法國的精美珠玉--佛瑞

        生平剪影

1、Fauré（1845年5月12日生於法國南部Ariège省的Pamiers，1924年11月4日逝世於巴黎），排行最末，其父親是教師，Fauré在父親任職學校的教堂中學習管風琴。從小顯露音樂天份的Fauré，9歲的時候，其父親在老師的建議下，讓其從普通學校轉讀巴黎的Niedermeyer。這是1853年所創立的新學校，以宗教音樂的訓練為主。Fauré一開始向創辦人Louis Niedermeyer（1802-1861）學習古典時期和巴洛克的音樂，老師過世後又向新進教師聖桑學習，透過聖桑而接觸到李斯特、華格納等更為現代的音樂。Fauré能有日後的成就，大都要拜聖桑這位良師益友的提拔。1825年Fauré從學校畢業，榮獲了鋼琴、管風琴、和聲和作曲等項的首獎。此時他已創作不少歌曲和鋼琴曲。1866年到70年間，Fauré在布列塔尼以及巴黎等地擔任管風琴師。1870年參加普法戰爭，擔任通訊兵。

2、1871年Niedermeyer學校從巴黎遷往瑞士，Fauré也在此擔任作曲教師。10月回到巴黎，擔任Saint-Sulpice教堂的管風琴師，與知名管風琴家Charles-Marie Widor（1844-1937）共事。之後在巴黎的音樂圈中，常常參加聖桑所成立的國家音樂協會的活動，1874年成為協會秘書。1874年，Fauré接替聖桑在Madeleine教堂管風琴師的職位，1877年後同時擔任該教堂的合唱指揮。在此教堂中，Fauré默默工作了將近二十年，而在1896年被聘為巴黎音樂院作曲教授。先前已有人推薦Fauré擔任此一職位，但一直被當時的院長Ambroise Thomas（1811-1896）反對。當時擔任作曲教授的Jules Massenet（馬斯奈，1842-1912）意圖爭取院長寶座，並要求終身職，但政府當局決定取消音樂院長終身職的陋規，最後院長由Théodore Dubois（1837-1924）擔任，Massenet引退，遺缺由Fauré接任，而Ambroise Thomas也跟著辭職。1905年，Dubois因為拒絕頒發羅馬獎給拉威爾，引發輿論不滿而下臺，Fauré接任院長，一直到1920年。

3、Fauré擔任院長期間大力改革，引起保守份子的抗議。其譜寫的作品在法國不太受歡迎（生前未曾演出他的名作「安魂曲」），而在英國逐漸受到肯定。在法國之外，Fauré贏得了諸如柴可夫斯基、阿爾班尼士（Albéniz，1960-1909）、理查‧史特勞斯、Aaron Copland（柯普蘭，1900-1990）等人的稱讚或仰慕。1908年，Fauré曾到英國參加艾爾加第一號交響曲的首演，與艾爾加一起用餐，而讓對方留下不錯的印象。1909年擔任「獨立音樂協會」的主席，這是不滿於聖桑創立的「國家音樂協會」而另外成立的組織。1920年因耳疾體衰從院長的職位退休，獲得國家頒發的勳章，1922年還得到官方公開表揚。1924年，帶著戒慎恐懼的心情完成最後一件作品「弦樂四重奏」，不到兩個月之後，他就病逝於巴黎。

        音樂成就

1、Fauré在法國音樂史的地位，在於將聖桑所建立的法國音樂精神，傳遞到後輩如拉威爾身上，但與聖桑和拉威爾不同的是，Fauré最擅長的音樂形式是室內樂的小品形式，尤其是歌曲與鋼琴。他的鋼琴曲深受蕭邦影響，更發揮了纖細精巧的細膩詩意，而形成了優雅內省的神祕性，將法國音樂的澄澈透明性、純淨美感，發揮得淋漓盡致，並且有個人獨屬的私密空間。這是Fauré的音樂有別於德奧古典、浪漫樂派的最大差異。而他的歌曲也與德布西不同，德布西受穆索斯基影響而重視聲樂和語言朗誦的關係，而Fauré歌曲的詩樂關係更接近舒伯特、舒曼以來的歌曲精神，聲樂和音樂之間，維持著細膩的對話關係。他的室內樂，也是法國作曲家中的精品。而聲樂作品中最著名的就是「安魂曲」，與莫札特、威爾第之作並列為三大安魂曲（也有另一說三大安魂曲是莫札特、威爾第、布拉姆斯之作）。

2、佛瑞在巴黎音樂院任教並擔任院長，長達二十四年，培育了不少音樂人才，最著名的有拉威爾，其他還有Florent Schmitt（1870-1858）、Charles Koechlin（1867-1950）、Louis Aubert（1877-1968）、Jean Roger-Ducasse（1873-1954）、George Enescu（安奈斯可，1881-1955）、Nadia Boulanger（1887-1979）等著名音樂家。有助於法國近代音樂的推展。


        名曲分享

「孔雀舞曲」（Pavane），Op.50，由俄國指揮Vladimir Ashkenazy（阿胥肯納吉，1937- ）指揮NHK Symphony Orchestra，2005年錄音

「孔雀舞曲」（Pavane），Op.50，合唱版，由Maurice Handford（1929-1986）指揮Halle Choir and Orchestra，1981年

「孔雀舞曲」，Fauré自己演奏的鋼琴紙捲錄音

「孔雀舞曲」，長笛與吉他版（只演奏A段）

拉威爾的「為死公主所做的孔雀舞曲」，樂評家想盡辦法想知道所謂的「死公主」究竟是誰？但拉威爾卻強調這首樂曲描繪的是對於美的執著與追求。這種追求，從「孔雀」的形象足可引起人無盡的美感想像。而拉威爾的這首作品受到Fauré這首「孔雀舞曲」的啟發。這是法式音樂的極致，耽溺於美，美是唯一的宗教，唯一的世界。Fauré音樂中的慵懶、迷濛、陰柔、朦朧如幻的感官世界，沒有德國音樂言志載道的精神訴求，而只是為美而存在，無所為而為的自然存在，此種藝術美的追求，是非常狹隘的世界，但卻不能不存在，不能不透過Fauré的體會，而讓人一瞥這個世界精緻純粹的美好片段。


「洋娃娃組曲」（Dolly Suite）全曲版，由巴西鋼琴家Magda Tagliaferro（1893-1986）與Daniel Varsano（1953-1988）雙鋼琴

