段音樂出現在呈示部第二主題，從1分10秒開始幾句，琴音甜媚了起來，雖然只有幾個音符，但聲音卻充滿難以言喻之感人力量。之後的反覆以及再現部均有重複。還有呈示部結束句的幾句音樂，在發展部中的發展，也十分動聽。反覆聽過幾次，便愛上這首曲子。還有鋼琴三重奏D897單樂章慢板的音樂，也讓我相當喜歡，尤其是樂曲結束前鋼琴的聲音變化，留下深刻的印象。可惜這些作品都是未完成的單樂章。似乎舒伯特未完成的作品也充滿了靈心妙韻，值得細細品賞。對我而言，舒伯特的音樂就像取之不盡的聲音寶庫，永遠有新的感動、心靈之觸發可以擷取，其細膩難窮的美感讓人一再回味不已。

        以下聽的是 Grumiaux String Trio演奏舒伯特D. 471

無法被囚禁的天籟

      說到電影中的音樂，絕對不能忘記「刺激1995」這部片中的莫札特「費加洛婚禮」中的詠嘆調。此片名原文是「The Shawshank Redemption」，由導演法蘭克•戴倫邦特改編暢銷作家史蒂芬•金的原著作品《四季奇譚》中收錄的「Rita Hayworth and Shawshank Redemption」，其中「Shawshank」就是鯊堡監獄之名，中文譯名取得莫名其妙，片商受之前一部賣座舊片「The Sting」（中譯「刺激」）影響，不顧原始中文電影字幕譯者的譯名，逕自改為刺激1995，惟一的好處就是讓人記得這部片在台上映的時間。我就是從這部片開始對摩根•費里曼（Morgan Freeman）這位演員留下印象。（提姆•羅賓斯（Tim Robbins）後來的作品倒是比較少見）。

        記不清這部片看過幾次了，記得當兵時在政戰學校上課，教官放這部片給我們看，當兵前我已看過一次，但軍隊的隔絕經驗格外讓我深切感受到此電影想傳達的自由、希望之可貴。那時就特別喜歡這部電影。尤其是電影中驚鴻一瞥出現的莫札特「費加洛婚禮」中的女高音詠嘆調，配合著電影情節出現，真是恰如其分。這段音樂，從監獄的擴音機傳出，迴盪在鯊堡監獄的每一個角落，瑞德說：即使他不懂此曲唱的內容是什麼，但此時無言勝有言，歌聲中難以言傳之美，讓這一刻鯊堡監獄中的囚犯彷彿重獲自由。安迪在典獄長的威脅恐嚇中刻意調高音量，其聆聽音樂的神情中有難以言喻的滿足。這是他唯一可以對抗監獄控制的武器。即使自由瞬間即逝。在隨後的兩週禁閉生活，安迪說，只有莫札特陪著他，是他最舒服的兩週。因為在腦海及心裡，音樂之美是無法被奪走的，在監牢中，音樂是監獄高牆所關不住的存在，而在人的內心，也有獄警管不到的地方，那就是希望。可以說，這一段音樂就是此電影企圖傳達希望精神的具體象徵。有文化教養的安迪和沒有教養的瑞德及其他囚犯，卻都能感受音樂之美。聲音的感染力可以超越階級、身份，讓不同文化背景的人共享豐盈美好的音樂之美。唯一感受不到音樂之美的大概是典獄長及獄卒。這段情節，是這一部電影中讓我印象最深刻的。而此電影的人文深度，不受時間的限制，讓不同世代的人都能深受感動而獲得啟發，並重新發現生活之美好。在此程度上，此電影足稱為經典。

