Galuppi弦樂協奏曲

        第一次聽這張Galuppi弦樂協奏曲七首Concerti a quattro（大協奏曲），在前幾軌發現似曾相識的音響，仔細凝思，想到先前寫過的一張Galuppi歌劇詠嘆調選集，專輯中收錄的兩首協奏曲，原來正在這組大協奏曲中。先前聽過的版本較為精緻、抒情、清爽有力，如今聽的版本更為樸實無華，乍聽之下平平無奇，可是仔細聽過兩三次後，我更欣賞這種樸實真誠的自然之音。

        所謂清爽有力和樸實無華之間的對照，最鮮明的就是速度，三樂章慢快快的形式，在先前的選輯中慢板更慢，快版更快（尤其第一號協奏曲第三樂章更明顯），營造出從深沉的感傷情緒，轉折到跳盪對位的明快節奏之對比，而這張唱片的詮釋則不在細部作太多的渲染安排，用更為直截輕率、自然的速度，來呈現Galuppi樂章間的快慢對比。而純就弦樂的音色而言，選輯版偏向於空靈優美的氛圍塑造，而此張專輯則更為飽滿明亮。從演奏的細緻度和現代感而言，選輯版更討好，但從耐聽度而言，我不得不承認，此張專輯自有其一席之地。這不是聽一兩次就會受吸引的版本，但只要感覺對了，頻率對了，此種樸實無奇，不花俏的自然演奏，更具有直指人心的力量。

        七首協奏曲中，最讓我念念不忘的，是第四號協奏曲第二樂章，僅僅三分多鐘的音樂，Galuppi讓對位的旋律不斷綿延伸展，轉折無痕，自然明暢又飽滿生動，在重複中有變化，有發展，既明燦自然又立體豐厚，層層的音浪襲捲交織，讓人甘於滅頂。不由自主隨音樂搖頭晃腦，彷彿不透過身體的律動則無法應和音樂的鳴響。每次重聽此專輯，我等的就是此樂章音樂的再次流淌、漫延、彷彿墜入無盡循環的悲欣交織中，而自在從容。從此一樂章可以窺見Galuppi音樂的簡潔、明燦、抒情美、精巧又自然的風格。而這個義大利樂團樸實無華的飽滿流暢的聲色交織，也讓此樂章更為雋永耐聽。

        Galuppi的這些協奏曲，可以見出晚期巴洛克對位風格轉變到古典時代簡潔明晰作風的變化，他的這些作品，已經預示了莫札特清爽自然的明淨色澤。七首協奏曲，除了第二首由四樂章慢快慢快組成，其餘六首都是三樂章慢快行或慢行快的形式。和先前聽過的Galuppi鋼琴奏鳴曲慢快二樂章，多出了第三樂章，但基本精神依然維持著。第一樂章的慢板，以莊嚴的、沉靜的氣質發抒某種內在的情感和深沉的幽思，有著引人入勝、觸動心弦的深刻感染力，這也是最能發揮Galuppi音樂抒情之美的樂章。進入第二樂章的快版，大都是對位的明快的、交疊的音樂，氣氛因而轉變，進入流動的、豐厚的耀眼旋律，帶領聽者跳脫先前的感傷，進入無憂無慮的聲響世界。第三樂章或比第二樂章稍慢些，或更為明暢，也維持著明燦生動的語態。我最喜歡第五號協奏曲的第三樂章，有著灑脫、清爽的氣息，尤其在音樂後半段飛揚而起的樂音，彷彿被簇擁著升騰到雲端，如此清暢悠然。第七號協奏曲第二樂章的明快簡潔，都讓人想到古典時代的音樂特色，但和古典主義更為飽滿多層次的聲響織體相比，Galuppi這些音樂有著更靈活，無拘無束的姿態，更清爽淡雅的餘韻，更多變的曲式銜接和風格承遞，其純粹的抒情美感和歌詠語態，讓其音樂散發出迷人的魅力，讓人留連不已。

