Ohlsson演奏Corelli主題變奏

        原本預期Ohlsson的演出會像Odgon一樣，屬於光輝燦爛的奔放演出，可是仔細聆聽後，發現光輝燦爛是有的，而奔放的雄健特質則有所不同。僅僅聽一次我就把此版列為最讓我滿意的拉氏Corelli主題變奏曲，也是此系列最完美的終點。

        Lugansky的詮釋需要兩次以上的聆聽，方才領受到他的清新氣質與自然韻味，可是和Ohlsson形神兼備的雄健觸鍵和扎實的力度與飽滿的琴音相比，Lugansky更偏向於飄邈清淡的空中之音，細緻空靈卻稍嫌依托無根，淡雅的氣質依然有修飾為之的斧鑿痕，不如Ohlsson直接豐厚的琴音直指本心，讓人第一次聆聽就深深感受到這份雄渾大氣的飽滿生動，不自覺被音樂席捲，即使已經聽過很多次，仍然沒有重複的膩味，彷彿還是第一次聆聽這首曲子。Ohlsson和Odgon最大的差別，在於鋪陳展開的速度之差異，與Odgon一氣呵成奔放盡興的揮灑感相比，Ohlsson更為沉穩不躁進，前幾個變奏（尤其是慢板的變奏）幾乎都是我所聽過的詮釋中速度最慢的，可是音樂的架構清晰不拖沓，讓人聽到拉式音樂內聲部更為豐富和緊密的處理，除此之外，Ohlsson明朗光輝的觸鍵，有助於讓更慢的音樂不流於耽溺浪漫，依然還是堅實無比的健康清新之風格。而拉式音樂中厚重飽滿的和絃聲浪，更在Ohlsson逐層累積高潮的雄健力量中，獲得不刺激感官的感人力量，磅礡雄渾之語足以當之（尤其是第二十二音軌之第二十變奏前半段），真是讓人驚嘆的音樂處理。對音色之處理也不像Pletnev般刻意為之，而是在端穩的架構中自然浮現的豐潤層次。Ohlsson這一首扎實渾厚的功力，讓我想到射鵰英雄郭靖樸實驚人的降龍十八掌，不花俏，不賣弄，扎扎實實，沉沉懇懇，卻自有其直指核心的掌風威力。我會把Ohlsson這類型的鋼琴家劃歸於Gilels和Odgon之類技巧扎實音樂表情不耽溺卻自有其雄健自然的魄力。而Zimerman或Pogorelich之類的鋼琴家，則更接近楊過對情入魔的沉溺忘形，他們對音樂的熱愛鑽研，讓音樂負載了更多的情感投注和表現張力，形成不同分野的聆聽感受和聲音想像。就武功而言，都是各擅勝場足以獨霸武林的大家，個人的聆聽之耳傾向於何種聲音，則由個人的氣質思想決定。

        最後附上手邊這幾版的對照表：

Rachmaninoff鋼琴變奏曲

         Rachmaninoff的鋼琴變奏曲共有三首，除了這首Corelli主題變奏曲外，還有更耳熟能詳的名曲Paganini主題狂想曲，以及收錄在此張專輯中的Chopin主題變奏曲，該曲是Rachmaninoff早年的作品，很少出現在演奏錄音中，手邊除了Lugansky之外，只有Yablonskaya的另一個演奏。三首變奏曲中，Paganini主題狂想曲是管弦樂協奏版，在Rachmaninoff原始的構思中屬於交響變奏曲的形式，另外兩首則是鋼琴獨奏。

        早年的Chopin主題變奏曲，採用蕭邦前奏曲中第二十首的主題旋律，展開二十二首變奏，總演奏時間約為三十分鐘，仔細聆聽後可以感覺Rachmaninoff對各變奏的處理還不夠緊湊，只像是短曲串聯成一大曲，過長的時間讓聽覺無法在各變奏間保持注意力的集中，不能成為鋼琴家演出的名曲實有其因。不過從此曲可以瞥見Rachmaninoff透過對蕭邦音樂的發展變化，既摸索了抒情旋律的展開和細膩情韻的鋪陳，也逐漸形成了Rachmaninoff個人的音樂語法和風格面貌，喜歡拉氏音樂的聆聽之耳不妨一試。

        俄國鋼琴家Lugansky（1972- ）師從鋼琴大師Nikolayeva（1924-1993），分別獲得1998年萊比錫巴哈大賽、1994年拉赫曼尼諾夫大賽銀牌，也是1994年第十屆柴可夫斯基大賽首獎從缺的亞軍得主，為俄國鋼琴新秀中音樂性、演奏技巧都能兼備的鋼琴家，尤其對Rachmaninoff的詮釋有其獨到的體會。此張錄音是Lugansky在Warner的三張拉氏作品專輯之一，特別把Rachmaninoff三首變奏曲集中收錄，別有用心。唱片中音樂的分軌也不依照變奏曲的數量作劃分，而是根據音樂展開之變化將相近性質的變奏劃歸於同一段音軌之中，這可能出自演奏家的安排。聆聽Lugansky的詮釋，與同樣為俄國鋼琴學派的Ashkenazy和Pletnev都有似同實異的特質。表面上三位都是理性安排內斂沉穩的表現，不過Ashkenazy在抒情細膩度上別有會心，Pletnev則在內斂的感情和豐富的音色方面取勝，Lugansky則以淡雅的情韻和自然的音樂性見長。Lugansky之詮釋或許在刺激感官方面不如兩位前輩般地直接鮮明，可是他不媚俗也不濫情地細緻展開Rachmaninoff變奏曲中的詩意和悠然情韻，不強調音樂的對比張力，而是在略帶沉思吟唱的音樂推進中匯聚高潮，乍聽之下會覺得不夠過癮（尤其前幾個變奏，Corelli與Chopin變奏曲都如此），可是Lugansky還是能兼顧此曲的抒情與厚重聲響之平衡，抒情吟詠的樂段清新流暢又帶有深意，但又不流於琢磨錘鍊，依然能維持自然的吐納；而磅礡厚重的變奏也能帶出音樂的張力，但又不流於刺激開張的表面高潮，反而維持著一種理性力量的抑制，兩者獲得巧妙的平衡。著名的十五變奏，清淡自然的發抒卻自有其幽遠的意境，雖然不濃烈不深刻，可是餘韻不絕，尤耐咀嚼。姑且不論詮釋的高下，光是對樂曲重新分軌的音樂結構之考量，就是此版必須嘗試的動力來源。

