發文心情及猜一猜

        這張唱片，也是聽了一兩個月，遲遲未動筆書寫的音樂。經營部落格各有其甘苦和訣竅，從我安排聽音樂的活動來看，前後已有不同的轉變。前年某段時間幾乎每一、兩天發文，這時候往往先鎖定唱片，聽了幾次後，找到發抒的途徑和靈感，時機成熟後，耗費一小時左右鋪敘成文，熱騰騰的文字感受馬上端上桌。然後再搜尋下一篇文字的靈感來源，趁興而寫，就這樣持續了一段時間。這樣的方式，必須有源源不絕的片單，和隨時有話說的語態，否則就會開天窗。要達成這樣的書寫，進入寫作狀態時，專注力和情感的湧現得到協調，自然會有成果。其先決條件，則是生活中沒有太多的干擾，沒有太多工作或待完成的事項，就可以每天進行。記得去年、前年在這樣的狀態下，留下不少動人的文字和興致一來的感動時刻，這樣的書寫，必須天時地利人和，所有狀態調配適切，因此也是相當不容易的產物。樂多所鼓吹的夏日部落格大賽，強調天天發文滿一個月，有獎品可領，看似困難，實際上對我而言，這樣的旅程早已克服過，留下美好的風景，作為曾經達成的指標而存在著。因此，這樣的獎勵活動讓我興趣缺缺，看著不少英雄競折腰，曾經也起心動念過，最後也作罷。因為目前的時空條件、目前的生活狀態，不允許每天耗費太多時間在網誌上。

        但是聽音樂的活動，依然持續進行著，當發文有幾天空白的時候，音樂依然在我耳畔響起。聽對我而言，是在簡單不過的事情，是日常生活中不可或缺的一環，寫反而變成更困難的活動，而寫得深有共鳴、發自肺腑，筆鋒常帶感染力，則成為更困難的適性成果。不過相應於先前寫完網誌後，再找出下一張唱片聆聽的模式，為了不讓寫變成不得不寫的壓力，我讓聆聽的活動發展成遍地開花的模式，也就是同時聆聽好幾張不同類型的、不同風格、時代的唱片，然後從中發掘書寫的觸興。幸運的時候，聽個一兩次，就會湧現自發性的共鳴，如斯狀態下，賦筆成文，一洩千里，很快就完成，可以和樂友見面。但有時候偏偏怎麼聽怎麼冷感，音樂就像難以穿越的圍籬，兀自矗立著，任憑聆聽的浪潮擊打也屹立不搖，就這樣唱片被我放在一旁。累積幾次後，會讓人有氣餒的感受，但我還是不定時拿出唱片，反覆聆聽，期盼有天可以撞破高牆，採擷高牆後煥然一新的場景。對我而言，這樣的經驗不能太多，否則會讓人對古典音樂失去興趣，但這樣的經驗又不能太少，否則聆聽也會一再舊地重遊，毫無新鮮感可言。這種經驗，往往發生在我刻意聆聽先前很少接觸的陌生作曲家，陌生的曲目，這是奇異的聽域冒險，有時候很快產生共鳴而有成果，比如先前寫過的英國作曲家柯特比的音樂。但有時候也充滿了讓人灰心的陷阱。但是根據我先前幾次鍥而不捨的追蹤經驗，擊碎陌生的硬殼，往往得到的也是最珍貴的體驗，第一手的感動，透過自己的挖掘而得來，經過苦心費力的冒險，灑下的血淚交織，無形中的回饋也最多。

        牽拖灌水了這麼多字，正主兒都還沒有提到一筆。豈不怪哉？既然費勁辛苦才對這音樂產生共鳴，僅僅留下一篇文字豈不符合比例原則?這次就讓我賣個關子，留下一些線索，讓大家猜猜我聽的是哪兩位作曲家的音樂？

線索一：冷門的曲目，浪漫時代鋼琴協奏曲系列
線索二：兩位英國作曲家
線索三：作曲家A，有一首冷門的大提琴協奏曲，由著名的女大提琴家演出，成為經典。作曲家A的音樂以描述英國鄉間景致的管絃樂曲著名。
線索四：作曲家B，先前在網誌分享過一兩首鋼琴獨奏曲，由英國鋼琴家演出，讓我驚艷的小曲。這位鋼琴家曾在國際鋼琴大賽中與另一位俄國鋼琴家並列金牌。

能馬上找到答案的，除了是資深樂友，也是長期支持本網誌的朋友。結果明天揭曉!