以下聽的是Baldassarre Galuppi之Concerto a quattro No.1 in G minor

臺日篆刻交流展雜感

        臺灣印社與日本篆刻家學會交流，十月22日至十一月3日，於國父紀念館載之軒、翠亨藝廊舉行「臺日篆刻交流展」。筆者有幸蒞臨現場觀摩，看到日本會員人數最多的篆刻家學會展出的篆刻作品（載之軒），以及代表台灣篆刻界砥柱的臺灣印社成員展覽（翠亨藝廊），是最近看得最過癮的篆刻展，雖然僅匆匆一瞥，旁觀開幕式、揮毫活動及半個上午的展場，略有幾點心得可分享。

        篆刻在日本風氣之盛和人數之廣，只怕比台灣有過之而無不及。在日本日展的書藝活動中，篆刻與其他四類書法（漢字、かな、少字數、近代詩文）並列為五大類型。從此次展覽的規模和參展者之眾，可看出其風氣之廣。當然兩個展場所呈現的台、日兩地篆刻風格和面貌之不同，正可作為交流借鑑之立足點。日本篆刻兼容書法、繪畫、拓碑、藝術設計等面向，其展覽大都以二到四方左右的大印為主，搭配各具巧思的版面設計，使會場呈現出風姿迥異的繽紛變化。其版面設計包含印面、邊款的搭配、書法款識或短文、詩語之鋪陳、加上別具設計感的國畫、布置著碑帖、瓦當、劍紋，而有種樸茂奇逸的風格，當然也有近似於台灣傳統樣式的印面鋪陳方式，也有融入外文、現代語句等更具創意的內容，但大體而言，是以大印為主，展現雄強渾厚的大氣風格。這種篆刻面貌的呈現，是在日本對漢字、篆文熟悉度有限的限制下，開展的一種更適合於藝術展場的表現方式，某方面而言既補足了其先天不足的缺陷，又別有新貌巧思，值得借鑑參考。而其篆刻流風又深受吳昌碩、鄧散木等海派、虞山派之印風影響，吳、鄧二人之印，自有其樸茂渾厚又雄強奇肆之特點，正適合於展放成大印。因此如果搭配得宜，設計巧妙，印章雖少，但依然可見刻印功力之深淺、刀法運用之跌宕，以及佈局設計之整體感，加上我又深迷吳昌碩，也參照過鄧散木，因此，對日本的印風格外感到親切。

        而臺灣印社所展出的台灣代表篆刻家之作，則更具傳統風貌和溫潤儒雅的文人精神。篆刻作品之呈顯，在印面及風格之展現上更為多元，篆刻家所展出之印章方數，遠遠超過日本兩三方大印之呈現，因此更可以細觀個別篆刻家的印風、刀法變化。但是就整個展場而言，呈現作品之方式過於近似，除少數在版面上運用藝術設計而有新風貌的呈現，其餘大都承繼傳統，在印面展現的方式上，不如日本變化多端，純粹是篆刻藝術的呈現，不涵攝書法、繪畫、拓碑等其他藝術。如果鋪陳得宜，依然有其清爽可觀的佈局和細緻多方的印風、印面、邊款之搭配，但如果印數過多，無邊款之搭配或版面之安排，則稍嫌枯板無趣。當然，受限於一人一幅的展覽形式，自無法兼容不同的表現方式。因此，要如何兼顧傳統的文人意趣和多面印之佈局安排，以及少數大印之空間設計，此次展覽的觀摩，當有助於篆刻家（或書法家兼展篆刻）在安排作品、協調展覽空間之呈現上，提供一些觸發。