「洋娃娃組曲」，第一樂章，由英國指揮家Thomas Beecham（畢勤，1879-1961）指揮法國國家管絃樂團

「洋娃娃組曲」，第一樂章，吉他二重奏版

「洋娃娃組曲」，第一樂章，法國鋼琴家Alfred Cortot（柯爾托，1877-1962）演出，1925年版

「洋娃娃組曲」是Fauré最受歡迎的作品，也是Fauré器樂曲中唯一有標題的作品。此一組曲從大人的角度描繪兒童的世界，和舒曼的「兒時情景」和德布西的「兒童天地」，同為此類想像世界的傑作。此組曲由六首小曲所組成，六小曲的標題分別如下：搖籃曲、貓、洋娃娃的花園、小貓圓舞曲、溫柔、西班牙舞曲。其中第一曲「搖籃曲」最常出現在入門選集中。Fauré的「洋娃娃組曲」，比之舒曼和德布西的作品，更洋溢著童話般溫柔的氛圍，更可見出Fauré在鋪陳情境上如何敏銳獨到、營造出柔美的風格，而展現出纖細雅致的特質。另外，擅長小品的Fauré，有許多短章如Sicilienne、Elegy，透過大提琴的吟詠，都是一朵花一世界的動人樂章。

瑰麗的俄國之音--林姆斯基‧高沙可夫

        生平剪影

1、Rimsky-Korsakov（1844年3月18日生於俄國聖彼得堡東南方的Novgorod省之Tikhvin，1908年6月21日逝世於聖彼得堡），出生於航海世家，家族中有多位海軍將領、軍官，而其父親在沙皇統治時期擔任要職。自幼顯露音樂天賦，由父親啟蒙鋼琴，但航海的夢想卻更吸引著Rimsky-Korsakov。他於1856年7月，進入聖彼得堡海軍官校就讀，1861年在鋼琴兼作曲老師Theodore Kanille的介紹下，認識了Mily Balakirev（巴拉基雷夫，1837-1910），隨後加入Balakirev所領導的音樂集團，承繼俄國音樂之父Mikhail Glinka（葛令卡，1804-1857）對俄國本土音樂的開拓精神，以振興俄國國民音樂為目標，成為「俄國五人組」中的一員。其成員除了Balakirev、Rimsky-Korsakov之外，還有 軍人兼工程師César Cui（桂宜，1835-1918，擅長音樂評論）、軍官Modest Mussorgsky（穆索斯基，1839-1881）、醫師兼化學家Alexander Borodin（鮑羅定，1833-1887）等人，這些業餘音樂家，彼此志同道合討論音樂，成為推動俄國本土音樂的新力量。Rimsky-Korsakov 於1862年畢業後，登上艦艇任職出海，三年的遠航雖然擴展了Rimsky-Korsakov的眼界，認識許多異國城市，但最終發現對音樂的渴望超越教條式的軍旅生活。1865年再度回到「五人組」中，創作了不少作品。

2、1871，Rimsky-Korsakov獲聘擔任聖彼得堡音樂院作曲及管弦樂法教授，開始惡補對位和和聲理論，主要參考Cherubini和柴可夫斯基的著作。累積多年的教學經驗後，才於1884年編寫教材《和聲法》。1872年與鋼琴家Nadezhda Purgold（1848-1919）結婚，由Mussorgsky擔任伴郎。在結婚前的1871年，Mussorgsky與Rimsky-Korsakov還曾同住，忙於譜寫各自的歌劇，而這種同住經驗也有助於彼此作曲經驗的借鑑交流。但當五人組逐漸產生摩擦，Mussorgsky不滿Rimsky-Korsakov的學院式傾向而指責他，而Rimsky-Korsakov也因Balakirev過於專斷獨裁而開始疏遠，最後五人組因而拆夥。

3、1881年Mussorgsky過世，Rimsky-Korsakov接替Balakirev成為宮廷禮拜堂的指揮，更在富商Mitrofan Belayev（1836-1904）的資助下，與後起之秀Anatoly Lyadov（1855-1914）、Ippolitov-Ivanov（1859-1935）、Alexander Glazunov（葛拉祖諾夫，1865-1936）等作曲家組成新的音樂團體，繼續推動俄國國民音樂。

4、自1896年完成歌劇「Sadko」(沙德可)之後，進入Rimsky-Korsakov歌劇創作的高峰期，接下來的歌劇佳作有1897年根據普希金之作而譜寫的「Mozart and Salieri」、1898年的「Tsar’s Spouse」（沙皇的新娘）、1900年的「Tale of Tsar Saltan」（薩丹王的故事）、1903-1904年的「The Legend of the Invisible City of Kitej and of the Virgin Fevronya」，以及1906-1907年創作的「The Golden Cockerel」（金雞），因為涉及到對統治階層的諷刺，而被禁演。他的歌劇作品在沙皇時代多被刪改得面目全非，直到共黨革命後才能以原貌演出。身處於艱困的創作環境和沙皇官方的迫害，1908年6月Rimsky-Korsakov心臟病發，逝世於聖彼得堡郊外的Lyubensk，葬於Alexander Nevsky修道院，與穆索斯基、鮑羅定、柴可夫斯基等作曲家比鄰。

        音樂成就

1、俄國五人組企圖從西歐的音樂勢力之外，發揚俄國本土音樂，因而與當時主張以西歐音樂傳統的作曲形式融入俄國民謠的西化派音樂家，如安東‧魯賓斯坦兄弟和柴可夫斯基等人的立場不同。Rimsky-Korsakov是「五人組」中最具有國際聲望、作曲技法最洗鍊、影響俄國樂壇未來發展最深遠的作曲家（但五人組中最具有原創性的是Mussorgsky）。他的創作以歌劇為主，共寫了15部歌劇，代表作有「Sadko」（沙德可）、「Tsar’s Spouse」（沙皇的新娘）、「The Golden Cockerel」（金雞）等，將俄羅斯所孕育的傳說、故事、幻想與歷史，透過色彩豐富的音樂，鮮明地表現出來。

2、Rimsky-Korsakov是法國作曲家白遼士以降，最深諳管絃樂配器的作曲家，他的音樂融合了俄羅斯的傳統旋律，以細緻具有表現力的配器所塑造的華麗聲響，明朗溫暖的音樂表現，將譜寫管弦樂的技巧提高到更高的層次。Rimsky-Korsakov的三大管弦樂組曲是「天方夜譚」（Sheherazade）、「西班牙隨想曲」（Spanish Caprice）、「俄羅斯復活節序曲」（Russian Easter Festival Overture）

3、Rimsky-Korsakov於聖彼得堡音樂院任教37年，培育出不少音樂人才，主要有Glazunov、Anton Arensky（阿倫斯基，1861-1906）、Lyadov、Ivanov、史特拉汶斯基等。