        以下聽的是Lugansky演奏 Rachmaninov - Variations on Corelli's theme, Op. 42

Missa S. Emidio另一體驗

         Pergolesi的 Missa S. Emidio（聖埃米狄歐彌撒），之前已於九月底的聆聽中拿出Abbado的系列第二輯，而獲得超乎意外的感動和審美愉悅。幾週後於許昌大眾看到三張一套的Pergolesi與A. Scarlatti與Leo的聲樂作品合輯，只有五百出頭的價錢，正好又收錄了Missa S. Emidio，出於好奇心而購入聆聽，三張專輯解說都十分豐富，相當物超所值。看來我已經成為Pergolesi的粉絲了，除了會注意Pergolesi的錄音，還會購買罕見曲目的不同版本。這三張分別收錄Alessandrini所帶領的義大利協奏團的兩張Naïve的錄音，以及一張Biondi與華麗歐洲樂團在Opus111的錄音，Biondi的演奏之前已經略有所窺，此張應該是他更早期的演奏。而Alessandrini所帶領的古樂團對我而言是新鮮的體驗，尤其此版的Missa S. Emidio與Abbado有相當大的差異，也改變了我對此曲的想像。

        Abbado的詮釋，在宗教讚頌情懷的深刻與樂團聲響鋪陳的綿密有獨到之處，尤其與Alessandrini所帶領的古樂團相比更為鮮明。之前對Abbado的詮釋深入聆聽而十分喜歡，因此第一次聽到古樂團的聲響讓我相當無法適應，多聽幾次後才又能接受這不同的音樂處理。第一次聆聽此曲的樂友適合從Abbado入手，因為Abbado對聲響的營造與聲樂的呼應配合都更為細緻動人，不過這樣的聲響表現，在聽慣古樂演奏樣式的聆聽身體感而言，可能會覺得過於華麗人為，不夠對味，或許再試試Alessandrini的詮釋，會更容易合拍入港。古樂團的聲響不如Abbado版豐潤優雅，屬於更為清淡平鋪直述的表現方式，因此Abbado細緻安排的戲劇轉折與高潮鋪陳，具有逗引感官的力量，很輕易地就被此曲的情感舒卷與優雅清新而收服。Alessandrini的詮釋則更為直接不假修飾，清淡的樂團聲響退位讓給了聲樂的表現，人聲的歌唱也是直接噴發(與Abbado不同的是假聲男高音的演唱，見第七軌)，細膩處不如Abbado版的音樂處理，有時候聽來稍覺生硬，可是這股直率表達的明確情懷，有時候更具有力量。Abbado是世俗性與宗教性兼具，而Alessandrini的古樂演奏則更為宗教化、更為端整，直率明朗的表情與Abbado含蘊吐露的內斂情感，各有各的美感力量，我不作高下之別的判斷，畢竟音樂始終與聆聽者的聽域想像與性情涵融密切相關，欣賞明朗表情的樸實陳述與細緻鋪陳的高雅優美，各自有其審美領域的立足點，有興趣者自可選擇切合於己的聲響而陶醉沉浸，不管別人煞風景的指指點點。

        又我把該系列三張合輯的封面Po出如後，有意聆聽者自可尋覓，應該不難入手。

        以下聽的是Pergolesi - Missa di S. Emidio 1_2，阿巴多的版本

Schubert歌劇Fierrabras

        歌曲之王Schubert並不以歌劇創作知名，可是他在世時卻孜孜不倦譜寫音樂話劇、歌劇、戲劇配樂等作品，有許多未完成之作，目前完成的歌劇有九部，可是都很少上演，更不用說灌錄成唱片了。Schubert的歌劇無法流行，除了他挑選的劇本不夠優秀，他創作譜寫的手法也與主流歌劇傳統不相同，反而有他個人的特色和對戲劇作品的期待投射，形成相當獨特的風格。此部歌劇Fierrabras乃是1988年經由Abbado優異地詮釋，而讓人注意到的一齣Schubert歌劇，雖然我不是歌劇愛好者，但與Schubert的投合讓我出於好奇而購買此錄音。

        Schubert此歌劇與其他歌劇最大的不同，在於聲樂的配置與管弦樂與聲樂應和關係之譜寫，都有獨特的面貌，包含不以詠嘆調為製造高潮表現華彩的手法（全劇中只有一首Fierrabras所唱的詠嘆調，於第一張CD之十三軌），而更多地是以合唱曲和重唱為歌唱表現的主軸，包含了二重唱、三重唱、四重唱、五重唱。而管弦樂也不附屬於聲樂做單純的伴奏，反而更具有烘托劇情渲染人物情緒並鋪陳高潮的重要功能，管弦樂的音樂表現更為豐富多變，既能柔和抒情也能磅薄巨響，絕對是意想不到的舒伯特音樂體驗。管絃樂與男女聲合唱重唱，共同構成了此曲音樂的靈魂，而推動劇情的力量，就是由舒伯特多次嘗試的音樂話劇之手法所呈現的人物朗誦對話。如果聽習慣主流歌劇華彩炫耳的詠嘆調，必然難以接受Schubert的音樂構思與戲劇表現，可是如果喜歡合唱音樂或人聲詠歌的對話交融，則不能錯過Schubert這齣歌劇。

        此劇以西元八、九世紀之間Charlemagne大帝時為背景，敘述Frankish與Moorish兩個王國的宗教戰爭背景，而以Frankish公主Emma與貴族Eginhard、Moorish公主Folrinda（Fierrabras之妹）與Frankish騎士Roland之間的愛情為描繪重點，突破宗教差異的束縛而造成的衝突與緊張，激化兩國父女之間的對立，引發了破壞和平重啟戰端的張力，最後歸於「愛情超越宗教」的主題。其中Fierrabras並不符合讀者期待的戲劇主角，反而是配角人物，戲份不重，卻承擔了心愛的人無意於他而他卻要替愛人及其情人保守秘密而遭受Frankish國王囚禁的悲慘遭遇，故事結束於兩兩配對的幸福結局，不過Fierrabras還是孤家寡人一個。因此唯一的一首詠嘆調由Fierrabras唱出，或許是另一種平衡。音樂分成三幕，第一幕以愉悅盛大的氣氛為主軸，音樂也是明暢動人的歌詠居多，包含進行曲以及情歌二重唱；第二幕和第三幕則高潮迭起充滿張力和震撼，尤其第二幕Moorish國王Boland得知其子改信基督教勃然大怒（CD2第七軌）；Folrinda潛入囚牢解救愛人，卻只能旁觀愛人敵不過Moorish軍隊而被俘，從其口吻表現出戰況的激烈與緊張（CD2第15軌），都是十分精采的音樂。這一齣歌劇我首先聽了兩次，只能大略領略Schubert音樂中的歌詠旋律，當時最喜歡第一幕的音樂（CD1，尤其是一到十軌，第四軌燦爛悠揚的凱旋進行曲再度於第十軌出現，讓我印象深刻）。但還沒有深刻的體驗足以鋪陳成文。隔了好幾週後我再次拿出此歌劇聆聽，搭配解說對其劇情有更深入的了解，就更喜歡Schubert所譜寫的此劇音樂了。建議聆聽的切入點先把序曲聽熟，掌握其音樂素材（序曲之主題會在第二幕出現），再仔細反覆聽第一幕的音樂，之後就更容易進入Schubert的戲劇世界，如果無法接受，只能說調性不合，就不要勉強。我後來除了喜歡的第一幕音樂之外，尤其對第二與第三幕之戲劇張力與精彩的管絃樂手法更為欣賞，Schubert描繪黯淡衝突的音樂氛圍和暢快愉悅的終曲更吸引人（從中已可見出浪漫主義處理音樂的氛圍塑造），這都不是習慣聽到的Schubert風格。此曲之吸引人，除了Schubert的創新和音樂表現與我合拍，Abbado讓人耳目一新的新詮釋也要記上一筆。