孟德爾頌交響曲Lobgesang

         Mendelssohn第二號交響曲「Lobgesang」（Hymn of Praise，讚美頌歌），是繼1830年第五號交響曲「宗教改革」之後，同樣以交響曲的形式處理宗教聖歌的素材，而將第五號交響曲未付諸實現的人聲納入譜寫中，形成了兼具世俗性與神聖性，容納器樂與聲樂的交響曲作品。

        這樣的作品，馬上讓人聯想到貝多芬的第九號交響曲，以及馬勒帶有人聲歌唱的幾首交響曲。但是與貝多芬從繁複巨大的管絃樂陰影中突圍而出的自由歡暢相比，Mendelssohn此作，沒有這種掙扎奮鬥的氣魄和人性的光輝，更偏向於宗教讚頌氛圍的高貴性與崇高性的節慶色澤。與馬勒交錯著寂寞、思索生死邊界的人聲吟唱相比，Mendelssohn此作，沒有馬勒糾葛晦澀的心緒，而充滿了正向光明的升騰力量。Mendelssohn透過聖經中聖詩的讚頌，傳達全心仰望上帝之光的崇高氛圍，交響器樂與人聲是二合一的協同歌詠。與其視為交響曲，不妨以神劇或讚美詩篇的宗教合唱曲來聆聽，更能進入Mendelssohn鋪陳的宗教光韻之世界中。

        關於此曲的創作背景以及音樂史的意義和混合器樂聲樂的獨特性，樂友Mingus兄已有詳盡周到的長文分析，有心者可參考。Masur指揮的這個版本十多年前早已收藏，當時也聽了幾次，比先前在網誌分享過的第一、五號交響曲的專輯更常聽，也更喜歡。但當時對於Mendelssohn此曲人聲詠歌之音樂，較無法領略其動聽之處，也許跟大型宗教合唱曲聽得較少有關。但經過這幾年的洗禮，我更能感受Mendelssohn在這首交響曲巧妙融合器樂與人聲，形塑光輝聖潔的宗教氛圍，其音樂之鮮活明暢、歡騰飽滿，都有能讓人精神鼓舞的提振作用。關於此曲，有幾點心得可說：一，首樂章一開始由號角帶出的響亮主題，是最能讓我觸興高舉的音樂，此號角主題不僅回盪在第一樂章之間，於結尾再次揚起，而後才靜默地銜接第二樂章。透過這個主題，讓此曲的宗教氛圍不流於沉悶、說教，而有著世俗亮麗熱鬧的氣息。二，號角主題除了在第一樂章末尾重現，也是第四樂章開始引領人聲豋場不可或缺的推力。經過兩個樂章十幾分鐘的音樂，主題再現，提醒聽者進入另一階段的高潮，此處可初步感受到Mendelssohn此曲人聲與器樂二合一共詠的讚頌功能。三，在此交響曲結束之前，號角主題再次回顧般地出現，如同第一樂章的結構一般，因此第一樂章彷彿整首交響曲的縮影。透過音樂的再現讓情感再次從終曲銜接一開始的壯麗歡騰，遂讓詠歌自成循環般生生不息。第四，十幾曲人聲的歌唱中，讓我印象深刻的是第六曲與第七曲之間的音樂。這是黑暗與光明之間的轉折，Mendelssohn讓音樂從充滿情緒張力、晦暗的夜色中突圍而出，展現光明綻放的力量，透過音樂描寫黑暗的潰敗與消失，這是讓我震撼而感動的時刻。

        由於純粹精神力量的流布，此曲幾乎沒有掙扎、悲傷、失落的顏色，在Mendelssohn幾首交響曲的光譜中，這是最為飽滿亮眼而純淨的一曲。也因此器樂與人聲之間，合作無間地為上帝賦予眾生光明、啟迪的詠歌背書，形成非常獨特的交響曲地誌。但過於完美的事物，反而是一種匱缺，僅可以偶一觀覽，灌頂般獲得被滌淨的清爽感，但水清無魚，也無法久處。有時候我們更需要馬勒般的沉溺、徬徨與消沉，如此方能印證同樣身而為人的渺小性；有時候我們更需要貝多芬的突圍、抗爭、破繭而出，如此方能提振卑微的生命，獲得與環境、命運抗爭的昂然力量。然而，在紛雜的人世中，我們依然需要有像Mendelssohn專一、純粹的音樂存在，如同中秋皎潔的明月，逗引著暗夜中所有應景而來仰望之眼，雖然我們平常可能很少瞥視它一眼，尤其它半圓不圓的時候。