        名曲分享

「大黃蜂的飛行」（The Flight Of Bumble bee），管絃樂版

「大黃蜂的飛行」，由法國鋼琴家György Cziffra（季弗拉，1921-1994）演出，1957年錄音

「大黃蜂的飛行」，由長笛名家James Galway（詹姆斯‧高威1939- ）演奏

「大黃蜂的飛行」，由Jascha Heifetz(海飛茲，1901-1987)演出，1934年錄音

1900年Rimsky-Korsakov根據普希金的小說而完成的歌劇「Tale of Tsar Saltan」（薩丹王的故事），是著名的俄國民間神話歌劇，但現在已很少演出。反而是第二幕的間奏曲「大黃蜂的飛行」以模擬黃蜂嗡鳴簇擁而至的聲響，層層進逼的威嚇效果，相當逼真，而成為家喻戶曉的名曲。也從管弦樂改編成各種不同樂器的版本，以展現該樂器的炫技技巧。

「天方夜譚」（Sheherazade）第三樂章，由俄國指揮大師Svetlanov（史維特拉諾夫，1928-2002）演出

「天方夜譚」（Sheherazade）第三樂章，德國指揮大師Kurt Masur（馬舒，1927- ）指揮萊比錫布商大廈管弦樂團，1993年

Rimsky-Korsakov最著名的管絃樂曲「天方夜譚」，以其濃郁的東方異國風味，瑰麗優美的抒情詩篇，和壯闊的海洋景象，成為最著名的標題音樂。四樂章分別呈現了阿拉伯著名短篇故事集「天方夜譚」（一千零一夜）中的四段故事，其中的第三樂章「小王子和小公主」的抒情慢板詩篇，以旖旎優美的旋律，烘托小王子和小公主的愛情，最能顯現出Rimsky-Korsakov透過音樂抒情的能力，營造出溫柔瑰麗的細緻感受，是Rimsky-Korsakov最優美的樂章。而在樂曲結束前，又出現了貫串四個樂章的Sheherazade主題，在此暗示的意涵則是Sheherazade述說故事的口吻。

北歐的蕭邦--葛利格

        生平剪影

1、Grieg（1843年6月15日出生於挪威西岸的Bergen港城，1907年9月4日逝於Bergen），排行第四，出生於商人家庭，父母親都有深厚的音樂素養，母親尤其是優秀的鋼琴家。Grieg自幼與母親學琴，受母親影響而喜愛莫札特與蕭邦。1858年，挪威著名的小提琴家Ole Bull（1810-1880）力勸其父母讓Grieg到萊比錫音樂院學習，Grieg進入音樂院後向Ignaz Moscheles（莫歇勒斯，1794-1870）學習鋼琴。但萊比錫音樂院重視理論的嚴格環境，扼殺了創作自由，讓Grieg心生不滿，不過最後他還是在鋼琴和作曲方面以優異的成績畢業。

2、Grieg畢業後在丹麥遇見知名作曲家Niels Gade（1817-1890）受其影響而興發對挪威音樂的重視。並認識了挪威國歌的作曲家Rikard Nordraak（1842-1866），兩人與其他志同道合的作曲家創辦Euterpe concert society，發揚挪威音樂，提供北歐作曲家發表作品，Grieg的交響曲、鋼琴、小提琴奏鳴曲也都於此會中發表，但1866年因Nordraak猝死而解散。1867年與遠房表妹女歌手Nina Hagerup（1845-1935）結婚，兩人婚姻幸福，Nina透過美妙的歌喉，演唱Grieg的歌曲，並悉心照料Grieg的生活。在許多作曲家混亂的感情生活中，Grieg美滿的婚姻不啻是個異數。

3、1868年於丹麥郊區譜寫代表作「鋼琴協奏曲」，並在1870年與李斯特見面的場合中，得到李斯特的贊賞，而李斯特識譜彈奏的能力也讓Grieg大為驚嘆。1874年，Grieg獲得挪威政府終身俸的補助，便專心創作，並多次巡迴歐洲，1876年2月首演的「皮爾金」（Peer Gynt），更讓Grieg成為挪威的民族英雄。1885年之後，Grieg在Troldhaugen過著鄉居生活，並經常巡迴演奏，1885年會晤布拉姆斯，布拉姆斯鼓勵Grieg的創作； 1887年在萊比錫遇到柴可夫斯基，雙方互有好感，1889年Grieg到英國、法國巴黎，十分欣賞比才的「卡門」。之後1897年、1906年都曾在英國、荷蘭等地演出，透過這些頻繁的巡演，將挪威音樂之美介紹到世界各地。而Grieg也因而分別在1894、1906年獲劍橋、牛津大學名譽博士，其餘法國、瑞典所頒發的榮譽獎章也不在少數。和波希米亞歡慶德弗札克六十大壽一般，1903年挪威全國也大肆慶祝Grieg六十歲生日。

4、1907年，Grieg原訂前往英國參加里茲音樂節，但出發前肺病復發，於9月4日清晨病逝於Bergen。挪威政府為其舉行盛大的國葬，數十萬人為其送葬。

        音樂成就

1、Grieg是挪威最偉大的作曲家，在西歐管絃樂語法的基礎上融入挪威音樂獨有的清新性、溫柔性和細緻的抒情性，將挪威的民歌和舞曲以及壯闊優美的自然景致融會在音樂中，而成為挪威音樂的代言人。

2、和德弗札克擅長譜寫場面浩大的交響樂、交響詩等管絃樂曲不同，Grieg的創作以鋼琴、室內樂等小型的音樂形式為主，呈現出對於抒情性的細緻挖掘。且由於旋律通俗平易，而引來不少批評，比如德布西就說Grieg的音樂是：「裹著棉絮的棒棒糖」。一般聽者也是根據「皮爾金組曲」以及「鋼琴協奏曲」等名作而作論斷，忽略了Grieg在室內樂方面，歌曲方面、鋼琴小品方面還有不少傑作。

3、被譽為「北歐的蕭邦」之Grieg，其鋼琴小品集「抒情小曲」，最能代表其承遞蕭邦又自成面貌的鋼琴詩意。創作橫跨了三十多年的時間，展現了Grieg透過自己最能掌握的樂器—鋼琴，來記錄片段的詩情、所思所想的見聞，以及紀錄挪威這塊土地人情風俗之直率、醇美的樸實世界，透過音符流露的平易性、溫潤詩情，反而是Grieg音樂中最容易被忽略的一部分。