         以下聽的是歌劇序曲，由阿巴多指揮的版本

兩版Liszt西班牙狂想曲1

        同樣是三零年代的歷史錄音，Petri有一版與美國指揮家Mitropoulos共演的西班牙狂想曲，樂團是Minneapolis交響樂團，由鋼琴家兼作曲家Busoni所改編的協奏曲形式的管絃樂曲，賦予此曲不同的聽域展現。

        管弦樂的譜曲，讓樂團的聲響與鋼琴競逐交錯，部分由鋼琴演出的樂段交由管弦樂鋪陳開展，聲響也更為豐厚飽滿。限於歷史錄音的品質，細節無法詳實掌握，可是習慣歷史錄音的聆聽之耳，依然可以捕捉炒豆聲背後的音樂行進。前奏與主題都由鋼琴與樂團共同表現，第一到第三變奏由樂團鋪演，第四變奏再由鋼琴帶入，一直到第五變奏與樂團共飆高潮。之後的Jota舞曲也是由鋼琴引領出主題，再由管弦樂應和交錯。Petri絕佳的技巧和不刻意營造對比張力的沉穩演奏，讓此曲中段舒緩的音樂，有更讓人駐足的平和清新感，則是Arrau一筆帶過所留下的缺憾。對於Busoni之管弦樂改編，我既無專業的音樂訓練無法比較他的創作是否吻合Liszt的管絃樂法之精神，更無從判斷此改編是否過於誇大浮誇還是恰如其分，因此純就聽域上的拓寬而言，足以領會Busoni改編所賦予的氣勢和豐富的管絃聲響之變化，讓聆聽更為豐富。對於原曲作改編擴張，是二十世紀初盛行的作法之一，無疑與浪漫精神有關，在現代重視原譜的潮流下被視為過時的產物，僅存歷史遺跡讓人憑弔懷想。

        俄國鋼琴家Lazar Berman（1930-2005）贏得Liszt鋼琴音樂超技演奏家的稱號早有定評，尤其經過Gilels的稱讚背書更是錦上添花。在Gilels讓歐美樂壇驚艷的同時，他更預告了兩位絕頂優秀的演奏家，Richter與Berman，必然會讓歐美樂壇對俄國鋼琴學派刮目相看，尤其對Berman之稱讚更在Richter之上（他和Richter加起來的四隻手還比不上Berman的一雙手！）。Richter多變的風格寬廣的曲目和特立獨行的音樂表現，逐漸贏得舉世知名的大師地位，不過Berman知名度卻僅限於Liszt的重要詮釋者之稱號，這卻與Berman的實力無法對應。最根本的原因，在於與超技連結起來的Berman，憑藉超技獲得名聲，也無法擺脫超技音樂性不夠的印象批評。聆聽他彈的Liszt，扎實的觸鍵飽滿的聲響，的確讓人驚嘆，綿綿不絕的加速張力也讓人血脈賁張，屬於大氣磅礡的豪爽詮釋，沉穩的Folia主題富有剛硬的力度，舞動的Jota動機音色晶瑩生動，充滿驅力，樂曲結尾前的高潮更是奔放盡興。這樣的音樂乍聽之時讓人驚豔讚嘆，聽久了之後容易卻讓人疲乏，不像Arrau對Liszt的詮釋，始終有技巧之外的餘韻可以追蹤體會。當然Liszt的曲子也不需要曲曲刻意著墨，挖掘出言外之意，超技的詮釋仍然有讓人窺見鋼琴表現力極致的啟發意義，未可一概而論，因此Berman之詮釋仍然有可聽之處，尤其他俯瞰全局一氣呵成的手法，觸引著感官的起伏迭宕，又是不同的聆聽體驗。

         以下聽的是Egon Petri 演奏 Liszt-Busoni Spanish Rhapsody

  &nbsp以下聽的是Berman plays LISZT Spanish Rhapsody

舊作--心情故事

心情故事

玫瑰眷戀昨天擲碎的花瓶
時間是我們稱之為
鐘的東西
有許多發霉的雨季
夾在書本裡
相片在哭泣
風鈴是窗戶的眼睛
眺望一隻飛鳥流浪
我喃喃唸著一些名字
牆在奔跑……

牆在奔跑——
童年的小徑開滿成簇成簇的白蝴蝶
那座山我最愛看
當糖廠的煙嘴吐出又黏又膩的甜甜圈
我們學會摺紙船
隔壁班的小公主又收養一隻紙鶴
鞦韆渴望飛翔
抽屜裡的情書遲遲沒有見到陽光
我喃喃唸著一些名字
那棵樹在風中老去

夢想是不能複製的
一朵雲
你我都愛草原
也愛河口的一盞夕陽
更愛星星與大氣層的初戀
那片天空我一直凝視
用思想的筆
囚禁遠颺的風箏
我喃喃唸著一些名字
讓記憶剪斷鐘擺
直到想不起那張臉孔像誰

一九九九年十二月三十一日
在日記裡註解青春
凡笑著相識    必哭著別離


            二00一，四，十三    夜未央    作於新營

觸興幾則

        總有些想法一閃而逝，瓣瓣如楓葉醺紅，每一方小葉都可以承載某些踟躕、某些聚念的思想痕跡，有時候指向過往，有時候反芻自我，更多的時候可能只是無病呻吟……。

        隨手將最近幾個月企圖或衝動想寫的主題描繪筆錄下來，沒想到就湊成九條，再補上一朵即可湊成完滿之數，便隨手擬了一條。這些書寫觸發，可能會摶虛成實，揉捏成有形有跡的筆墨呼吸，有些可能沉埋於生活之海，不復被提起。觸發隨處可見，需要衝動附麗肌骨，方能形神兩全，而起心動念的衝動，就等待機緣的引發吧。各主題如下（網路上找到的圖，有點模糊，剛好應和飄忽不定的思緒）：

    1、自我、面具、他人眼中的我
    2、自剖
    3、書如其人，文如其人
    4、書家之書與文人之書
    5、刺激與內斂--聽音樂中的少年老成
    6、我在北一女的一年
    7、憶京都
    8、藝術家與學者
    9、古典與浪漫
    10、部落格觀察

CPE Bach之Folia變奏

        感謝資深樂友Mingus兄介紹的這張CPE Bach（1714-1788）奏鳴曲與幻想曲選集，分別由大鍵琴與古鋼琴演出的版本，就包含了CPE Bach以Folia主題所寫的十二段變奏曲，是Folia音樂在鍵盤樂曲上的新鮮變貌。