以下聽的是第二號交響曲第一樂章(後半段點選其二續聽，但其二包含了第二樂章的音樂)

以下聽的是第二號交響曲最後一曲

無伴奏Viol琴的飄邈餘韻

        無伴奏大提琴曲的渾樸聲響，是一種難得的遇合，不一定能愜意滿足，所幸我們還有更飄邈空靈的Viol琴音，古大提琴（gamba）的悠遠共鳴，更為細膩清雅，可以代替大提琴的淳厚歌詠，讓聆樂的斗室，依然能標盪著無伴奏的悠揚之音。

        這張無伴奏viol琴的專輯，在探究Marais系列的聆聽時早已購入，卻遲遲未動筆書寫。這幾個月來斷斷續續地拿出來聆聽，讓自己沉浸在古大提琴交疊共響的低吟氛圍中，卻只是偶然適興地讓音樂流瀉著，不定時鳴響，不想破壞這份靜謐淡雅的情境，也不想追究作曲家的生平資料或歷史定位。知性退位，且讓感情隨琴音漫入天際，蜿蜒滑入心間的小徑。盈滿的空寂之情，就讓我細細收藏，裝入酒罈中，且供數日遐想入味之用。實際上我隱隱然不敢碰觸的，竟是書寫後的空白，封存音樂感動之後，還剩下什麼？

        是的，每次完成一篇網誌，彷彿掏出了些心情餘瀝，是感動共鳴封藏成方塊空間的結晶，有著摸索、恍然、傾洩、放鬆、滿足的心路生產線。完成一篇，吐出了一些東西，也回收一些書寫的反饋，然後，唱片就被我暫時（或永久）安置入架上，不一定(不會的可能性會更大一些)會再溫習這段心情，畢竟同時間還有許多唱片於一旁排隊，等待我情緒匯合之後的筆觸流淌，更還有一些待寫的規劃、想聽的念頭不斷翻湧著，有些唱片中選，有些則繼續沉寂。

        對於這張唱片，我怕的就是揭露其神秘力量後的遺忘，不再迴響在斗室，這該是怎樣的錯過啊！這幾天集中心力反覆聆聽，可以肯定的是，這樣的音樂永遠聽不膩，會永遠逗引著聆聽之耳的探尋，因為，恍如海潮般獨吟卻深闊的世界，是永遠也不曾忘卻的美麗。收錄的作曲家，除了較為知名的Telemann（1681-1767），還有先前探究過的Marais（1656-1728）之外，其餘的名字對我而言都很陌生。曾在網路上讀過樂友關於Abel（1723-1787）的介紹，如今也在專輯中第一次聽到他的音樂。其它如Tobias Hume（c.1569-1645）、Le Sieur Demachy（fl.1685-1692）、Johan Schenck（1660-c.1712）、August Kühnel（1645-c.1700），都是我不曾聽過的巴洛克作曲家。此外，還收錄了兩位二十世紀作曲家Richard Cornell（1946- ）、John Joubert（1927- ）的音樂。這幾乎是新鮮的冒險，讓人陶醉的美好聲音。Hume的樂曲出版於1605年，可說是最早的無伴奏Viol音樂之一，其作以奇詭新鮮著稱，因此聽來毫不沉悶平實。Demachy則對法國Viol學派貢獻良多，有許多創新之舉。Schenck是荷蘭Viol琴超技大師，卻在德國工作、發展，他的作品以其孤絕多變的技巧和幽微的意境讓我驚艷，充滿自由的精神和戲劇化想像力的發展。Kühnel的超技演出，則是在英法等地旅遊所吸納的演奏技巧，他在德國許多城鎮工作，深受德國人喜愛。Telemann的無伴奏曲，雖以小提琴、長笛知名，他對Viol琴的譜寫不多，不過他對這項樂器的熟悉則是可信的，此曲對於Viol琴的詠歎能力有所開發。Viol是Abel最喜愛的樂器，他的音樂展現了Viol琴的優雅和詩意。Cornell譜寫的作品乃是題獻給本片的獨奏者Cunningham，兩人在求學時期結識，Cornell運用了十三世紀吟遊詩人的主題譜寫變奏曲，古意與現代感的結合，別有一番滋味。而Joubert的作品，則是題獻給早逝的吉他獨奏家Tunnicliffe，取自Purcell歌劇Dido and Aeneas中的音樂，是空寂中流露感傷之情的樂曲。兩位現代作曲家的樂曲，雖然援引古調，依然可鮮明地聽出屬於現代感清冷的音樂表情，和巴洛克時期柔美清颺的豐厚共鳴依然有別。