   這幾年透過網路資訊，了解原先角逐當屆奧斯卡失利的刺激1995，卻透過網友的推薦，在網際網路電影資料庫（IMDb）的史上最佳250部影迷評選的票數中，和《教父》形成第一名與第二名之間的拉鋸戰，也是至今最多影迷參與評分的電影。所以我也常推薦這部電影給其他人，讓經典可以繼續流傳。而片中的音樂，來自「費加洛婚禮」中第三幕的女高音二重唱：「che soave zeffiretto」（溫和的微風），版本是著名指揮家Karl Bohm指揮德國柏林歌劇院管絃樂團，演唱者是Gundula Janowitz和Edith Mathis。我雖然少聽歌劇，大部分的歌劇都只有選曲版，但莫札特三大歌劇我卻都買了全曲版來聆聽，對我而言，音樂靈感美聲天籟源源不絕的作品，唯有從莫札特的筆下才能流瀉出來，這是自然清新，靈妙的聲音之美。聽歌劇不需要專注於劇情及歌詞所表達的意義，直接欣賞音樂本身旋律變化之美，就是聽歌劇最好的態度了。行有餘力再來了解劇情及創作背景，當更有趣味。而此電影選取莫札特的音樂來代言，也是神來之筆。電影中還有許多經典橋段，推薦還沒有看過電影或聽過莫札特歌劇的網友欣賞這無法被囚禁的天籟及希望。

        以下聽的是莫札特這首詠嘆調

Mintz演奏會雜感

        昨天晚上明茲現場演奏完整版帕格尼尼二十四首隨想曲，真是場美好的提琴獨奏饗宴。還好之前作了不同版本的聆聽準備，對於明茲的演奏特質有更深入的體會。

        現場聆聽弦樂獨奏的聲音空間感和從播放系統傳來的聲音有一定程度的落差。由於座位距離較遠，剛開始聽到小提琴的聲音響起時只覺得不如平常聽到得清晰。但這才是身體在場的真實聆樂感。與之前聽紀辛鋼琴演奏的聲音場相比，鋼琴的鳴響音箱較大，故紀辛的演奏我相信最後一排也聽得清楚。但小提琴的共鳴音箱小了許多，如果預算充足，聽弦樂獨奏的現場演出應盡量選演奏廳中前方的位置。如此與琴音的接觸會更鮮明具體。但聽了幾首後，身體逐漸適應這種聲音在場的空間，也不覺得琴音太遠太模糊了。

        明茲的演出，技巧上絕沒有問題，透過技巧而呈現的音樂才是他想傳達的樂曲精神。演出曲目的安排前半後半場各12首，每首之間有一小停頓，明茲可以略為放鬆左手，觀眾也可以趁機咳嗽動動身子。雖然原曲總共演奏時間為70分鐘左右，但加上這些停頓及中場休息，原本我以為提早結束的演奏會卻也在正常結束的時間結束。演出結束後的安可曲沒有新的曲目，僅以一首第五號隨想曲作結。現場也沒有滿座，大約八成五到九成左右。相當可惜。整場帕格尼尼隨想曲的演出，對演出者及聽眾都是一大負擔。明茲的演出在琴音的中低音樂段的表情發揮較豐富，刻意讓高音之弦樂較不飽滿明亮，配合略澀的音色表現，整體呈現出略帶陰鬱壓抑之感的帕格尼尼演出。這不像拉賓酣暢流瀉的明亮音色及自在發抒的音樂表現，明茲對樂曲的轉折著墨頗深，從中可見他對此曲的鑽研思考。挖掘了這些曲子在炫技表現之外的情韻內涵，往往強調樂曲中明亮陰暗之對比，讓音樂深層的感人質素上升到技巧之前。某些如歌如泣的聲音刻畫格外具有感人的力量。整體的詮釋透顯出帕格尼尼性格中陰暗離群孤寂之一面，讓炫技的作品變成具有內涵深度的作品。就詮釋上來說，應該也建立了此曲獨樹一格的風格美感。