        名曲分享

「Peer Gynt」之清晨，由愛沙尼亞指揮家Paavo Järvi（1962- ）演出

Grieg最通俗的代表作「Peer Gynt」劇樂，根據挪威大文豪易卜生（Henrik Ibsen，1828-1906）的詩劇譜寫的配樂，於1875年7月完成。後來Grieg於1888、1892年摘取八個樂章編成兩首組曲。之後「皮爾金組曲」反而更為知名，完整版的劇樂共26曲，反而很少被演奏、錄音。Peer Gynt是挪威民間傳說中著名的浪蕩子，不切實際的幻想者，遊手好閒，愛冒險好吹噓。此劇描述Peer Gynt四處流浪的荒誕生活，最後年老時一事無成返回家鄉，才發現原來深愛自己的初戀情人一直守候著。這首「清晨」，原先出現在樂劇第四幕一開始的場景中，中年的Peer Gynt搖身一變成為礦場大亨。戲劇的場景也從挪威改換到非洲，這是描述撤哈拉沙漠中的日出（第一次聽此曲時一直以為是海上的日出），從微光隱露轉變到光芒萬丈，營造出開闊氣勢，極具有戲劇衝擊力，因而也被Grieg挪到第一組曲的第一首，更能吸引聽者進入組曲的奇幻、抒情之世界。

「抒情小品」，第六集（Lyric Pieces VI, Op. 57），No. 6 Homesickness - Andante由俄國鋼琴大師Emil Gilels（吉利爾斯，1916-1985）演奏

原先預定介紹的另一首名曲是「Peer Gynt」之Solveig's Song，既有女聲演唱也有管弦樂版，這是「Peer Gynt」組曲中最抒情最動聽的幽深之音，Solveig對Peer Gynt無怨無悔的付出讓人動容。此曲後來收入第二組曲最後一曲，也讓組曲留下讓人難忘的飄渺餘音。但經過思量後，還是決定介紹一首抒情小品，然而Grieg動聽的小品太多，所幸偶然間找到Gilels彈奏的這首「鄉愁」，簡易平實，意蘊綿長，具體而微地呈現這些抒情靈光的動人性。ABA三段形式單純。A段音樂如歌吟詠，讓人惘然若失，B段的輕快則稍微緩和思想之情的濃郁。Grieg的這些鋼琴小品，真的是蕭邦之後的絕唱，雖不如蕭邦華麗豐美，但淺淡自然的平易性更耐咀嚼。

波希米亞的鄉愁--德弗札克

        生平剪影

1、Dvořák（1841年9月8日生於布拉格附近的Nelahozeves，1904年5月1日逝世於布拉格），父親是鎮上小旅館與肉店老闆，自小受旅店中走唱樂手的演奏，而培養對小提琴與吉他等樂器的喜好。父母希望身為長子的Dvořák，能繼承家業改善貧困的生活，1853年小學畢業後被送至Zlonice學習屠宰和生意，順利考取執照。但心向音樂的Dvořák，在小學教師的幫助下進入布拉格風琴學校（後來改為布拉格音樂院）學習，並打工賺取學費。畢業後在小樂隊演出，引起Bedřich Smetana（史麥塔納，1824-1884）的注意，被引薦到布拉格臨時劇院（後改為國民劇院）中擔任中提琴手。在Smetana的提攜下，Dvořák得以研究西方著名作曲家的手稿。1873年譜寫的清唱劇「白山後裔」頗受歡迎，並於年底與Anna Cermake結婚。Dvořák曾戀上其姐姐Josefina Cermake，追求不成才與妹妹結婚。音樂史上海頓、莫札特也都如此。Dvořák年輕時替初戀情人寫了歌曲集「柏樹」，曾改編成四重奏。多年後得知對方生病且婚姻不順，Dvořák又將感傷之情寫入大提琴協奏曲中。

2、1875年Dvořák以兩年前譜寫成的交響曲申請奧國文化部的獎助金，獲得評審之一的布拉姆斯大力讚賞，而得到申請。其後Dvořák再以「Moravian Duets」歌曲集提出申請，布拉姆斯激賞之餘，將此作介紹給自己的出版商Simrock，出版後飽受好評。鑒於布拉姆斯「匈牙利舞曲」之熱賣，Dvořák在出版社的邀約下，寫出「斯拉夫舞曲」，同樣造成轟動，也讓Dvořák躍升為歐洲一流的作曲家。此後Dvořák與布拉姆斯，終生都維持著亦師亦友的深厚情誼（布拉姆斯曾幫Dvořák校對「新世界交響曲」，讓Dvořák受寵若驚）。他的成功，也得到著名指揮家如Hans von Bülow、Hans Richter（1888-1976）的肯定支持，Bülow甚至戲稱他為「長得像補鍋匠的天才」。

3、1883年，Dvořák的「聖母悼歌」在英國倫敦演出造成轟動，1884年5月，開始了日後Dvořák九次訪問英國的行程，他可說是繼韓德爾、海頓、韋伯、孟德爾頌以來，最受英國歡迎的作曲家。1890年春，Dvořák應柴可夫斯基之邀訪問俄國，兩位國民樂派的巨擘於1888年相識，相談甚歡，十分推重對方的作品，之後透過信件往返，確定了此次訪問。Dvořák在俄國會晤知名音樂人士，分別於莫斯科、聖彼得堡舉行的兩場音樂會都引起聽眾的迴響。1891年擔任布拉格音樂院教授半年後，應富商之妻Mrs. Jeanette Thurber（1850-1946）邀請，於1892年9月前往美國擔任紐約國立音樂院院長，Dvořák研究美國本土音樂，吸收印地安和黑人靈歌音樂之精華，將之化入自己的作品，留下了「新世界交響曲」和「美國」弦樂四重奏等膾炙人口的名作。「新世界交響曲」於1893年12月16日於卡內基音樂廳首演，造成轟動，在聽眾的要求下，動人的第二樂章演奏了第二次，並成為席捲美國的知名樂曲。

4、1895年，思鄉情深的Dvořák辭去音樂院長的職位，離開美國，繼續在布拉格音樂院任教，1901年出任院長，9月8日六十歲生日那天，全世界各地都舉行盛大的慶祝音樂會。1904年春天突然生病，休息幾個月後5月1日因中風而去世。5月5日舉行盛大的國葬儀式，數十萬民眾夾道送行，最後葬於布拉格。

        音樂成就

1、Dvořák將捷克波希米亞的音樂，傳達到世界各地。他在吸收華格納、貝多芬、舒伯特和布拉姆斯音樂結構形式的基礎上，融入波希米亞的民謠、民族精神，而以明朗健康、清新自然的樂風名列偉大的作曲家（作曲家中同樣具有此種健康明朗特質的，只有海頓和韓德爾）。他的「新世界交響曲」名列六大交響曲中，大提琴協奏曲則為浪漫時代的代表作。而他在四十幾年的勤奮工作之下，在交響曲、管絃樂曲、協奏曲、合唱、聲樂、室內樂、歌劇等方面，譜出許多動人的民族樂音。