        我喜歡這些不知名作曲家的樂曲，百聽不厭的Viol獨吟，時而盤旋舞動，時而揚起炫技，時而低訴共鳴，時而餘韻交疊，一把琴幻化出對語共振的聲響，彷彿月下起舞，對影成三，清冷幽寂中，微微盪漾著空氣中的寒意，虛實交錯間，點點滴滴，潺湲入聽者的心間。夜更深了。

以下聽的是Abel - Four Pieces for Bass Viol (Viola da Gamba)，由Sarah Cunningham演出

舊作--無題詩(系列終)

無題詩

如何讓心事凍結
一個夜晚的體溫夠不夠?

海在呼嘯    風提早
輾碎
河床裸露的鵝卵石    哭泣
是失足的晨星     夜半時分
我枕著回憶
細細梳洗蒙塵的蝶翼


推開妳的心情      夜色迷濛
有我難以企及的
清揚飛舞
該是放舟遠行了吧
默默是黃昏的山間小徑
靜待晚鍾揭起
浪遊的足跡

如同那個傍晚
我悄悄在苔葉上刻下妳的名字

如同那道流星
劃出一痕光影
我伸手
捕捉不可能的風    和
不可能的妳

                                                        久未有詩作
                                                       且新釀一罈細細發酵

                                                青橘子 二00二，五，十八

        後記:在網誌上摘錄新詩舊作，過過詩癮，終於要結束了!也許有讀者覺得此系列只不過是充充版面篇數，也許有人乾脆直接跳過，不過這對我是一段記憶的回顧，鍍上過往感傷、放聲而歌的獨遊印記，是一段難以磨滅的歲月。我用不太擅長的文字，紀錄自己搥打意念、詩興的歷程，留下了六十多篇詩作。因為稚嫩的緣故，因為羞於啟齒的緣故，前前後後只選了三十多首詩，與陌生或相識的朋友分享。如此拙劣的練習，跟所謂的詩人沾不上邊，卻讓我過足詩癮，激發出許多寫詩之前無法想像的意象翻湧、情緒片痕。大多是情緒鼓盪飛馳、意念電轉間搓糅而出的聲響、語句、心象，隨各種機緣擴充、修改，而漫成一段文字因緣。我不需要猜測電腦的彼端是怎樣的心靈探測著這些文字，共鳴與否、感動與否、嗤笑與否、譏評與否，都與我沒有關係。這些詩興的灌溉，大都在空白紙張上進行，幾經修改，最後被仔細地謄抄在一本記事簿中。刻意挑選的簿子，空白無行線的隔分，正適合文字的蔓延吞吐，而自成線條空間。這些線痕，有時候是福至心靈的詩句噴湧，有時候是刻意把捉、自我挑戰的產物，也映照著十多年前的那段青澀歲月，如何讀詩、嗟嘆、自傷、獨語的黯淡時光。即使如此，還是有可以回味咀嚼的文字遺跡，可作為紀念。未來想必無法再有同樣的情懷破格出土，時空遷變，即使再寫，也完全是不同的筆調、口吻和題材。還會再寫嗎?有許多想做的事情，想寫舊詩，想刻章，想讀小說，生活的軌跡早已不容許如年少般清閒無事地探索著文學、藝術的邊界，廣泛的興趣也必然得縮減。現階段，至少我還能聽音樂、寫書法，就是難得的奢侈了!新詩?現代詩?不可能成為詩人，就讓生活、音樂、書法，都充滿著詩的意境吧!