        演出前在一樓大廳買了此場的演出手冊以及兩張明茲的唱片。其中一張是舊版帕格尼尼隨想曲，其錄音應該比新版大花版還好（價格硬是多了一百）。上次紀辛演出我並沒有買任何演奏會手冊。這次的手冊內容編排豐富，除了介紹作曲家、曲目、演奏家之外，還有版本比較及花絮和明茲錄音一覽表，有幾篇文章都可以細細賞讀，和我好幾年前買的演出手冊陽春內容真是天差地遠。雖然我也很久沒買演奏會手冊了。明茲是青壯派小提琴家備受小提琴教父史坦提攜的明日之星，之前看到的照片都是年輕的模樣，轉眼間也已經五十多歲了。是三位猶太裔小提琴家(另兩位是帕爾曼、祖克曼)中年紀最輕的。但從其錄製的唱片及其演出態度之嚴謹，可看其持續鑽研自惕自勵的精神，在自身天份才能之上不斷求索探尋，有朝一日，必能躋身於大師之林。現場演奏全本的帕格尼尼隨想曲幾乎是不可能的任務，但明茲用此曲巡迴演出作為五十歲之後的藝技展現，不但是愛樂者之福，也是其演奏事業再創高峰的展現。

        以下聽的是Mintz演奏Paganini Caprice No. 24

Paganini24首小提琴隨想曲

        今天晚上Mintz小提琴獨奏會以帕格尼尼無伴奏二十四首小提琴隨想曲為曲目，為了做好事前的準備，我找出手邊有的版本，複習這一套許久沒聽的曲目。Perlman、Accardo、Zimmermann、Midori、Kavacos等版本不在手邊，這些版本，就我過去的聆聽印象而言，我最喜歡Midori暗藏細膩情思的詮釋，不完全只是技巧的展現而已。目前放在台北的版本只有Ricci的錄音(1947、1959)以及Rabin(1936-1972)1958年的EMI版錄音可作比較。黎奇1947年的錄音據我看到的資料是錄音史上第一套帕格尼尼無伴奏曲全曲錄音，其表現在情韻上有所不足，僅供黎奇愛好者收藏之用。1959年的版本收錄於DECCA的Violin masterworks系列第28張。黎奇為義大利小提琴大師，被視為技巧派的大師而較欠缺對內含情韻的著墨，因此影響其受重視的程度。實際上這樣的評價並不公平。此次的錄音，就我聽來在精準的技巧之中涵蘊著某種難以言喻的孤絕感，這和拉賓熱情洋溢的版本大異其趣。但整體上黎奇的演奏轉折較生硬，不如拉賓流暢有層次的音樂內涵。而35歲就過世的提琴家邁可‧拉賓，原本是美國學派寄予厚望的新星，可惜其早熟的天才影響其蛻變成大師，據說其曾因心裡不穩定等狀態而染上毒癮，而其最後跌倒意外致死據說也與此相關。在此演奏中拉賓表現出流暢自若的明亮華美音色，呈現出早熟天才對此無伴奏曲的清新理解，在琴音的質地上雖不如黎奇的演奏那般扎實凝鍊，但其對內在情韻之掌握及音樂的層次展現，猶超越對此曲鑽研頗深的黎奇。可惜天妒英才，僅留下少數的演奏錄音可讓人感受其早熟的藝術風範。比較起來拉賓美國學派的演奏以明晰優美而富涵感染力見長，較諸黎奇義大利學派在精準中透出孤絕感，形成難以親近的特質，美國學派的聲音表現更讓人易於親近。但就切合曲意而言，黎奇的演奏卻更貼近帕格尼尼這樣一位驚世超群的演奏家的孤絕心境。