        對於CPE Bach的音樂接觸不多，因為出於對Folia主題的喜愛而有了嶄新的接觸。CPE Bach的音樂，多被同時代的人視為怪異難以理解的作品，或許CPE Bach在其間注入自己不同流俗的才氣與創意，富實驗性的精神，超越了同時代聽者所能接受的熱情和變幻莫測的自由奔放性格，讓他的作品塗抹上獨特的印記。從其作品的聲響組成中，追蹤出預示十九世紀的和聲和音樂技法，以確認CPE Bach超越時代卻不被同代所理解的大師地位，不是我單純的聆聽之耳所能鋪陳說明的事實，因此還是回到最簡單的聆聽感受，讓聽域接受CPE Bach音樂的洗禮，而重新產生對音樂想像的洗牌，就是安身立命之處。

        CPE Bach的Folia主題變奏曲，共有十二段變奏，和Corelli與Vivaldi的作品相比，雖然都可以追蹤每段變奏的形貌和發展，可是CPE Bach之作對個別變奏的描繪與變奏之間的對比變化，更比之前的作品豐富生動許多。除了出人意表的加速發展與奔放淋漓的自由即興，整首作品樂思一氣呵成，最後如疾風般迅急結束，實在讓人意猶未盡。我最喜歡的變奏是第五（三分二十四秒處）與第九變奏（六分十一秒），都是聽來血脈賁張難以羈勒的意興飛揚。一開始的幾個變奏還相當規整，可是從第三變奏後就充滿驚奇感，第四變奏稍微返回清新的樂段，到了第五變奏精力傾瀉而出，讓人耳不暇接。於是頓挫抑揚之變化就更為豐富，第七變奏稍微揚起，第八變奏中勢如萬鈞的力度讓人印象深刻，第九變奏如萬花飛舞般璀璨生動。到最後十二變奏臨去秋波，再次激起燦爛的音浪，卻如迴光返照般一閃而逝。整段音樂雖然不到九分鐘，可是跌宕起伏變化多端，如坐雲霄飛車般逗弄著感官血脈的鬆弛與緊湊，讓期待與推演的體驗充滿意外與新鮮感。其他的音樂也跟這首變奏曲有類似的性格，幻想風濃厚，難以用規矩準則來束縛CPE Bach的自由隨性。雖然此曲是大鍵琴的演出，可是CPE Bach的新鮮感，不因為這更充滿歷史的聲音而有所折扣，相反地聆聽多次後，很容易被滾滾而來的聲浪所驚動，雖然大都曇花一現閃耀而逝。如果用現代鋼琴演奏，不知道又會開展出怎樣的縱逸奔放之氣勢？

        對於CPE Bach的聆樂體驗及唱片推介，有心者可以跟尋前輩的指引而進入另一方變換莫測的園地。對我而言，則是初步發現值得探索的聲音，未來會隨著自己的步調慢慢擴充對CPE Bach的聆樂。我從這一張音樂感受到CPE Bach包含甚至超越古典音樂的有限形式，注入更熾熱創新的靈魂，這就是我初邂逅CPE Bach所留下的印象。

        以下聽的是CPE Bach - Variations on the spanish folia由 Andreas Xenopoulos演出piano版

兩版Corelli主題變奏2

        英國鋼琴家John Lill（1944- ）1970年與Vladimir Krainev並列為第四屆柴可夫斯基鋼琴大賽首獎得主，而展開巡迴演奏的生涯。John Lill於皇家音樂學院研習，師事德國鋼琴大師Kempff，18歲就在包爾特指揮下演奏拉赫曼尼諾夫第三號鋼琴協奏曲，獲得首獎後更是知名度倍增。John Lill演奏曲目寬廣，曾灌錄貝多芬與普羅高菲夫鋼琴奏鳴曲全集，錄音散見於EMI和ASV等廠牌。

        他詮釋的Rachmaninoff Colelli主題變奏曲，介於Ashkenazy與Odgon之間，稍慢的速度和細膩的鋪陳接近Ashkenazy，扎實的觸鍵接近Odgon，可是既沒有Ashkenazy的纖細柔美，也缺乏Odgon般明朗燦爛又即興奔放的興致，其音樂之表現整體而言屬於架構清晰自然流動的聲響。樸實的觸鍵讓音樂的平實之處和匯聚張力的高潮一一呈現，不是意興飛揚縱意開張的詮釋，可是在端整的造型中，卻能呈現Rachmaninoff音樂較不容易被聽到的嚴謹自制之面向。因此期待John Lill細膩挖掘拉式音符的詩意和浪漫抒情感的聆聽之耳恐怕會失望，可是我覺得這種端整又蘊含內斂張力的Rachmaninoff卻是相當耐聽的，他這種不媚俗的詮釋方式，應該更與德奧音樂合拍。John Lill可能會招致的批評，大概就是部份樂段過於平淡無味，從John Lill將營造高潮點的動力匯聚在樂曲結束前的演奏手法，不難看出Kempff對他的影響。因此他的詮釋不是高潮迭起變化多端的聲部對比，而是對樂曲有通盤視野而妥善安排的處理，因此他能彈出一般鋼琴家所沒有注意到的內在聲部。Nimbus的錄音我覺得不太滿意，必須把聲音調整得比平常聆聽時更為大聲，方能聽到音樂中的細節和豐富的聲響，John Lill的琴音也因此顯得過於單調不夠飽滿。

        與John Lill略為硬質平穩起伏不大的詮釋相比，Pletnev對拉式此曲的詮釋更對味，能表現出俄國音樂獨有的內斂冷凝的熾熱情感，DG當年的錄音也豐潤鮮明地保留Pletnev音色的特質。與Ashkenazy柔美之風相比，Pletnev同樣在轉折起伏的情韻上有細緻深入的體會，兩者都是內斂抒情的詮釋，不過Pletnev在細部上的經營更見匠心。Pletnev真能彈出Rachmaninoff音樂中看似優美抒情的表層內在卻堅韌無比的厚度，潛藏的激情被轉化為深思孤吟的蒼涼感，但拉式音樂中層層鋪張匯聚的聲響依然在Pletnev之指下展現出豐厚飽滿的音浪，仔細聆聽Pletnev對最後幾個變奏的處理，當能有所體會。若說此詮釋的缺點，可能細部琢磨過深而在整體架構上缺少自然渾成的一體感。


        以下聽的是 Pletnev plays excerpts from Rachmaninovs Variations on a theme of Corelli op. 42 at Rachmaninovs piano (1999)

Tippett之Corelli主題幻想曲

        對我而言，這張唱片是接觸英國現代作曲家Tippett（1905-1998）最便捷的一張錄音，當初完全是被Ogdon演奏的鋼琴協奏曲所吸引，可是無意間發現Fantasia concertante on a theme of Corelli這首曲子與Corelli之關係，更促使我開始聆聽Tippett。