渾樸自然的無伴奏詠歌

        當唱片中大提琴的音符在空氣中鳴響震動之時，我倒抽了一口氣，低聲驚嘆：「這就是我要的聲音」！

        在大提琴的世界尋尋覓覓，過盡千帆皆不是，依然守著巴哈的無伴奏或者是這一兩年的新歡小Colombe的古大提琴曲，是無伴奏大提琴低吟詠嘆的兩種色調。但我還是不知足，無法填補的美感口慾，期盼在大提琴無伴奏的世界中挖掘出更多讓人低迴難忘的雋永聲響。二十世紀無伴奏大提琴曲的數量變多了，可是無論是雷格、高大宜、巴爾扥克、布瑞頓等作曲家的大提琴音樂，早已沾染現代音樂拗口的節奏與滯澀的旋律，伴隨著對心靈世界探勘的創新性，雖然具有新鮮銳利的現代感，可是技巧、樂思展現之際，總在無形中犧牲了某些純淨渾樸的本性流露，反而需要聽者耗費精神不斷地接收、探究，雖然與現代人荒寒孤寂的情境或有切合之處，但卻不耐久聽，無法作為自在安頓，沁心休憩的園地。

        於是我只好往巴洛克時期翻找這股空中樓閣般的感動。有幸發現了Marais典雅清暢的法式古大提琴之音，流連忘返了許久。可是饑渴的聆聽之耳不曾飽足，於是我持續尋覓著，找不到無伴奏大提琴曲，只好勉強用大提琴奏鳴曲充飢解渴，但距離理想中的悠游境地依然隔了一層。這股網羅的動力久而久之成為蒐片過程中的下意識反應，只要看到側標寫到無伴奏三個字，就讓我眼睛一亮，終於，在漫漫長路的尋覓之下，讓我發現這張比巴哈無伴奏更早的大提琴獨吟世界。

        激盪我的心靈，讓我共振不已的是，這裡的大提琴聲響，絕不是如練習曲般的枯燥乏味，而是注入了作曲家Antonii（1636-1687）的創意巧思和對靈活、大膽技巧的開拓，更不用說獨屬於義大利Bologna地區的歌詠風格，更讓這樣的樂曲具有恬靜溫潤的宜人氣質。現今對於Antonii的生平所知甚少，只知道他生前擔任過San Petronio中管風琴師與唱詩班的一員，也是Concerto Palatino中的長號手。這組十二首無伴奏大提琴曲，可能是巴哈之前最早以無伴奏形式譜寫的大提琴音樂。此組作品對於大提琴響度的探討以及超技的手法，都有所著墨。和聲上變化豐富，左手的敏捷度和右手多變的弓法，以及如歌般的口吻，融音樂性與技巧性於一體，再加上間隔幾百年的歷史況味，積澱其中的不只是一種曠古之幽情而已！當大提琴的共振，迴響於斗室間，讓人倏忽之間忘卻肉身與塵俗之障蔽難分難解的勾連，而獲得一種清靜安穩的簡易力量。這是穿透時空而來的精神氛圍，提醒我們純樸真性之可貴。空寂的大提琴，琴音翻騰著，跌宕如歌著，不知不覺間，聆聽的心境也跟著澄靜空靈了起來。虛空中有飽滿的力量貫穿而過，彷彿提挈著我，回溯歷史的激流，返回那幾年的義大利，望著作曲家在樂譜與樂器之間蜿蜒而出的樂念之河，低吟共鳴的溫暖之音流瀉不已。但願這悠悠琴音之河，可以讓有心如我者銜杯臨河，曲水流觴間陶然共樂，忘憂療苦。更可乘興相與枕藉，莫逆一笑，悠然愜意，斯願既足，不知東方之已白！

        唱盤反轉間，我又回到了現實，唯有己身獨然自處。因此甚恨：此樂何短之甚！的確，一張專輯的大提琴詠歌，十二段樂章的巧遇，只維持了五十分鐘出頭就戛然而止，讓人深感遺憾與不足！再次催動唱盤，連綿凝思的樂音再次響起，我心難忘的節奏，刻痕再次深切，悠悠鳴響再次撥動心弦，這一次，秋意更濃了。