2、Dvořák在美國雖僅停留了短短3到4年，但他對美國本土音樂的重視，融合印地安音樂和黑人靈歌於古典音樂的創作中，既是對美國本土音樂的提升，也對美國音樂的發展有深遠的影響。

3、Dvořák在布拉格音樂院的教學生涯中，培育不少後進，如被譽為「現代捷克音樂之父」的作曲家Vítězslav Novák（1870-1849），小提琴家Oskar Nedbal（1874-1930），以及後來成為他女婿的作曲家Josef Suk（1874-1935）。Dvořák的音樂，在捷克音樂發展中，承繼Smetana而下開Leoš Janáček（楊納傑克1854-1928）。他是波希米亞作曲家中最具有國際聲望的，然而真能代表波希米亞本土音樂的作曲家，還是Janáček。

        名曲分享

「弦樂小夜曲」（Serenade），Op.22第二樂章，由英國指揮家馬利納爵士（Sir Neville Marriner，1924- ）指揮聖馬丁管絃樂團

「弦樂小夜曲」（Serenade）第二樂章，由Rudolf Kempe（肯培，1910-1976）指揮慕尼黑愛樂，可惜不完整，不過可以比較英國與德國指揮家對此曲的不同詮釋特色

Dvořák有兩首小夜曲，一首以弦樂為主，一首以管樂為主，較著名的弦樂小夜曲與柴可夫斯基的同名作齊名，也常收錄在同一張唱片中。這是Dvořák年輕時的作品，作於1875年，正是申請獎學金通過之後。此曲可見Dvořák早期音樂直率明朗的抒情特色，雖然濃郁的波希米亞民族風尚不鮮明，但已能見出Dvořák獨特的個人抒情魅力。第二樂章為ABA三段曲式的圓舞曲，A段的流暢抒情（可分aba）B段的濃郁優美（可分cdc），都各具特色，尤其B的中段（d），情感最為濃烈。音樂的轉折流暢洗鍊，和小約翰史特勞斯金碧輝煌的貴氣圓舞曲、蕭邦濃烈詩意的圓舞曲相比，Dvořák的圓舞曲更具亂頭粗服不掩國色的樸實真摯之美。Dvořák的這首小夜曲，聽來十分順耳，早已流露出讓布拉姆斯羨慕的旋律天才。有興趣者可仔細聽聽第四樂章深情憂傷的主題，如蜿蜒流過波希米亞原野的清溪，讓人駐足馳神。實際上從第一樂章開始，不需太費力，每一樂章都有觸動聆聽之弦的時刻。

「斯拉夫舞曲」（Slavonic Dance），第二號，由小澤征爾（Seiji Ozawa）指揮，小提琴帕爾曼（Itzhak Perlman）、大提琴馬友友（Yo-Yo Ma）合演

「斯拉夫舞曲」，第二號，由俄國小提琴大師David Oistrakh（1908-1974）演奏

「斯拉夫舞曲」，第二號，由匈牙利女小提琴家Stefі Geyer（1888-1956）演奏，1927年的錄音。Dvorak曾題獻作品給她

「斯拉夫舞曲」，第二號，由Duo Lechner Tiempo演出鋼琴四首聯彈

Dvořák的「斯拉夫舞曲」跟布拉姆斯「匈牙利舞曲」一樣，都先譜寫成四首聯彈，其後才有管弦樂版和鋼琴獨奏版的產生。第二號舞曲是最具有抒情之美的樂曲，以輪旋曲的形式組成。由於十分動聽，改編成許多不同的樂器。Dvořák足以媲美舒伯特般自然天成的旋律源源不絕，此處即是一例。他的旋律才華，讓欠缺旋律靈感的布拉姆斯羨慕不已，直說從Dvořák的垃圾桶內也可找出動人的波西米亞之音。

悲愴的靈魂--柴可夫斯基

        生平剪影

1、Tchaikovsky（1840年5月7日生於Votkinsk，1893年11月6日逝於聖彼得堡），排行第三，出生在愛好音樂的家庭，但接受正式音樂教育則是20歲之後的事。1848年後舉家遷往聖彼得堡，1850年就讀法律學校，熟讀俄國大文豪普希金（Alxander Puskin，1799-1837）的作品。1855年開始與德國鋼琴家Rudolf Kundinger（1832-?）學習鋼琴，老師卻認為Tchaikovsky缺少天賦。1859年Tchaikovsky自法律學校畢業，擔任書記，逐漸厭煩於公務的繁忙，更嚮往音樂。1861年考入Anton Rubinstein（1830-1894）的音樂班，並向Nicolas Zaremba（1821-1879）學習和聲、樂理。在聖彼得堡音樂院的四年間，Tchaikovsky勤於學習，打下扎實的基礎，其畢業作還贏得獎項的肯定。畢業後得Anton Rubinstein的推薦，在Nicolay Rubinstein（1835-1881）所創立的莫斯科音樂學院教授和聲，1866年到1878年共十二年的創作與教學，都貢獻此地。

2、在結婚之前，Tchaikovsky曾與法國女演員Désirée Artôt（1835-1907）相戀，曾論及婚嫁，後來因女方移情別戀而結束。1877年5月開始，Tchaikovsky在女學生Antonina Milyukova（1848-1917）的追求下於7月結婚，但這段短暫的婚姻只持續兩個月多就結束了，除了Tchaikovsky的性向和心理狀態無法適應婚姻生活，導致自殺未成的舉動之外，也跟Milyukova不穩定的精神有關，在Tchaikovsky過世後幾年，她就被送入精神病院而終老。而另一位與Tchaikovsky關係密切的，是他的贊助人和知己梅克夫人（Nadezhda von Meck，1831-1894），兩人在1876年透過Tchaikovsky的學生Yosif Kotek（1855-1885）而認識，卻始終維持著長期通信的關係，梅克夫人提供贊助和支持，Tchaikovsky則傾吐自己的心事、作曲觀念和對樂壇的觀察、批評。1890年梅克夫人突然因財務問題中止贊助，即使Tchaikovsky去信希望友誼能持續，但卻不再收到任何回信。

3、1885年Tchaikovsky搬到莫斯科北方的鄉間，致力於晚期的創作。1887到88年再度到歐洲旅行演奏，並認識布拉姆斯、葛利格、德弗札克等作曲家。1891年訪問美國，並在卡內基音樂廳指揮自己的作品，深受歡迎。但在美國只停留一個月就返回故鄉。1893年Tchaikovsky前往劍橋大學接受名譽音樂博士的榮耀，和他一起獲獎的，還有聖桑、包益多、葛利格、布魯赫等作曲家。但自從與梅克夫人中斷通信後，Tchaikovsky的心情就更為鬱悶，1893年10月28日首演的「悲愴」交響曲，應和著Tchaikovsky此時對人生的絕望和對死亡的預感，首演之後並未獲得迴響。不幸的是，演出四天後Tchaikovsky因為誤飲生水感染霍亂，昏迷幾天後過世。關於他的死因，也有人認為因為懼怕同性戀的醜聞被揭穿，他故意在霍亂流行的時候飲用生水自殺，也有人認為Tchaikovsky是服用毒藥自殺的，他的死因未明，更加強了悲愴交響曲的悲劇力量。