        此次展覽，除了在開幕式結束後看到中日篆刻家、書法家現場揮毫之外，有幸在多年後遇見蔡雄祥老師，與老師簡短的攀談，是最值得留念的。大學時代，蔡老師一直是書法社篆刻組的篆刻老師，從創社以來持續指導，直到我畢業後離開書法社多年，老師才委由其學生古燿華接任，最近聽說書法社已無法延續，甚感可惜。大學時及畢業後，曾為了充人數而上過幾次的篆刻例會，也曾蒙蔡老師口授指點過，但當時尚未戮力於篆刻。如今十多年後再次看見老師的雋朗風采，才深感此行不虛。老師詢問愛強的近況，我也如實回覆。之後碰巧有幸能與薛老師、蔡老師合照，留下美好的紀念。雖然對於篆刻，我一直沒有戮力以赴，毫無建樹，不值得張揚，但隨興所至，也自能悠遊其中。無法以此成名（浮名無憑，非我所求），至少能月旦諸家、探驪三昧，而形成自我的藝術美學觀，也不枉這幾年浸潤所得了。

        

               

豎笛的題獻與紀念

         這張唱片收錄了德國作曲家Heinrch Baermann（1784-1847）、英國作曲家Bliss（1891-1975）、Finzi（1901-1956）、Geoffrey Bush（1920-1998）、Joseph Horovitz（1926- ）、馬爾他（Malta）作曲家Charles Camilleri（1931-2009）、法國作曲家Schmitt（1870-1958）、俄國作曲家Rachmaninov（1873-1943）、義大利作曲家Busoni（1866-1924）與豎笛有關的樂曲，不僅拓寬了豎笛風景的優美樂音，也讓我認識到更多知名的、不知名的作曲家的豎笛音樂。進入一個樂器的領域，就會碰觸到不同的作曲家，與這個樂器有關的私密音樂。

        專輯名稱「Tributes」（致敬、題獻）是雙關語彙。這是英國豎笛名家David Campbell（1973- ）為其學生Connie Cottee所演奏的音樂會專輯。Connie Cottee是一位愛爾蘭業餘豎笛家，固定參加David Campbell與Archibald所指導的周末豎笛研習班，因癌症去世。在她2000年夏天去世前兩個月，家人邀請David Campbell為她舉行一場音樂會，演奏的都是Connie喜愛的樂曲。而這些豎笛樂曲，大都是作曲家題獻給豎笛家之作，比如Baermann（十九世紀最偉大的豎笛演奏家，Weber為他寫了許多著名的豎笛作品）為豎笛家Alan Campell寫的慢板、Busoni 為瑞士豎笛家Edmondo Allegra寫的悲歌、Bliss為其豎笛家兄長寫的田園曲、Finzi為英國女豎笛家Pauline Juler寫的五首小品、Geoffrey Bush題獻給五位作曲家的爵士小品、Joseph Horovitz為英國豎笛大師Gevaise de Peyer寫的小奏鳴曲、Charles Camilleri為英國豎笛家Jack Brymer寫的小協奏曲等。這些作品，不僅是題獻給這些豎笛名家之作，也是向業餘豎笛家Connie 致敬之舉，所不同的是，其他作曲家透過作品向豎笛家題獻，而David Campbell則透過演奏，向自己愛好豎笛的學生致敬。

        除了Baermann是十九世紀初的作曲家，其餘都是十九世紀末到二十世紀初之作。但在樂風上，除了Geoffrey Bush、Joseph Horovitz之作，有更為爵士化的現代風味之外，Finzi介於兩者之間，兼有傳統的溫潤抒情和更活潑的現代跳盪感。其餘的作品都是短章精緻的、溫柔的歌詠。最讓我印象深刻的是，Charles Camilleri豎笛小協奏曲，由作曲家改編成豎笛與鋼琴合奏的第二樂章，如此空靈優美、輕巧細膩，豎笛之音色彷彿漂浮於聲響之流中，浮動在雲端薄霧間，輕柔飽滿又吹彈可破。而Rachmaninov聲樂練習曲vocalise，除了聲樂演唱之外，更常見的是由鋼琴、小提琴改編的版本，但此處由豎笛演奏，更讓人驚艷。由於豎笛音色與女高音近似，其溫潤抒情的優美歌唱性，更比鋼琴和小提琴版多了些淡雅飄渺的餘韻，是此張唱片中最讓我意外且動容的樂章，也是陌生風景中的舊識。衝著這首樂曲購入此唱片就相當值得了，何況還有其他更繽紛多彩、繁花似錦的豎笛音樂，等待有心人嚐鮮。