以下聽的是專輯中第二曲Ricercata seconda sopra il Violoncello

Liszt浮士德交響曲

        最早透過伯恩斯坦DG版的錄音，接觸到李斯特浮士德交響曲，只是對李斯特管絃樂曲的淺嚐，當時既沒有深入研究，更沒有因此迷戀李斯特的樂曲。這張馬舒指揮的交響詩及浮士德交響曲錄音，也是同時購入的。還有一張這幾年購入的Horenstein版，則是衝著指揮家而買，跟作曲家毫無關係。可以這麼說，對於這首樂曲，我不熱衷於版本比較，僅有的三版幾乎都是看在指揮家的面子上而收藏的。

        但當我深入聆聽這首樂曲，以及李斯特其他文學意味濃厚，充滿浪漫狂飆精神的交響詩作品，即使讓我有浮誇刺耳、不耐久聽的感受，卻也有更多新鮮的體會。作為鋼琴帝王的李斯特，在鋼琴的細膩抒情性上，或許不如蕭邦的純粹豐美、瑰麗自然，但作為熟諳管絃樂創作的作曲家，李斯特的交響詩或交響曲之作，絕對遠遠超過蕭邦稚嫩的譜寫，只不過李斯特交響詩作曲家的成就，被其鋼琴曲所掩蓋，實際上，在傳遞浪漫精神的影響上，李斯特的地位絕不能忽視，透過交響詩的聆聽，讓我對李斯特的定位產生改變。浪漫主義的火炬由他傳遞到華格納、馬勒、理查史特勞斯身上，更不用說引領了交響詩創作的潮流。他多元的影響力，不應該和鋼琴詩人蕭邦作比較，即使蕭邦細膩動人和豐沛純美的鋼琴曲，更有直指人心訴諸情感的感染力，李斯特的鋼琴曲，則蒙上炫技的陰影而被視為工匠浮誇之作，但他的鋼琴曲也有深思動人之意境，其管絃樂曲更不應該被忽視。聽過此版的浮士德交響曲後，我認為現在重新認識李斯特還不晚。

        這首李斯特最著名的管絃樂曲，經歷了二十多年構思醞釀的過程，最終在1857年完成。早在1830年間，法國作曲家白遼士就向李斯特介紹歌德浮士德之法譯本，在這之前，白遼士幻想交響曲已經對李斯特產生巨大的衝擊。隔年，他又見識到帕格尼尼鬼魅般的演奏，讓他決心透過鋼琴表現超人般的炫技和風靡眾生的魔力，日後果真如此，李斯特成為琴鍵上呼風喚雨的巨匠，而在管絃樂曲上也承繼白遼士的標題書寫，開創了交響詩的體裁。早在1840年間，李斯特就譜寫了關於浮士德音樂的草稿，後來受到白遼士「浮士德的天譴」清唱劇的影響，李斯特在1854年完成此曲，幾年後又在華格納的建議下，在第三樂章加入獨唱與合唱的人聲樂段作結。三樂章的結構，主要以交響詩的形式，分別呈現浮士德故事中最重要的三個角色：Faust、Gretchen、Mephistopheles。第一樂章描繪浮士德精力無窮的廣泛興趣，以五個主題表現其多元性格，人物的形象與音樂的應和，近似華格納主導動機式的譜寫。最讓我不解（因此也反覆聽了很幾次）的樂段是前幾分鐘的音樂，從幽微神秘的主題開始發展轉折。這裡的主題，橫貫全曲，隨著發展擴充昂揚、激烈變化，激昂壯盛之處，展開開闊輝弘的壯大旋律。似乎象徵著浮士德超人一等的志向和性格，從中可以窺見李斯特擅長處理戲劇化音樂，製造格局恢弘的開闊場景。第二樂章描繪Gretchen柔情似水的形象，鋪陳出精巧細膩的感傷氛圍，但與前後兩樂章的音樂相比則弱了些。第三樂章描繪Mephistopheles魔性的一面，透過音樂的驅力，讓人陷入不由自主的狀態，展現出受魔鬼誘惑的心理衝突。實際上，此樂章的主題幾乎都從第一樂章發展而來，李斯特想暗示的是，魔鬼的誘惑，內在於Faust身上，Mephistopheles 是Faust負面陰影的代言人，是Faust求知慾的魔性展現。此樂章神魔亂舞的激烈變化，是此交響曲中最巧妙最眩人耳目的樂段。聆聽此樂章，讓我想起貝多芬第七號交響曲第四樂章酒神舞蹈的聖化，但相對於貝多芬昂揚大氣的神性舞蹈，李斯特的舞動就更狂亂迷醉，如鬼上身般不受控制，充滿席捲一切的陰暗力量。更為精采的是，六分半後第一樂章Faust主題的魔性再現，原先的道貌岸然蕩然無存，而是卸下矜持後，不顧一切的癲狂恣意，隱藏著Mephistopheles不懷好意的訕笑、諷刺。這等音樂，真是暢快過癮之極，讓人著迷，前提是聽者得進入李斯特預先設下的陷阱。最後幾分鐘的合唱曲，缺少之前舞曲風讓人動容的節奏感，兩者之間情緒的轉變過於劇烈，可視為蛇足，不過倒也轉化了先前Mephistopheles音樂的恣意快感，將故事導入光明正面的氛圍。