        音樂成就

1、Tchaikovsky 是俄國作曲家中最具有國際聲望的代表，是俄國國民樂派的「西化」風格的主要大將（「本土」風格代表是林姆斯基．高沙可夫）。Tchaikovsky以歐陸德奧樂派的作曲技巧和傳統曲式，融入血液中自然流洩的俄羅斯精神，而融合成深具憂鬱悵然的抒情美感和奔放雄渾的斯拉夫之音。他的創作可分成三大部分，其一是管弦樂作品的豐厚深美，其一是芭蕾音樂的優雅甜美，其一是歌劇作品的民族戲劇。而以管絃樂和芭蕾音樂為代表。「悲愴」交響曲被列為六大交響曲之一。

2、Tchaikovsky在法國作曲家Delibes（德利伯，1836-1891）的影響下，再將古典芭蕾音樂推到高峰，「天鵝湖」、「睡美人」、「胡桃鉗」是古往今來最受歡迎的芭蕾舞音樂。無論是華麗如詩的「天鵝湖」，還是甜美溫柔的「睡美人」，甚或是童趣新奇的「胡桃鉗」，都是歷久不衰的經典名曲。

3、Tchaikovsky的「第一號鋼琴協奏曲」原先獻給Nicolay Rubinstein，此曲卻被嚴厲批評無法演奏，Tchaikovsky一氣之下轉而獻給Hans von Bülow，經由Bülow的演出讓此曲在美國大受歡迎。後來Nicolay Rubinstein也改變自己的態度，在莫斯科演出此曲的首演。而Tchaikovsky也曾修改此曲（但是他修改的原譜已經亡佚，如今此作包含著其他作曲家的修改）。和此曲近似的是「小提琴協奏曲」，也被俄國小提琴大師Leopold Auer（奧爾，1845-1930）退貨，一度沒有發表。但幾年後由俄國小提琴家Adolf Brodsky（1851-1829）在維也納演出大受好評，Auer也只好承認作品的價值。如今這兩首作品都是Tchaikovsky最著名的器樂協奏曲。

        名曲分享

「弦樂小夜曲」（Serenade for Strings），Op.48，第二樂章：圓舞曲，由日本指揮大師小澤征爾（Seiji Ozawa，1935- ）指揮柏林愛樂

Tchaikovsky和德弗札克的「弦樂小夜曲」並列為莫札特以降最著名的小夜曲之作，也都是入門者最容易親近這兩位作曲家的動人樂章。在西歐的作曲家中，Tchaikovsky最欣賞莫札特，此曲一方面承繼莫札特小夜曲清新甜美之風，另一方面又展現Tchaikovsky華麗優美、帶有惆悵感傷的弦樂合奏的色澤。此樂章以「圓舞曲」取代「小步舞曲」，顯現小約翰史特勞斯對Tchaikovsky的影響。在三大芭蕾音樂中，也有不少圓舞曲，這都是不讓圓舞曲之王專美於前的優雅抒情之樂章。

「天鵝湖」（Swan Lake）中的Scene，由義大利指揮Riccardo Muti（慕提，1941- ）指揮費城交響

三大芭蕾音樂中，Tchaikovsky的「天鵝湖」更是膾炙人口的名作，尤其這首Scene，當音樂響起，腦海中自然浮現著天鵝優雅從容地游在波光粼粼的湖面上，純潔夢幻的場景。透過音樂，Tchaikovsky讓音樂張馳於天鵝的純真性以及魔鬼的戲劇張力之間，而完美地詮釋這個傳奇故事。此外，從「天鵝湖」、「睡美人」、「胡桃鉗」摘選樂曲組成的三大芭蕾音樂管絃樂組曲，包含許多讓人愛不釋手的精緻短曲，則是接觸這些精美優雅的芭蕾音樂之最佳途徑。

法國的孟德爾頌--聖桑

        生平剪影

1、Saint-Saëns（1835年10月9日生於法國巴黎，1921年12月16日逝世於Algeria的Algiers），出生將近三個月父親病逝，由母親及姨媽撫養，母親是優秀的水彩畫家，姨媽則引領Saint-Saëns學習音樂。Saint-Saëns早熟的音樂天份，很快顯露出來。在四歲時留下作曲成果，七歲時被送到鋼琴家Camille Stamaty（1811-1870）處學習，經由老師的介紹向Pierre Maledon學習和聲及作曲。11歲舉行第一次獨奏會，背譜演出。之後在Stamaty的建議下與教堂管風琴師Pierre François Boëly（1785-1858，César Franck也曾跟他學習）和音樂院管風琴老師François Benoist（1794-1878）學習。1848年13歲的Saint-Saëns進入巴黎音樂院學習，繼續師從Benoist。四年後Saint-Saëns參加羅馬大獎，因為年齡太輕而被否決。

2、1853-57擔任巴黎Saint-Merry教堂管風琴師，1857-77年擔任Madeleine教堂管風琴師。1861年擔任巴黎音樂院鋼琴老師，在此培育出知名作曲家Gabriel Fauré（佛瑞，1845-1924），佛瑞後來也在Saint-Saëns之後接替Madeleine的職位。1871年Saint-Saëns與其好友Romain Bussine（1830-1899）等人一起成立國民音樂協會，擔任副主席，該協會成為發揚法國新音樂的主要途徑。Saint-Saëns並於該年首度訪問英國。1875年12月到76年1月，Saint-Saëns前往俄國，認識柴可夫斯基與安東‧魯賓斯坦。1877年辭去Madeleine教堂的工作後，更專力於作曲並巡迴演出。Saint-Saëns是白遼士之後，在國外演出成功的法國作曲家。1877年12月2日在威瑪宮廷劇院舉行歌劇「Samson et Dalila」的首演，成為Saint-Saëns最受歡迎的歌劇。

3、1881年當選法國國家藝術院的院士，之後陸續獲得榮譽勳章、榮譽博士的肯定，1915年代表法國政府出席舊金山舉行的「巴拿馬-太平洋博覽會」。晚年依然四處旅行，遊歷北非、中南半島、美國、南美洲等地。最後在1921年於阿爾及利亞避暑時過世。