        透過這張專輯，讓我領略到豎笛變化多端的音色和技巧之展現，與古典時代著名的豎笛名作相比，帶有爵士化的樂曲，開拓了豎笛的表現能力，快速奔放的音符與流利跌宕的音型，應和著節奏的跳動，讓豎笛脫下端莊的、矜持的面具，搖身一變成為渾身散發魅力、舉手投足間流露出性感挑逗的口吻，爵士風的豎笛更具有一種隱黯幽微的風姿，有著完全不同的活潑野性和青春氣息。此張專輯，就交錯著優緩如歌的溫潤之聲，和大膽神秘的放懷舞動，展現豎笛音樂的多面性。

以下聽的是Rachmaninov的vocalise，法國女高音Natalie Dessay演唱(我較喜歡此版)

以下聽的是Rachmaninov的vocalise，女高音Fleming演唱

以下聽的是Rachmaninov的vocalise，豎笛與鋼琴的版本。演奏者是Swedish-American clarinetist MARCUS FORSS

以下聽的是Rachmaninov的vocalise，David Oistrakh小提琴版

Perahia鋼琴獨奏會

        這一晚（今天凌晨完成，依然維持前一晚的語態）Perahia的鋼琴獨奏會，真是讓人印象深刻的演出。和我去年蕭邦音樂節聽過的幾場演奏會相比，精采度有過之而無不及。Perahia證明了即使因為手傷而被迫暫時離開舞台，憑著毅力和耐力，復出後還能讓演奏更上一層樓，達到了可觀的水準。

        雖然，之後還安排了Scherbakov師生的音樂會，一場獨奏一場協奏，想必都是很可觀的體驗，但是Perahia多年焠鍊的觸鍵，收發由心的音色變化，以及琴音的穿透力，實在不容小覷。上半場的曲目是典型的3B，巴哈的法國組曲、貝多芬的鋼琴奏鳴曲、布拉姆斯晚年鋼琴曲，考驗著演奏家掌握對位、和聲、古典與浪漫語法之間的傳移變化。下半場的舒曼兒時情景和蕭邦的三首鋼琴曲，則考驗著演奏家對於浪漫時代兩種鋼琴詩語之發抒，一者想像聯翩，一者瑰麗華美，各有其趣。從曲目的安排，可以知道這是扎扎實實的技巧與音樂性、結構與詩意的展現。無論是巴哈的清爽靈動、貝多芬的剛毅勁健、布拉姆斯的溫厚深情、舒曼的奇景想像、蕭邦的縱逸奔放，Perahia都能恰如其分地展現其各自的聲響美和情韻美，兼顧了技巧的掌握和內涵的挖掘。而灌注於這些曲目之間的，是Perahia對音樂的細膩解讀和對於技巧大膽的、自信的展現。他在強音處能有驚人的穿透力和飽滿的觸鍵，從我最後一排最頂端的位置聽來，毫不薄弱；在弱音處同樣也是盈滿而細膩的，尤其是音符的延展和迴響，有其言外之意的情韻捕捉。可惜的是，觀眾過快的掌聲往往破壞了Perahia貫注於最後一個音符尾韻的餘情安排，在貝多芬鋼琴奏鳴曲是如此，舒曼兒時情景也是如此。