        反覆聆聽這張物美價廉的專輯，才慢慢接受Tippett的音樂語法而產生共鳴。收錄的第一首曲子Concerto for double string orchestra是Tippett早年的作品，受爵士樂影響頗深，聽來更為舒暢悅耳，第一樂章開始暢快愉悅的聲響就讓人意興飛揚，而第二樂章幽深的情緒相當引人駐足流連。這是一首不需要太多音樂背景就能欣賞的曲子，樂風明暢簡單，仍維持英國作曲家平實悅耳的弦樂傳統，是此張專輯曲目中最容易接受的聲音，對於爵士樂我接觸不多，可是只要能言之成理，融合爵士的古典樂風還是能吸引我的注意。Tippett鋼琴協奏曲深受貝多芬影響，由於Tippett曾在戰時與英國女鋼琴家Myra Hess合作演出貝多芬第四號鋼琴協奏曲，又在戰後聆聽到德國鋼琴大師Giseking的詮釋，驅使Tippett創作這首作品，以回應伯明罕管絃樂團的委託。此首曲子因而也具有貝多芬第四號鋼琴協奏曲溫柔平和的風格。Tippett在曲中，讓鋼琴維持明亮的吟唱漫遊的精神，與貝多芬的音樂一樣，鋼琴在樂曲一開始即吟唱舒卷，再慢慢發展出與樂團應和繽紛的樂章，慢板樂章鋼琴微弱卻堅定的聲響對抗整個樂團，第三樂章Rondo形式表現出舞曲般的特色，熱鬧欣悅，暢快自足。

        Tippett的Corelli主題幻想小協奏曲，乃是因應愛丁堡音樂節慶祝Corelli三百週年誕辰而作的樂曲，Tippett僅以三週的時間就完成。該作乃是以Corelli大協奏曲作品六之二的兩段旋律而展開的七段變奏，並在主題前加入一段導奏，以巴哈BWV578的賦格為主題，而巴哈該曲也是根據Corelli之樂思而來的，Tippett以此曲串聯了從Corelli、Bach一直到自身的音樂傳承，證明了一位優秀的英國現代作曲家，也能與傳統保持深刻的聯繫。而Tippett此曲也遙遙呼應了Vaughan Williams的Fantasia on a Theme by Thomas Tallis，同樣是英國音樂中重要的弦樂曲。聆聽此曲的體驗與前二首不同，更考驗腦力和對音樂織體的追蹤捕捉，此曲豐厚寬廣和深沉的感人力量，超乎前兩首的輕巧和愉悅感，更值得聆聽之耳細細品味，尤其拿出Corelli原作來對照欣賞，更是一大樂趣。

        這是我第一次接觸Tippett的音樂，除了拓寬我對英國音樂的想像，也接觸更多優秀的現代音樂。Tippett的現代音樂，仔細聆聽後覺得平易近人，沒有一般當代音樂晦澀難懂的距離感，親切舒暢。或許是Ogdon的詮釋拉近了我與音樂的關係，讓我更願意嚐鮮而有所獲。


         以下聽的是Tippett 之 Fantasia Concertante on a Theme of Corelli

兩版Corelli主題變奏

        這首錄音剛好Ashkenazy與英國鋼琴家Odgon都有演出，可視為並列第二屆柴可夫斯基鋼琴大賽（1962）冠軍得主的另一種比試。雖然Ashkenazy演奏的錄音是1972年的全盛期，而Odgon的演奏卻是1988年過世前一年的錄音，是因病退隱後又於八零年代後期復出的演奏，兩者相比實在不公。

        這兩位同年出生的鋼琴家，Ashkenazy被視為全集型演奏家保守安全的演奏，而無法與一流大師爭鋒，轉行當指揮也不甚受肯定，更在新秀後勁指揮迭起的浪潮下，被愛樂者擠壓到視域之外，其指揮成就時不如同時轉行當指揮的鋼琴家Barenboim或Pletnev來得風光。我們只好從錄音中感受Ashkenazy的琴韻。而Odgon也因為退隱復出之後聲名無法重振，除了技巧受影響之外，留下的錄音不多也有關係，像此套Odgon演奏的Rachmaninoff鋼琴獨奏錄音，在Odgon生前並未發行，也許Odgon不甚滿意不願將之公諸於世。但還好2002年後EMI發行的這套錄音，才得以讓Odgon更豐富的鋼琴錄音被更多樂迷接觸。

        此首變奏曲，Ashkenazy在全盛期的演奏無疑是更為周全更為豐潤的版本，不僅細膩周延地呈現出Rachmaninoff音樂的細緻美感，而且飽滿精鍊的琴音富思考性的樂曲架構之刻畫，讓此曲跌宕起伏的色澤和生動氣勢淋漓盡致地展現。抒情樂段唯美陰柔，細緻迴腸，相當動人，是Rachmaninoff音樂的正宗詮釋。而繁複動態的樂段也能奔放開闊，氣勢驚人，屬於內斂氣質精美刻畫而又能照應樂曲內在對比能量的詮釋，從此曲可以感受到Ashkenazy建築型規劃安排的詮釋特質，讓曲子既有細部的琢磨又能照應全局，因此也是Rachmaninoff鋼琴協奏曲全集或鋼琴前奏曲等作品最適合入門者聆聽的演奏。

         Odgon的精神氣質則和Ashkenazy深思築構之特質不同。雖然1988年的錄音已無法呈現Odgon全盛時期的驚人技巧，可是從他的詮釋還是可以感受到Odgon自然雄健的明朗特質和光粲飽滿的觸鍵，因此他的演奏相對於Ashkenazy的詮釋就更為一氣呵成，是直率驅力的淋漓表現。細部的琢磨不如Ashkenazy細膩婉轉，可是清新率直的剛健自然，讓Rachmaninoff憂鬱的色澤不再灰色，呈現出大氣健康的奔放流暢。更有超技演奏給予人的暢快過癮感，而他明燦鮮明的琴音色澤和熱情的感染力更讓人欣賞。整體而言，這是不注重細部刻劃而在整體樂曲上表現出流暢飽滿的酣暢氣質，自然神到。如果嫌Rachmaninoff過於陰柔甜膩的抒情，不如聽聽Odgon的詮釋，會對Rachmaninoff的音樂完全改觀。但是Odgon細部不穩的技巧問題仍然存在，不過這是瑕不掩瑜的詮釋，我還是相當欣賞Odgon此版難能可貴的雄渾雅健之力，尤其著名的十五變奏，和Ashkenazy似有若無的惆悵感之描繪相比，Odgon則以清新明暢的樂思發抒，感人的韻味不同，都很有魅力。