        以下聽的是Ricci 演奏 Paganini Caprice No 24

技進於道與功夫在書外

        「技進於道」出自《莊子‧養生主》中著名的「庖丁解牛」寓言，原文為「臣之所好者道也，進乎技矣」，原意乃是強調「道進於技」，即庖丁解牛之神技並非追求重點，在技之上還有道之層次作為無形超越之追求。換言之，技之追求背後始終涵蘊對於道之體悟，這在視技藝為小道的先秦時代，不啻是對技藝之地位的提升。但在藝術逐漸專精分工的現代，藝術家作為專門領域的專家，對這句話的理解遂變成「技巧之精妙可以達致道之境界」，所謂道是抽象難明難以實指的，故「技進於道」的現代理解在強調對於「技」之專研錘鍊，道即在技中，技之精熟即是道之體現。甚而以技為道，藝術之技為追求重心，道之有無已非藝術之追求理想。

        觀近幾年來書法所謂各大獎的前幾名得主，大都技巧精熟、行草行氣蜿蜒變化，墨之濃燥乾潤，字型之攲側位移，大小極盡對比之能事，整幅看來造型味十足，就我看來乃是畫字非寫字也。其技巧不可謂不精熟，其行氣不可不謂錯綜蜿蜒，其表現不可不謂張狂有力，但書之趣味，蕩然無存，所謂技外之道，書外之趣，字外之精神面貌，幾無可觀之處。究其然，正是以技為道，技之外無道可言。這乃是近幾年來書法比賽風起雲湧之產物，遂培養出一批專以參賽得獎之獎賽詩風。此風之形成，一來由於參賽者之積極參與，尤其專攻一體吻合評審風尚自可得獎，同一字體同一書風可以參加不同之獎項，故僅需臨摹一種表現力特強之字體，或學王鐸或寫簡帛，或師從師門之行草，出以熟練安排之作品規劃，查查字典，即可製造出一幅作品。二來則由於某些書法老師之刻意帶領，往往小學生即學王鐸，專攻一體以應付各種比賽。在比賽現場決賽時即可看出這種帶隊參與的企業化經營之現象。加上參賽者往往揣摩評審愛好，並未有自我書法進程之規劃，更不用說技巧之外的涵養與吸納，日積月累，所形成之詩風往往造型變化挪騰有餘，字外之韻味幾不可尋，重表現而輕學古涵養，其作品並不耐看。但此道簡易可行，不需遍臨諸家以求匯通，只需專研一體求其變化狂放，有幾年的學書基礎即可表現，又可獲獎名利雙收，何樂而不為？傅山寧拙無媚之主張，王鐸詩風之雄強霸氣，皆有其學書之根源，又反映出個人及時代之激盪，現代人既無此背景也無此性情，在此基礎上又更加乖張，為字而造形，字形動輒狂扭如春蚓秋蛇，仔細檢閱才發現許多字之草法筆畫多有舛誤，但評審並不視之為缺失，於是此風遂變本加厲。反而又是被表現字體所拘限而不善化用，草法不求正確與否而僅重表現。是以書法越來越傾向於造型抽象藝術，雖變化狂放有餘而無韻趣。但書法比賽並非完全不可參加，透過比賽也可觀摩學習開開眼界，了解不同書家之書體風格及當代流行之書風，但又不需太在意比賽成果，也不應隨波逐流而喪失自我藝術定見之培養。這是個人書法涵養之必經歷程之一。