        Perahia的巴哈，不是乾淨得一塵不染的純動感的躍進，而是在踏瓣的運用下，依然能保持聲響的交錯應和和流暢的織體行進，在清爽、清新的巴哈音樂中，注入了聲部處理的細膩性和情意的挖掘，展現了既乾淨又立體的聆聽感受。Perahia詮釋的巴哈，在此場音樂中是我最滿意最無法挑剔的（也許可能跟最近少聽巴哈有關？）而他的貝多芬，音質和觸鍵都與巴哈不同，淋漓盡致地展現了貝多芬音樂中剛毅性與抒情性交融的內在矛盾。第二十七號奏鳴曲第二樂章，是貝多芬奏鳴曲中我相當喜歡的一曲，如果Perahia能讓此樂章的音樂更為流暢如歌，更接近舒伯特般的圓潤發聲，更為放鬆自在，則會讓我更陶醉。布拉姆斯的晚期鋼琴小品Perahia也能呈現布氏晚期音樂幽深、溫暖的一面，不過如能在更為緊湊的演奏幅度中，加入一些更溫潤、更淡雅的情懷，會讓音樂更迷人，雖然也有一些技巧上的閃失，雖然明顯到令人大為意外，但瑕不掩瑜，現場演出的賣力和專注性是相當高的。

        中場休息時，調音師入場調音，我想也許是Perahia在上半場的敲擊，讓某些音走位偏差了。下半場的舒曼兒時情景，是相當溫暖動人的音樂，不過Perahia的兒時情景，畢竟和霍洛維茲不同，雖然霍洛維茲對Perahia的指導對Perahia影響非常大，但要成為大師，必須提出自己的藝術見解。霍洛維茲的兒時情景，瑩澈自然的觸鍵，彷若返老還童般清新有趣，而Perahia之詮釋則更為嚴謹，展現其對樂句深思的處理。聽來如同成年人所回想懷念的兒時點滴，充滿著溫暖的情懷，但卻是早已逝去的美好回憶。蕭邦的前奏曲、馬祖卡舞曲、詼諧曲等，在更為奔放華麗的燦爛色澤之展現外，底層依然維持著堅實飽滿的觸鍵，尤以最後一曲的詼諧曲更是拳拳到肉，雖然和上半場的貝多芬和布拉姆斯相比，在扎實的密度上稍有不及，但也相當可觀了。最後的兩曲安可曲，無論舒伯特的行雲流水還是蕭邦的浪漫爆發力，都讓現場聽眾的情緒更為激昂，也圓滿地結束了這場音樂會。可惜的是，會後不簽名，我事先準備的專輯無法派上用場。

以下聽的是Murray Perahia 演奏 Bach 之 French Suite No 4 in E-flat major, BWV 815

Galuppi天籟之音又一章

        義大利作曲家Galuppi的鋼琴奏鳴曲，除了Michelangeli所演奏的第五號奏鳴曲第一樂章之外，還有許多的遺珠。在Galuppi百多首的鍵盤奏鳴曲中，靠著Michelangeli前無古人的挖掘，讓我們瞥見Galuppi鋼琴奏鳴曲的奇珍異寶，可是聆聽之耳就因此滿足嗎？所幸瑞士鋼琴家Bacchetti，再度從Burano島的市立圖書館及其他私人收藏的Galuppi手稿中，挑選出這八首鋼琴奏鳴曲，承遞Michelangeli的天籟琴音，讓我們窺見Galuppi更多優美的樂音，更讓人神思遐想，其餘近百首的鋼琴奏鳴曲，是否還有被淹沒於修道院的秘藏遺音。