        1860年後，李斯特讀到劇作家Lenau（1802-1850）改編的浮士德劇本，在其啟發下又創作了兩樂章的浮士德音樂，分別是「夜之遊行」與「魔鬼圓舞曲」，也收錄在CD1的三、四軌中。剛聽到第四軌的時候，就有似曾相識的感覺，後來找出第一號「梅菲斯特圓舞曲」才印證我的猜想。關於此曲，楊照有詳盡的解說，有興趣者可以參考。此曲的詭異和讓人印象深刻之處，也自有其魅力，但和浮士德交響曲中Mephistopheles樂段相比則失色不少。以下附上的是聽者比較容易接受的「魔鬼圓舞曲」交響詩和鋼琴曲的音樂，至於浮士德交響曲，希望有心者自行找唱片來聽，而我也暗自許下在現場音樂會聽到這首樂曲的心願。當然，希望樂團的素質能展現樂曲中迷狂癡蕩的一面，想必是難得的體驗。

以下聽的是Liszt Mephisto Waltz No. 1 from Two episodes from Lenau's Faust，Masur指揮(後半段請點選續聽)

以下聽的是Liszt Mephisto Waltz No. 1，Cziffra鋼琴(後半段請點選續聽)

悠揚生動的Galuppi詠歎

        網誌上關於Galuppi以及Michelangeli彈奏他的鋼琴奏鳴曲慢板樂章的介紹，可以參考 woyte 以及Mingus等樂友的介紹，當會明瞭這首樂曲透過Michelangeli的彈奏，在資深愛樂者之間激起怎樣的迴響。而關於Galuppi的出生地，威尼斯以北潟湖區的Burano島，剛好也有旅遊者的網誌照片可以參考，讓我們對於Galuppi的義大利風情更為親近。

        但是如果我們只從這首鋼琴奏鳴曲，就將Galuppi的音樂與修道院的肅穆寧靜、安祥純粹的氛圍畫上等號，恐怕忽略了Galuppi身為義大利「喜歌劇」傳統著名作曲家的重要地位。不僅在世的時候以歌劇的撰寫知名，留下百多部的歌劇，也譜寫了27首清唱劇的作品。Galuppi在英國倫敦舉行的演出深受歡迎，他與威尼斯劇作家Goldoni合作的作品，評價相當高。而他改寫Metastasio的劇作L’Olimpiade，也傳唱多年。但為什麼這位義大利喜歌劇大師，最後在現在的愛樂者心中，竟然以一首鋼琴奏鳴曲廣為傳頌而知名？而其他的歌劇作品卻很少演出？（L’Olimpiade歌劇有發行DVD）幾百年之後的時代劇變和音樂風尚、聆聽習慣的轉移，讓Galuppi的歌劇之作蒙塵沒落，讓人惋惜。