        介於兩版錄音時間之間的，手邊還有Cherkassky1987年的錄音，演奏此曲時的Cherkassky已經將近八十歲的高齡，這位老來俏的鋼琴家或許不適合駕馭Rachmaninoff這首技巧繁複的曲目，不過也不流於枯淡蕭索，他還是能照應到音樂的起伏變化，也甚富動感和氣勢（以他此時的年紀有此表現也讓人意外），演奏時間只比Odgon多了一些而已。不過總的說來Cherkassky的詮釋較為自由率性，他的節奏和音色都更為飄忽不定，和Odgon的雄健以及Ashkenazy的細膩周折不同，Cherkassky對此曲的自由發揮，讓聆聽時多了更多不確定感和意外的驚奇，浪漫即興的演奏表現出流暢感，靈巧多變的觸鍵表現出自由感，這些都讓Rachmaninoff曲目中陰鬱的特質淡化不少。

        以下聽的是Rachmaninoff - Corelli Variations ，由 Shura Cherkassky演出

Corelli大協奏曲

        Corelli的作品六之十二首大協奏曲，十多年前已經購入，當時對巴洛克音樂略窺淺嚐，不像此階段做更深入的探索。當時的純粹聆聽，都是依靠主觀直覺來維持與音樂或近或離的關係，因此僅僅保留片段的印象。此次重新聆聽，才發現前幾首樂章似曾相識，也才發現這是備受我冷落的作曲家和曲目。之前返回老家時，刻意尋找，第一次竟然沒找到，後來才發現老家Hyperion的唱片因為側標有無放在不同的櫃子，第二次才又發現這張與有側標的系列放在一起。

        當時對巴洛克的認識，跟現在一樣粗淺，而聽過的作曲家和曲目更顯得蒼白。主要都聚焦在巴哈、韓德爾、維瓦第，聽的也都是名曲中的代表作。但是早期聽音樂已有按照參考書籍作擴充曲目的作法，會按圖索驥從協奏曲順藤摸瓜找到這闕大協奏曲之祖的作品，自然也不意外。此張錄音也是此作品手邊的唯一版本，目前還懶得再找其他版本，或許相對於作品五小提琴奏鳴曲中收錄Folia舞曲更吸引我作版本對話，此作此版已能滿足我目前的聽域。
  &nbsp這組十二首的大協奏曲，同樣可依據樂章間舞曲之有無而分為「da chiesa」（教會奏鳴曲），「da camera」（室內奏鳴曲）。前八首即屬於前者，曲風優雅明暢，與後者更為鮮明變化的活潑感亦可在聽域略作區隔。之前聆聽的印象相當模糊，不過如今我更可以仔細追蹤音樂中獨奏樂器羣solo與樂團合奏tutti之變化應和，甚至獨奏樂器彼此間簡短動機的應答，更讓聆聽充滿趣味，這也是多年聆聽體驗微幅進步的具體感受。Corelli此闕作品典雅中不失流暢，明亮優雅的提琴聲響更是樂曲畫龍點睛的主角。和古典時期後習慣追蹤協奏曲獨奏樂器聲響所培養的聆聽之耳不同，大協奏曲兩者水乳交融，更接近室內樂形式的弦樂團之聲響，小提琴、中提琴、大提琴、低音大提琴、大鍵琴，還有偶爾插入的管風琴和魯特琴，眾樂器眾聲響配置清爽，聽起來格外舒暢悅耳。這樣的音樂適合夜晚聆聽，慢快交錯尚未變成固定僵化的格式，快行板的聲響清新快意，還沒有維瓦第快板中奔放淋漓的力度和變化，因此聽來毫無壓力（可能也跟樂團不走搖滾風有關）。慢板之歌詠，不耽溺不過度抒情投入，反而是清爽自然的簡鍊聲響。各段樂章都十分簡短，因此感覺是不斷跳盪推演前行變化豐富的音樂，不需要耗費太多精神分析音樂，只要感受這股優雅明暢的聲響自然湧現生成，彷彿看著流水反射粼粼的光芒，不斷繼起生滅，自足自成，看似繽紛燦爛，底層卻又是最單純的變化跌宕。聽不慣這種音樂的耳朵，可能會覺得過於單調無趣。聆聽Corelli的作品的確也有聽一首等於聽其他首的感覺，可是仔細感受音樂之豐富肌理，還是可以領會Corelli作品中清新高雅的一面，Corelli某些作曲手法對維瓦第的影響也可約略察覺。

        以下聽的是Corelli: Concerto in D Major Op. 6 No. 4

Liszt西班牙狂想曲

        Folia舞曲作為古調，還保留在Liszt對西班牙的想像創作：西班牙狂想曲（Rhapsodie espagnole）中。這首曲子包含了Folia舞曲主題與幾段變奏，還有西班牙流行的Jota舞曲，在Liszt的創作中融合為一首具有燦爛色彩的西班牙曲風幻想曲。

        如果沒有仔細聽，可能找不到Folia舞曲的主題，還好前一陣子密集聆聽，可以更輕易地辨認出來。在一段稍慢的導奏後，主題出現，與我們熟悉的曲調不同，在主題前加入一個重音，聽起來有點頭重腳輕，進入的幾個變奏都不長，曲風維持沉穩行進的風格，變奏結束後音樂突然變得激昂活潑，透過過度轉入更輕快自由的Jota舞曲，音樂飛揚起來，更吸引聆聽之耳的注意。隨著舞曲不斷變化發展，度過沉靜的樂段後音樂更為燦爛奔放，跳躍舞動的音符讓人耳不暇接。這首曲子短短十幾分鐘，從稍慢的導奏進入沉穩的Folia，再轉到活潑奔放的Jota，展現浪漫主義對異國流行曲調的挪用與改換。更精確地說，Folia舞曲的根源出自葡萄牙，不過在Liszt的接受視域中，已將之視為西班牙風格之產物，透過其鋼琴幻想曲風的改造，讓其呈現出有別於古調本身的鋼琴展技意涵。雖然就此首作品而言，取用Folia舞曲的改寫不如Jota那般繽紛精采，更讓人印象深刻。

        Arrau的西班牙狂想曲不算是首度聆聽此曲的最佳版本，1934年的錄音，細節有不少模糊之處，可是仍然可以聽到三十幾歲的Arrau光輝燦爛的技巧。Arrau此版的演奏一氣呵成，自然暢快，完全沒有中晚年時對音樂著墨甚深的思考和刻畫，取而代之的是手指的快速運動和明亮清晰的音符，即使錄音不佳，仍可以鮮明感受到Arrau所傳達的奔放氣勢和跌宕起伏的豪邁之情，聽來相當過癮。可惜此曲Arrau的演奏手邊只有此一版本，不清楚後來Arrau是否還有不同時期的版本。