        音樂成就

1、Saint-Saëns 被譽是「法國的孟德爾頌」，也是法國作曲家中最具有古典精神的代表。除了音樂之外，他也精通文學，作詩著書，有深厚的科學素養、哲學造詣。是孟德爾頌之外最多才多藝的作曲家。在十九世紀盛行歌劇的法國樂壇，Saint-Saëns創作精鍊完美的管絃樂、協奏曲、室內樂、器樂作品，形式整齊易懂，結構均衡完美，配器精巧豐富，成為法國新古典主義的引領者。這種精神，承繼著拉摩與庫普蘭澄澈優美的和聲美感，影響佛瑞和拉威爾等人。

2、Saint-Saëns早期以推廣李斯特、華格納等人的音樂而有功於法國樂壇，更自俄國帶回穆索斯基（Mussorgsky）的代表作「Boris Godunov」的樂譜，介紹給法國音樂家。羅曼‧羅蘭曾稱讚「國民音樂協會」是法國音樂的搖籃，許多新作曲家的作品如法朗克、丹第、蕭頌、杜卡、拉威爾的作品，都透過這個協會介紹給一般聽眾。

3、但Saint-Saëns晚年之後，卻在音樂新浪潮的發展之下被視為過時的人物。一方面是因為Saint-Saëns活得夠久，足以見證十九世紀、二十世紀之間音樂的劇烈變化，另一方面也因為Saint-Saëns的音樂很早達到洗煉精美的成就，如精金美玉般獨立自存，反而不能吸引一般大眾的注意，且受一些通俗名作如「動物狂歡節」之累，多少限制了愛樂者接觸Saint-Saëns其他更具水準之作的機會。Saint-Saëns的名作有：第三號交響曲、第二號鋼琴協奏曲、第三號小提琴協奏曲與第一號大提琴協奏曲，以及歌劇「Samson et Dalila」。但除此之外，Saint-Saëns還有不少精品等待挖掘。


        名曲分享

「天鵝」（The Swan），選自「動物狂歡節」（The Carnival of the Animals）由Croatian大提琴家Stjepan Hauser（1986- ）演奏

「天鵝」，由拉赫曼尼諾夫演奏Alexander Siloti改編的鋼琴版，1924年錄音

Saint-Saëns舉世知名的管絃樂組曲「動物狂歡節」，蘊藏了Saint-Saëns的機智、幽默和嘲諷的精神。由於援引許多作曲家的旋律（也包含自己）加以改編扭曲，與動物的形象搭配，讓Saint-Saëns生前禁止出版全曲，只同意演出「天鵝」一曲。這些被諧謔地引用的作曲家，有拉摩（母雞）、奧芬巴哈（烏龜）、白遼士（大象）、孟德爾頌（長耳人）、徹爾尼（鋼琴家）、羅西尼（化石）等，唯有「天鵝」一曲，無任何嘲謔的意圖，成為此組曲最優雅動人的樂章。也被改編成各種不同樂器的獨奏曲。


骷髏之舞（Danse Macabre），Op.40，動畫配樂版，演奏團體不詳

骷髏之舞，俄國鋼琴家Volodos（1972- ）演奏Horowitz鋼琴改編版

這是Saint-Saëns最負盛名的一首交響詩，巧妙地描繪出死神在墓地拉奏悲悽的音樂，骷髏們從墳土中爬出來起舞嬉鬧的詭異場景，最後黎明的雞啼讓骷髏們一哄而散逃逸無蹤的敘事情節（見動畫版的演繹）。無論讓人毛骨悚然的小提琴聲，還是詭異卻曼妙的舞蹈，Saint-Saëns對於標題音樂的大膽詮釋，開拓想像之境的邊界，自有其冷靜刻畫中的奇妙魅力。

最後的古典榮光--布拉姆斯

        生平剪影

1、Brahms（1833年5月7日生於德國漢堡，1897年4月3日病逝於維也納），出生於貧困家庭，為長子。父親在劇場、樂隊中演奏樂器以賺取微薄的收入，並希望Brahms日後也成為樂師。在父親啟蒙教導提琴的技巧及樂理之後，Brahms向Otto Cassel學習鋼琴，進步神速，並發現對作曲的興趣。1843年，Otto將Brahms介紹給自己的老師Edward Marxen（1806-1887），在老師的要求下，Brahms深入學習並改編巴哈和貝多芬的作品，熟悉了巴洛克和古典時代的音樂結構，奠定未來作曲的基礎。Marxen並預言Brahms日後也會成為偉大的音樂大師。Brahms同時在漢堡的樂團中擔任鋼琴伴奏，也領導一個男聲合唱團。1848與49年分別舉行的獨奏會，替Brahms打開了知名度。但他卻不往演奏之路邁進，而決心投入作曲中。從此時到1854年左右，譜寫的作品以鋼琴為主。

2、1848年Brahms與匈牙利小提琴家Eduard Reményi（1828-1898）認識，不久Reményi避禍到美國，直到1852年才返歐，與Brahms展開一段巡迴演奏。Brahms不僅認識到匈牙利（實際上是吉普賽）音樂的優美旋律和節奏，也引起匈牙利小提琴大師Jeseph Joachim（姚阿幸，1831-1907）的注意，而結成影響一生的朋友。並透過Joachim的引介，而在1853年認識李斯特，當年九月在Joachim的安排下，Brahms前往拜訪舒曼夫婦，演出自己譜寫的鋼琴曲，獲得舒曼的讚賞，透過「新音樂雜誌」向樂壇介紹布拉姆斯這位傑出的新秀。但也引起「新德意志派」等新音樂擁護者對Brahms的攻擊。

3、1857年Brahms擔任Detmold宮廷的指揮及教師，訓練合唱團並創作小型管絃樂曲。1862年受維也納歌唱學院之邀擔任指揮，飽受好評又再續約三年。從1862年到1869年間，Brahms譜寫許多室內樂、歌曲、而他歌曲的創作高峰是1874到1878年。他此時最重要的代表作即是1868年於不萊梅演出部分樂曲，而於1869年9月於萊比錫演出全曲版的「德意志安魂曲」，都獲得成功（1867年12月於維也納演出前三曲但接受度不高），再加上同年出版的「匈牙利舞曲」大受歡迎，讓Brahms在樂壇站穩了腳步。