        但書法之道僅此而已嗎？「功夫在書外」之名言受陸游「功夫在詩外」影響，其實所有的藝術不論文學、書法、音樂演奏，技藝本身之外的涵養往往是決定其作品能否具有感人質素之來源。個人的天才再怎樣洋溢超群，往往表現在生命的前中期。生命中期之後的藝術能否精益求精，更需要歷練之提升與涵養之擴充，最依賴天才直覺的音樂演奏，如不能在後天的素養提升其音樂涵養，其天才反而成為阻礙。更不用說書法是一種更依靠後天錘鍊學習的藝術。書法之進境提升，其實是一條「寂寞之道」，有時往往需要「棄俗尚」，「不務爭名於時」(韓愈 〈與馮宿論文書〉談為文之道，移之書法亦然)，而求法乎眾者得其上之自得領會，輔以書外之功夫，而形成自我各體書風之獨具面貌。至此，往往見字知人，由人體藝，技道相涵，字內字外氣韻流動。此種個人氣韻不同凡俗之體現，需耗費數十年之久方有小成，期間自然默默無聞，這在講求自鳴以自現的現代，是越來越少人願意去做的。但有心者自可默默耕耘，把書法當成自我美感及生命探索之歷程，真積力久則入，畢竟越到後來，其曲彌高其和彌寡，唯有心人賞心知音。書外之功夫，所在為何？除了閱讀涉獵不同性質之書籍，或文學藝術、或前人學書要領之外，在生活中涵養自我性情，多方閱歷接觸不同稟賦之性格，體認不同藝術之精髓，對自然萬物之流衍變化出以觀照之心眼，輔以書內之功夫，專研數家以求匯通，涉獵各體以求相通，學古而不囿於古，學今而不俗於今，兩相激盪，自可有不同流俗之書風，而個人的性情懷抱，自然體現在書跡墨韻之中。技之追求與書外之涵養並行不悖。就我所接觸的兩位老師，都有這種可貴之精神。這也是我用以自我策勵之理想追求。

難以忘懷的夜曲之聲

        智利鋼琴家arrau的這套蕭邦夜曲全集共21首的版本，是我接觸蕭邦夜曲的開始。當初缺少豐富的版本資料，對鋼琴家的認識也有限，購買唱片時價格是最主要的考量。當時特別喜歡購買2CD單張價位的唱片，DG巧裝2CD、Philips巧裝2CD、EMI強音系列的唱片便成了我蒐集唱片版本的購買來源。此唱片發行於1997年，陪伴我好幾年的時光。當時自己在畢業前獨自在校外租屋，夜晚睡前就讓此音樂伴我入眠。那是一個為賦新詞強說愁的年代，總有些驛動的心事觸發著孤獨善感的情緒，正好切合蕭邦夜曲中的惆悵詩意。往往聽著聽著便不知不覺間感動得悽惘滿懷，難以平復。後來又買入巴倫波因的DG巧裝2CD夜曲版本，卻不如阿勞此版讓我感動之深。漸漸地我就開始注意阿勞這位鋼琴家，並也埋下我對不同詮釋演奏之比較體會的開始。而在網路發達後，我也才發現此版本在網路上的評價不差，當初真是誤打誤撞買到阿勞的詮釋，可見所謂的2CD雖然售價較低但也有好的演奏可以蒐集。

        陸續收集其他的版本，也知道所謂夜曲全集其實有兩種不同的收錄。像Rubinstein、Francois、Barenboim、Novaes、Pollini等鋼琴家的全集僅有19首。而Weissenberg、Arrau、Dang Thai Son、Wild、Ciccolini、Harasiewicz、Ohlsson等鋼琴家的全集則有21首(以上均是就我手邊有的版本來看)。差別就在有沒有演奏兩首夜曲的補遺作品。但我最常聽的還是阿勞的版本。因為阿勞的琴音扎實細膩，音色極美，低音聲部沉穩厚實，速度不快，可是對於樂曲的情緒蘊釀及意涵挖掘頗深，相當耐聽。可說對蕭邦的浪漫詩意賦予思想感情的深度。也因為如此，阿勞的演奏並不適合當作真正睡前的音樂，因為那反而會造成失眠。既然開了部落格，對於比較少聽的版本也要一一重溫，日後有空再分享其他版本的聆樂之感。
   蕭邦的這21首夜曲，幾乎每一首都有不同的感人力量，傳達出追悔、失意、惆悵、悲傷、激動、感傷種種複雜的情緒，每一首都有其動人心魂的感染力，我每一首都喜歡，但其中最能讓我聞聲動情的是第七、八、十、十三、十四、十五、十七、十九、二十、二十一等幾首。尤其越後面的幾首越讓人感動。真是一曲一世界。這是接觸蕭邦鋼琴音樂最好的起點。當然前提是不排斥某些耽溺難以自拔的情緒被音樂喚起。適合年少輕狂追愛逐情的年代，尤其對於別有懷抱的傷心人特別有感染力。