        Bacchetti師承波蘭鋼琴大師Horszowsky，也被俄國大師Magaloff指導過。在這張Galuppi鋼琴奏鳴曲中，Bacchetti彈出了讓人屏息以對的純淨自然，並以溫潤恬靜的清幽氣質，賦予Galuppi音樂超群脫俗的空靈美感。第一次聽的時候，讓我聯想到如莫札特般純粹自然的天成，但相對於莫札特天真中寓有促狹詼諧的口吻，或者偶然流露的感傷，Galuppi的鋼琴音樂更為遺世獨立，有著孤芳自賞的幽寂感。八首奏鳴曲，只有第一首是單樂章的行版，其餘七首都是雙樂章的形式，關於此種作曲安排的機心和巧妙之處，可參考資深樂友Mingus兄在網誌中的闡發，或實際聽聽這種兩樂章的音樂表現，在Galuppi或貝多芬鋼琴奏鳴曲中，當會與習慣聽到的三樂章快慢快之聽感有別。

        記得莫札特的鋼琴奏鳴曲，第二樂章的行板或慢板，是最讓我駐足流連的音樂。我曾經蒐集莫札特奏鳴曲中的慢板（用的是Perlemuter的版本），將之燒錄成精選輯，在翰翰還是小Baby還不會翻身的時候，放給他聽，雖然小天使必然難以領會莫札特音樂之美，但當時只聽莫札特慢板音樂的經歷，還是讓人懷念。雖然這張精選輯最後不知道流落何處，也不曾刻意找尋，不過我始終記得當時的心情。

        聆聽這張Galuppi鋼琴奏鳴曲，讓我想起當初聆聽的莫札特慢板，尤其此張專輯前幾軌的音樂。Galuppi兩樂章分別以行板或慢板、稍慢板加上快板、急版或行板而成，如果是慢版加行板，對比的速度不大，有種穩定的銜接感，比如第二、三軌的C大調奏鳴曲；如果是加上急版的第二樂章，則前後之間對比更強烈，急版的意興飛揚，會脫離慢板的恬靜悠然，將音樂轉入生動活潑的結尾，而有意興淋漓之感。兩個樂章，彷彿將兩種不同性格的人挽結在一場場雙人舞中。第一樂章通常以更悠緩綿長的速度展開，引領聽者進入淡然幽遠的境界，第二樂章以更快速更短暫的燦爛光芒，耀動在聽者的耳畔，一閃而逝，幾乎難以捕捉。鮮明的對比，卻渾如一體地難以分割。這些樂曲的第一樂章，都是可以比擬第五號奏鳴曲第一樂章的自然純粹之音，我尤其被第六軌的降B大調Larghetto之音樂所感動（第二樂章也不錯），這是整張專輯中最能引領我到空寂幽靜之地的樂章。其美感不遜於Michelangeli所彈奏的樂章，尤其是兩分多鐘出現的兩句樂句，在整首五分多鐘的音樂中只出現兩次（另一次在四分半左右），卻深深觸動我。

        Mingus兄的文章幾年前已讀過，卻沒有刻意尋找Bacchetti這張專輯，緣分未到，難以強求。一旦我被Galuppi感動後展開探尋之旅，彷彿水到渠成，也很順利地在幾個月前買到這張專輯，隨興地聽了幾次，只任憑心情隨音樂流衍無言，沒有馬上付諸文字的衝動。如今，心願已了，暫時將Galuppi這些絕俗之音封存留記，靜待日後之重啟。

以下聽的是Bacchetti現場演出的Galuppi，巧的是，正是我喜歡的這首奏鳴曲。找到之時興奮不已。第一樂章他彈的比CD上更具張力。

愛爾蘭之音-O'Carolan's Harp

         居爾特(Celtic)音樂，熟悉又陌生的名詞，不時迴盪在音樂之旅的過程中，無論是逛唱片行時不經意的一瞥，還是借物少女電影一開始出現的短暫樂音，不曾接觸世界音樂的我，也在音樂觸角隨意探索之時，偶然若有所知。對於這陌生的一塊，並未深探，也許跟音樂的脾胃不和有關，因此我並不刻意勉強，靜待緣分的挽結。