        對巴洛克稍有認識的愛樂者，自然知道聲樂在巴洛克時代的重要性，無論是德國的宗教音樂或義大利、法國的歌劇作品，都是當時音樂類型的流行指標和宮廷、民間聆聽音樂的風潮所繫，反而器樂之作才是隱而不彰的伏流。受古典主義以降器樂地位上揚的影響，重新回溯的巴洛克音樂，大都侷限在主要作曲家的器樂名作，無論鍵盤或協奏曲，經由演奏名家的推廣，比如Vivaldi的四季（一大票的小提琴家、弦樂團體）、Scarlatti的鍵盤曲（Horowitz的推廣），成為一般愛樂者聆聽的重點，但反而巴洛克當時真正的音樂樣貌，在接受的視域中有所縮減、失焦（學院內的專業教育應該不會造成此問題）。但是古樂運動如實的發掘呈現，開發了巴洛克時代繽紛多彩的歌劇、聲樂世界，讓愛樂者得以一窺更多淹沒在歷史檔案下的優美樂音。我之接觸巴洛克音樂，雖然也很關注於開發器樂作品，尋找主流器樂景致之外的意外風景，但也沒有忽略龐大的聲樂世界中讓人偶然觸動的樂曲，比如宗教彌撒、經文歌、歌劇、神劇、清唱劇、安魂曲、牧歌等，但限於個人精力及接觸視野，只能管窺蠡測，隨興點選，但至少這一塊不會空白(先前的Pergolesi系列書寫就是莫大的收穫)。

        此張Galuppi被遺忘的詠嘆調選集，打破了我對Galuppi鋼琴奏鳴曲單純自足的片面印象，呈現的是更有血有肉，意興昂揚的音樂世界。其中有引吭高歌的人聲歌詠，飽滿酣暢，飛揚自如，讓人聞聲振起，精神一爽；也有細膩精巧的器樂協奏曲，交織穿插在聲樂盤旋之間，選曲安排頗見用心。Galuppi這些歌劇詠歎（只有第六軌是清唱劇詠嘆，但表現特質近似歌劇），都是人聲與器樂的細膩搭配，人聲的歌詠技巧精彩，裝飾音和跌宕起伏的聲腔變化，都讓音樂更為燦爛多姿，變化豐富，兼具抒情性的感染力(第二軌尤其動人)與表現上的炫技效果。而器樂也不是單純的伴奏，而更具精緻的烘托氛圍，也不乏困難的段落。根據記載，Galuppi以訓練樂團的嚴格和細膩知名，強調技巧的精確，不厭其煩地要求反覆排練困難樂段。解說中特別提到，Galuppi在樂團伴奏中，對於木管與小號樂器的譜寫有更細膩的鋪陳，比如第二首詠嘆，小號不大張旗鼓地發聲，而更空靈隱微地襯扥氛圍，又第八軌的詠歎，三分半左右人聲與小號的對話，更是精采，讓我印象深刻。除此之外，我也喜歡第一軌L’Olimpiade歌劇的詠歎，表現出人物正直、熱情、高貴、真誠的一面，樂聲的直接感染力，讓我第一次聆聽即深受撼動，不由自主地聽完整張專輯，多聽幾次後更覺得通體暢快自然。Galuppi這些詠嘆調，明亮、高昂、自然有力，節奏與抒情美協調平衡，很難不受感染。除此之外，他的器樂協奏曲，以慢快快的短章組成，專輯中三到五軌的協奏曲是兩首中我最喜歡的一首，尤其第二樂章的對位，輕巧流動中的構築變化，尤其突出。第九軌協奏曲的慢板也很有特色，是作曲家Galuppi偏愛的一曲。這張專輯，又讓我留連於義大利歌唱詠歌的聲樂、器樂世界，比起先前聽過的法國聲樂曲，更有鮮明的感染力。

        解說一開始引用了法國思想家盧梭（Jean-Jacques Rousseau,1712-1778）的一封信，提到他做過的實驗。盧梭要美國人聽法國與義大利作曲家的詠嘆調，美國人聽後讚賞於法國詠嘆的精巧，卻深深被義大利詠嘆所感動，以至於不願意再聽法國音樂。恰巧，我聆聽Galuppi的作品，也讓我忘記了先前努力聆聽的法國聲樂曲，這應該不是偶然，而是聆聽之耳發自本性的選擇：義大利歌曲之優美，直接作用於心靈情感，而法國音樂則有隔了些，即使更為精工細緻。如同王國維論詞，晚唐五代之小令與南宋周邦彥長調之分野，隔與不隔之別，分別作用於直覺與學識，不隔即是審美印象的直接選擇。

        而這首盧梭實驗中所用的義大利詠嘆，就是本張專輯第七軌的歌曲。

以下聽的是Galuppi - L'olimpiade 之 Aria - Superbo di me stesso