        以下聽的是蕭邦夜曲No.20，由Arrau演出

匈牙利舞曲四手聯彈

        這張今年4月初才發行的Jean-Philippe Collard（1948- ）和Michel Beroff（1950- ）四手聯彈的布拉姆斯匈牙利舞曲及德弗札克斯拉夫舞曲等著名曲目，剛好之前筆者已經在部落格討論過布拉姆斯匈牙利舞曲小提琴演奏版本，此次看到鋼琴版本發行，正可購入作為此曲原版的版本收藏。也可以體會不同樂器間的改編曲風和音樂性質之美感差別。
   也許是小提琴改編版自己聽習慣了，相同的旋律節奏透過鋼琴的演奏呈現在自己聆聽之耳中，有種異樣的感覺。隨著音樂的開展流動，腦海中不知不覺浮現出提琴的旋律線，但理智明知兩者的表現效果及美感性質有不同的分野，卻不知不覺間藉由舊有的聆聽體驗的重新喚起而疊加上新的聆聽體驗，形成交錯並置的聲音知覺之場域。這種獨特的感受，跟我如果完全沒有聽過提琴改編版而直接從鋼琴聯彈聽起有很大的不同。從中或許也可以說舊有的聲音體驗無形中也影響著新的聆聽體驗之形成。而我也在此過程中仔細思考兩種樂器表現性能的差異—至少以此組曲為聆聽基礎。

        幾首我最喜歡的樂曲中，提琴版本的悠揚細膩，感情的深邃和動人之處，在鋼琴版本中淡化了。兩種樂器構築旋律之方式不同，而形成不同的美感區別。提琴的音符之間的聲音持續存在，因此旋律線十分完整，而音色的變化就體現在音符與音符之間的聲音聯接。但是鋼琴基本上還是打擊樂器，音與音之間具有空缺，旋律線之完成除了演奏家的如歌演奏技巧之外，還須聽者自動填補音與音之間的聲音，想像旋律線透過音符而連接發展；而鋼琴的音色之變化就體現在音符本身的質地以及前後音符的變化所引起的聽者感受。是以提琴的琴聲更接近歌唱，具有直指人心的感受效用。而鋼琴之感人與否，更靠聽者的參與程度之深淺。故一般愛樂者在入門階段較容易接受提琴音樂，對鋼琴的感受力較弱。但是長期聆樂的進階愛樂者反而更喜歡鋼琴。因為鋼琴要求於聆賞者的聽音標準高於提琴。是以在此曲中的抒情樂段，鋼琴之吟唱雖不如提琴之悠揚深入，但是聽者仍可以自行隨琴音畫出旋律線，而同樣具有感人的情韻。除此之外，在音樂的對比與張力之突顯上，鋼琴之表現力勝過提琴，從此組曲中可以聽得出來，凡是節奏躍動、動感突出的樂段，就發揮了鋼琴屬於打擊樂器之強項，相對的提琴的表現就嫌弱了些。加上四手聯彈更可以表現音樂中的聲部變化及細部呼應，較提琴的旋律性質的線條表現更具有立體性的感受。提琴以情韻細膩深刻、聲音容易縈繞腦海中為美感特質，而鋼琴多了細部的聆聽趣味以及豐富的聲音立體層次感。

        兩位法國鋼琴家的默契極佳，這是兩人多次合作四手聯彈的產物，有一定的佳評。在音樂表現上發揮法國鋼琴學派清晰、明亮、華麗的特質，琴音剔透分明，但強奏的樂段上力度也不遜色。兩套著名組曲之合集，中價位物超所值的收藏，比較對得起日漸消瘦的荷包。

        以下聽的是布拉姆斯匈牙利舞曲雙手聯彈第四曲