4、1872到75年間應邀擔任維也納「樂友協會」的藝術指導。辭職後參加歐洲各地的音樂會，指揮自己的作品或以鋼琴家的身份演出。而從1874年開始將作品委託Simrock出版商出版，獲得優渥的酬勞，保障了Brahms日後的經濟生活。1876年9月，經由兩年多的埋首創作，終於完成第一號交響曲。這是從1854年譜寫的交響曲動機初稿，經由二十餘年的蘊釀修改，不輕易動筆的Brahms，得力於後來擔任樂團指揮的經驗，才完成這首各方引領期待的大作。11月4日的初演，震撼樂壇。大指揮家Hans von Bülow稱此曲是貝多芬第九交響曲之後的「第十交響曲」，樂評家Eduard Hanslick（1825-1904）也認為第四樂章最接近貝多芬之作。但Bülow的這種推舉，反而帶給Brahms不少困擾。隔年創作第二號交響曲，6、8年後分別再寫了第三、四交響曲，曲曲各有特色，也都引起樂評的重視和討論。之後不再譜寫大型作品，而以室內樂的單簧管樂曲、藝術歌曲、鋼琴小品為主，進入Brahms更為圓熟內斂的境界。

5、個性內向害羞、行為笨拙容易得罪人的Brahms，缺少如蕭邦、孟德爾頌、李斯特般的魅力，加上他面對婚姻舉棋不定的態度，讓他即使與不少女性有親密的交誼，卻終身未婚。而Brahms與舒曼妻子Clara之間的關係，從原先的愛慕發展到彼此敬重、支持的友誼，提供一些電影八卦渲染的題材，在加油添醋之下反而模糊了焦點。1869年5月，Clara於法蘭克福病逝，Brahms聽聞消息馬上奔赴喪禮，不料乘錯車白跑一場，又急忙趕往波昂。痛失故人的哀傷和路途中的奔波勞累，讓Brahms於隔年因肝癌病逝，葬於維也納。

         音樂成就

1、以李斯特、華格納為首的新音樂運動，在十九世紀中葉後席捲歐洲，這股浪漫狂潮，唯有堅持古典精神的Brahms得以抗衡。Brahm和華格納，作為被兩派陣營拱出來的主要人物，看似敵對的立場，實際上Brahms對華格納的才華，始終保持敬意。對於這種音樂門戶之爭，Brahms並不主導也不介入，只是持續專注地譜寫自己深具古典精神、曲式發展充實飽滿，而內在結構嚴謹的絕對音樂。作為浪漫時代中抗拒潮流發展的偉大作曲家，也唯有當浪漫狂潮逐漸止歇時，Brahms的價值才被重視。然而時代的印記依然無法避免，浪漫時代慣用的作曲手法、音響的劇烈變化以應和情感發抒的激烈口吻、對自然的讚賞等面向，都出現在Brahms的作品中。

2、Brahms的交響曲是貝多芬之後最偉大的創作，也是浪漫時代交響曲的豐碑。他的小提琴協奏曲列為四大經典名作之一，德意志安魂曲也是古往今來安魂曲的名篇。古典時代作曲大師擅長的曲式，Brahms都承繼發揮，尤其在交響曲、管絃樂曲、室內樂、藝術歌曲方面的成就，是浪漫時代其他作曲家難以望其項背的。至於歌劇，則是Brahms有心而力有未逮的領域。

3、作為古典樂派在浪漫時代的高峰，Brahms總結了古典主義，並影響著二十世紀的新古典主義。而與巴哈、貝多芬並列為德國作曲家中最偉大的3B。

        名曲分享

「搖籃曲」（Wiegenlied，lullaby），Op.49 No.4，弦樂合奏版

「搖籃曲」，法國鋼琴大師Alfred Cortot（1877-1962）1925年錄音

「搖籃曲」，由德國抒情女高音Elisabeth Schumann（1888-1952）演唱，1937年的錄音

「搖籃曲」，由大提琴家David Moulton演奏

Brahms於1868年為女性朋友Bertha Faber所作，作為其第二個兒子的誕生禮物。樂曲融合了Faber所喜愛的圓舞曲旋律，搭配上搖籃曲，以切分音的伴奏和穩定的律動製造出如搖籃般的舒服、安眠的效果。而成為Brahms作品中最通俗、深受一般愛樂者喜歡的曲子。此曲可以見出在Brahms嚴肅不易親近的性格中，其內在溫柔體貼的一面。Brahms的通俗名作中，還有最常出現在入門選集中的第十五號圓舞曲，也被改編成其他器樂版，因為與此首搖籃曲同質性太高，故在此不做介紹，有心者可自行取用。

Guten Abend, gute Nacht, mit Rosen bedacht,
Mit Näglein besteckt, schlüpf unter die Deck!'
Morgen früh, wenn Gott will, wirst du wieder geweckt
Morgen früh, wenn Gott will, wirst du wieder geweckt

Guten Abend, gute Nacht, von Englein bewacht
Die zeigen im Traum, dir Christkindleins Baum
Schlaf nun selig und süß, schau im Traum's Paradies
Schlaf nun selig und süß, schau im Traum's Paradies

[English]

Good evening, and good night, with roses adorned,
With carnations covered, slip under the covers.
Early tomorrow, so God willing, you will wake once again.
Early tomorrow, so God willing, you will wake once again.

Good evening, and good night. By angels watched,
Who show you in your dream the Christ-child's tree.
Sleep now peacefully and sweetly, see the paradise
in your dream.
Sleep now peacefully and sweetly, see the paradise
in your dream.


第五號「匈牙利舞曲」，由義大利指揮大師Claudio Abbado（阿巴多，1933- ）指揮柏林愛樂，1996年演出

第五號「匈牙利舞曲」，弦樂四重奏版，由Garden Quartet演出

第五號「匈牙利舞曲」，由Yehudi Menuhin（曼紐因，1916-1999）演出

第五號「匈牙利舞曲」，女小提琴家Hilary Hahn（希拉蕊‧韓，1979- ）2009年現場演出

Brahms 21首匈牙利舞曲集，原為鋼琴聯彈所作，但Brahms也將之改編成獨奏（1到10曲）、管絃樂曲（只有1、3、10號由Brahms自己改編），其餘的管絃樂改編版則由其他作曲家完成。此外，匈牙利小提琴大師Joachim也將之改編成小提琴的版本。這是Brahms最通行最暢銷的作品，四首聯彈的形式和音樂中的異國情調都吸引一般有音樂素養的家庭彈奏娛樂。幫Brahms發行此曲的Simrock出版商也因此荷包滿滿，後來又透過Brahms的介紹，與捷克作曲家德弗札克合作的「斯拉夫舞曲」，同樣讓德弗札克一砲而紅。但Brahms最後也因為此曲與舊友Reményi鬧翻進而興訟，最後法院裁定：Brahms以編曲的方式發表而沒有侵害著作權的問題。這也讓Brahms在第三、四集（11-21曲）的創作中，盡量使用自己的創作。這首第五號舞曲是最膾炙人口的一首，ABA三段曲式，流暢爽朗的音樂激發出濃烈的熱情，頗能提振精神，讓人神清氣爽。