        此張錄音對我還有不同的意義，正是透過Arrau在此張錄音中所演奏的幾首Liszt鋼琴獨奏作品（西班牙狂想曲除外），讓我充分感受到Liszt這位浪漫時代最偉大的鋼琴演奏家，其作品不完全是炫技浮誇的作風，還有繽紛燦爛的光影音色和深沉悠然的音樂深度可以採擷，而讓我開始注意聆聽Liszt的鋼琴作品。專輯中收錄的Liszt「艾斯特莊園的噴泉（水的嬉戲）」，Arrau賦予此首曲子幽深的意涵，搭配圓潤燦爛的音色，色澤明燦又寓有意境悠遠之感受，讓我深深喜愛。和拉威爾純粹光影變化的感官享受不同，Liszt賦予此曲宗教哲學的意涵，Arrau憑藉其深厚的素養和扎實的技巧，讓此音樂不流於平淺表層，剛好適合深思性格的我，也不會對更偏向展技作風的Liszt產生排斥和漠視。於是我開始注意Liszt巡禮之年鋼琴曲中其他更動人的曲子，而走入晚年Liszt深邃孤寂的音樂世界中。從我的聆樂感受，蕭邦音樂的詩意華美是採之不竭的自然氣質，最早聆聽喜愛的也是詩人氣質的蕭邦，雖然閱讀音樂史料的時候，對於Liszt早年浮誇浪漫的作風感到反感，可是在實際的聆聽上，我卻不因此否定Liszt音樂中透過技巧繁複構築的知性精神。兩位不同氣質的鋼琴大師都不能偏廢，各有美的感動足以洗滌心靈，屬性不同，當各取所需。

        以下聽的是 Liszt 之Rhapsodie Espagnole，阿勞1933年的演出

Menuhin與Perlman之Folia

       Menuhin（1916-1999）EMI錄音全集之46輯，收錄他演奏的Folia舞曲，還有另外兩首Corelli的作品5之奏鳴曲，演奏形式接近Huggett版，數字低音也採取大鍵琴和大提琴，不過兩者的表現風格差距甚大。

        這是Menuhin六十幾歲的作品，早已不能期待他能表現出剛出道時技驚四座的自然天成，流暢自如的表情也早已不再，退化的技巧明顯可感，Menuhin早被一些耳尖的樂迷排除於大師之外，可是這樣的演奏在剝除了對技巧的迷戀後，卻能呈現出音樂的真實情感與平實風格，如果能欣賞Szigeti 粗礫琴音背後的精神力量，Menuhin同樣能引領我們的聆聽之耳到達人性化的聲音世界。當然，Menuhin達不到Szigeti的沉雄深厚，可是他自然清勁的樸實之聲，挖掘出音樂所隱藏的感情幅度，比Szigeti之渾厚深邃多了些秀麗之氣。不排斥巴洛克音樂走向內省化、醇雅琴音的傳統詮釋，可以聽聽Menuhin的演奏，像從Huggett版蛻變成Szigeti，自有其內斂的感情力量，雖然版本的選擇上接近Huggett，可是兩版細部的聲響仍有不同，相信是採用不同的Corelli之編譜而然。如果無法接受這樣的復古風格（實際上Menuhin的音樂氣質更接近十九世紀的老大師），那麼流利奔放的Huggett，還是對巴洛克精神還原再現之最佳選擇。不過聆聽Menuhin此版最大的意外收穫，就是同時聽到同一張唱片中收錄的Purcell（1659-1695）小提琴奏鳴曲，這位英國巴洛克作曲家走著自己的道路，小提琴奏鳴曲的大協奏曲形式表現出不同的對位聲響，這樣的聆聽也拓展了我的聽域。

        手邊最後一個小提琴演奏的版本是Perlman1992年的錄音，Perlman選擇了和Shumsky一樣的Kreisler改編版，表現得比Shumsky更為清麗明燦，技巧也更為完備。不過相對於Shumsky醇厚的歲月痕跡，Perlman之詮釋則過於細膩柔媚，琴音的質地也更為柔美動人，細緻婉轉之刻畫，入木三分，屬於抒情緜邈的清秀詮釋，有時候則過於淒厲唯美。是小提琴修飾化，美化的美聲之體現，和Szigeti大氣磅薄不假修飾的雄厚力量恰成對照。此次的聆聽從Szigeti開始，插入Geminiani與Vivaldi不同作曲家的作品對照，最後以Perlman結束，除了大鍵琴的版本之外，這些聆聽都是Folia舞曲在弦樂上的表現。

        最後還是附上時間對照表，不過這次的比較由於各版根據的改編曲譜不同，樂曲本身不同，錄音時間的長短比較已無意義，僅作為參考用。

        以下聽的是Yehudi Menuhin 演奏 "La Follia"(Corelli)，1930年的版本

Rachmaninoff之Corelli變奏曲

        最早接觸到俄國鋼琴家及作曲大師拉赫曼尼諾夫（Rachmaninoff,1873-1943）的Variations on a theme by Corelli,Op42，就是透過Ashkenazy（1937- ）收錄在此專輯的演奏。是我手邊二十世紀偉大鋼琴家全集中此曲目唯一的一版（此全集收錄的另一個版本是Watts，1968年版，不過我因為對Watts沒有太多興趣而錯過此片），除了顯示出在這兩人之前Rachmaninoff的這首作品不太受重視（直到80年代後此曲的錄音版本才多了起來），也顯示出Ashkenazy對此曲的詮釋有獨特的代表性。

        相對於同時期的俄國作曲家普羅高菲夫、史特拉汶斯基更鮮明的現代感，Rachmaninoff的作品往往被批評為過於懷舊過於抒情，而被歸為舊傳統的餘緒。可是Rachmaninoff力抗傳統的原因，在於他真實地面對自己的感受，寫出感動自己也感動聆聽之耳的作品，不追逐流行的反潮流，不代表他的音樂沒有感人和獨創之處。而Ashkenazy在Rachmaninoff還不受重視的時期就錄製不少他的曲目以推廣拉氏的音樂（包含前奏曲和鋼琴協奏曲全集）而獲得極高的評價，雖然Ashkenazy往往被視為保守安全無特色的全集型演奏家而在愛樂者心中矮了一截，可是作為俄國鋼琴學派中Igumnov一系之傳人（前承Oborin），習慣Neuhaus派（Richter & Gilels）的聆聽之耳，也應該挪出一點空間，來聆聽不同的俄國聲響美學，全盛時期的Ashkenazy自有其個人特色，不該被輕易忘卻。

        Rachmaninoff這首變奏曲，是晚年鋼琴獨奏曲中的代表作，採納巴洛克古調為創作靈感之來源，也是對過往傳統的嚮往和重新詮釋。此首曲子共二十三段音樂，扣除主題與終曲，總共二十段變奏，各變奏短則不到二十秒，長則一分五十秒（最長的就是最美的第十五變奏）。比較特別的是十三變奏與十四變奏間插入一首間奏曲（Intermezzo），似乎是調節舒緩兩變奏間的情緒。主題再現出現在第十四變奏和終曲，因此可將主題到十三變奏視為快板的第一段，是音樂逐漸積聚力量開展的樂段，其中第七變奏是匯聚的第一個高潮，第八、九變奏又迴盪返回抒情優美的樂段，最後累積前行到第十二、十三變奏又是另一段高潮。第十四、十五變奏可視為中段慢板音樂，主題再次回歸，鮮明可辨，最感動我的聲響出現在兩個變奏之間，當十五變奏之優美旋律漂浮傾訴而浮現，Rachmaninoff寫出了比主題更為感人的樂思，前塵往事悠悠惆悵如蠶吐絲般一一被牽引，囈語清透的旋律卻飽含深沉的追思感情，聽著聽著，我想到了海上鋼琴師電影中，主角對著可望而不可即的女主角隨手演奏的抒情旋律，兩者有同樣的感情空間所漾開的失落或追念感，簡單的音符搭配不濫情的傾訴，遂讓此樂章成為此曲最難忘的景致。十六變奏以後到終曲，展開新的樂思，更為奔放淋漓，暢快舒卷，十足展現Rachmaninoff音樂中艱澀技巧和燦爛豐富的和聲，聽來十分過癮，可是最後的結束不是浩大壯麗的收場，而又回到反高潮的低吟，實現對古調精神的回歸。最後，關於Ashkenazy的演奏特色，就留待下次比較再談了。

        以下聽的是Rachmaninov - Variations on a Theme of Corelli，由 Ashkenazy 演出

Folia舞曲的不同讀法

        這張錄音是Folia舞曲系列風景中要插入的意外驚喜，是偶遇唱片的因緣際會，卻也是Corelli音樂最讓人意外的新鮮變貌。

        之前對此曲的聆聽印象，尤其是小提琴奏鳴曲的版本，受Grumiaux版影響，一直以為小提琴與大鍵琴是最基本的搭配。直到Vivaldi小提琴奏鳴曲卻以古樂團合奏，讓奏鳴曲的聆聽介於室內樂與協奏曲之間，而有了嶄新的體驗。同樣的，此版Corelli小提琴奏鳴曲也以小提琴搭配大鍵琴、大提琴，有時候是管風琴和巴洛克吉他，繽紛生動的聲響，完全打破了我對此曲的想像。

        Corelli作品五的小提琴奏鳴曲，包含了十二首奏鳴曲，除了最後一首Folia舞曲單樂章之外，其餘的奏鳴曲四、五樂章不等。Vivaldi的Folia曲也是作品一十二首小提琴奏鳴曲的最後一首，在此都可以看出Corelli的影響，把最出格最出色的樂思壓軸呈現。十一首奏鳴曲中，前六首在形式上可歸為「教會奏鳴曲」（sonata da chiesa），後五首是「室內奏鳴曲」（sonata da camera），前者大都為五樂章，曲風較為嚴謹，曲意也較為端整；後者則自由富有變化，乃是因為樂章中採入了不少舞曲如庫朗、薩拉邦德、吉格、阿勒曼，在聆聽上更讓人心動神馳。與Grumiaux版最大的差別，在於數字低音羣的豐富，主要了搭配大提琴與大鍵琴，低音的聲響更為飽滿，有時候換為管風琴或吉他，更是別有韻味。雖然Corelli譜曲的原意以二重奏為主，可是數字低音的豐富也產生的新的聆樂體驗。而此版的提琴演奏，也採納了當時流行的版本之一，在小提琴的裝飾音上有更豐富的表現，因此此版比Grumiaux的詮釋更為豐富，明亮的琴音樸實的感情也與Grumiaux之優美動人不同。

        Folia舞曲尤其是此版中最精采的詮釋，小提琴、大鍵琴、大提琴、吉它共同譜寫出Corelli音樂中新的可能。不讓Vivaldi之Folia曲生動狂放的表現專美於前，此版最畫龍點睛的聲響在於吉他的加入，也是讓此曲更接近古調的野性力量之來源。Huggett的詮釋也不以綿長線條為抒情聲響的鋪陳，他用更鮮明的短句和斷奏，讓此曲更為生動活潑，徹底打破Corelli之譜寫給予人宮廷端莊的片面印象，帶入了更為奔放淋漓的節奏感，於是Corelli此曲盤旋往復的迭宕變化，就比Vivaldi之作更為鮮明，雖然最後的高潮點不如Vivaldi之作來得盡興飛揚，可是如此清爽活潑的Corelli，又能保有Corelli提琴優美抒情的感染力，不能不說是聽域上最讓人驚奇的巧遇。

         以下聽的是Corelli Sonate Op.5 n°12 "La Follia"

Milstein1959年之Folia

        俄國小提琴大師Milstein於1959年留下Folia舞曲的錄音，手邊有最早買的6CD套裝（1993年發行）與後來買的4CD套裝（2007年發行）都收錄這份錄音。稍微比較過發現錄音品質還是最早的發行最為明亮飽滿，2007年版遜色不少，而近期發行的Icon套裝因為對轉錄品質的疑慮而不再蒐集，雖然後買占盡便宜，不過早買早享受，畢竟這六張CD一直陪伴我許久。

        這兩套錄音有部份曲目重複，不過合而觀之可以聽見俄國小提琴大師對於巴洛克音樂的詮釋觀點，尤其是Vivaldi的協奏曲和奏鳴曲，Milstein都留下比同輩份的俄國大師更豐富的錄音。而Milstein和Grumiaux也是我所聽過的小提琴大師中，對巴洛克時期的曲目留下較多的詮釋錄音，這也許跟他們純淨完美的琴音在風格上更貼合古典以前的音樂世界有關，而聆聽兩位大師的演奏，自然跟時下流行的古樂色調大異其趣。比如Milstein的Vivaldi協奏曲詮釋，從飽受古樂洗禮的聆聽來回顧，會覺得是上一種世代一去不返的詮釋，可是某方面而言，更透出單純簡鍊的自然深度。不走透明輕快的風格不代表音樂不能讓心靈感動，有時候這是一種更簡單更專注的聲音發抒，我不會輕易貼上不合時宜或不對味的標籤，無論演奏樣式或詮釋理念有何差異，音樂最終只是訴諸個人的悸動，簡單直接，如此而已。

        必然要談到Folia舞曲，雖然Vivaldi與Pergolesi各是兩條拋出去就不容易捲回的樂思，也是最美麗的意外景致。Milstein的Folia，是極度內斂簡潔的，明亮鮮潔的琴音和Szigeti蒼勁枯槁的沉滯感恰成對比，Szigeti是極度挖掘的沉厚音響，技巧無法與Milstein飽滿明暢的完美性相比，可是就精神內在的開拓上，兩版各擅勝場，Szigeti彷如滄桑老人吐納世事，沉浸在回憶中任心情緩緩發酵；而Milstein就是孤絕地遨遊天地，琴音的轉折舞動自然清暢，清冷的琴音同樣透露出不合時宜的清寂感。兩版的演奏時間差了將近四分鐘，Milstein的演奏速度雖更為自然明快，可是內斂簡潔的琴音卻蘊蓄了飽滿的情感，與Szigeti吐納咀嚼情感之寬厚幅度，同樣具有深沉的感染力。兩版是外在表現形式差距最大，可是內在精神力量卻最接近的詮釋。

         以下聽的是Milstein 演奏 Corelli's La Folia Variations