        O’Carolan（1670-1738）是愛爾蘭最後的吟遊詩人，他是流浪豎琴家、編曲家，依靠著富有的贊助者的支持維生。十八歲後染上天花失明，O’Carolan學習豎琴，達到了專業水準。他多以愛爾蘭Gaelic方言譜成歌謠，他有很多作品在如今的愛爾蘭音樂中，依然被改編成不同的樂器傳唱著。O’Carolan的作品和傳統的愛爾蘭音樂不同的是，其不規矩的結構，打破了傳統舞曲風的流暢性，而有著聽者難以預料的變化。O’Carolan無法寫下他自己的創作，有關他的作品，透過不同的管道流傳，最重要的是在1792年Edward Bunting於Belfast豎琴音樂節之後所匯聚的鋼琴改編版，展現出O’Carolan和愛爾蘭傳統不同的特質。雖然O’Carolan無法學習歐洲的音樂，但他仍努力仿擬學習著，據說他最喜愛的音樂是Corelli的作品。此張唱片收錄了由O’Carolan傳承的古愛爾蘭音樂或O’Carolan編曲創作的音樂，透過豎琴、小提琴、長笛和低音大提琴不同的搭配，讓我瞥見了與古典音樂完全不同的淡雅幽渺之音。

        吟遊詩人採集音樂的旅程，就是見證人生百態，採擷酸甜苦鹹各種況味的過程。可以從中聽到O’Carolan以音樂描繪他以心眼和音樂之耳所見的鄉野人物的樣貌，刻畫著沒落的將軍、貴族男爵、少女與貴婦、船長和上校，以及房東太太的形象（O’Carolan和房東太太的爭吵之歌題相當有趣），描繪著河邊漫步、海邊所聽、空中鳴響的雲雀，也許這些景致，交疊著O’Carolan失明以前的光影、色澤、線條變化，如今只能透過他最親密的豎琴聲，傳達對於世界的美好眷戀。在當時主流的世界音樂版圖不曾含括的化外之地，O’Carolan用音樂記錄生命流浪於聽和歌詠的簡單歲月中，傳來一股靜謐的、樸實的、親切的優美樂音。簡單真摯，沒有太多複雜的技巧和變化多端的和聲，淡淡的歌詠、清雅的舞曲，內蘊著與世無爭的泰然心情。即使如今居爾特音樂滲入美國流行樂壇，成為世界音樂中的顯學，流行化與商業化的變調中，也斬不斷居爾特與土地、鄉愁的血脈連結，但是相對於後起的改寫和援引，O’Carolan傳承古老樂音的淡然餘韻，更讓我驚豔，而更願意接納這樣的聲音，在歷史的折射中，不褪色的琴音。相對於借物少女居爾特音樂的無感，我被O’Carolan觸動的更深、更悠遠，興發的歷史與時空感懷更緜邈，更灑然。

        淙淙的豎琴、低吟的大提琴、清透的長笛，詠歌的小提琴，像一幀幀設色素雅剪裁合宜的小照，迴映出愛爾蘭的風土民情。如此淡而真摯，輕而不膩，別有韻致的短歌片簡，內在的精神是相通的，只要細細品味其中一首，就可以感通其他各曲的情韻。這也是某些世界音樂無法吸引我的地方，不知為何，我曾經陶醉於如此的簡單瑩澈，卻又排斥某些近似雷同的慣性痕跡，渴求更多變化和難以掌握的馴服感。也因此更能欣賞古典音樂所贈與我的豐富性和情感深度，以及表現之變化多端，這讓我的聆聽除了直覺式的感悟之外，更要求著知性與美的全然觀照。但是偶爾涉足於像O’Carolan這樣通俗一點、簡單一點、淡雅一點更不費聽力的音樂，也可以矯正過於偏嗜的胃口，產生不同性質的感動體驗。

以下聽的是Carolan's Dream - played on celtic harp，關於居爾特音樂，可參考如下的部落格。

沉穩大氣的Mendelssohn

        最早接觸孟德爾頌第三號交響曲，就是先前分享過的Maag版，雖然是1960年的錄音，但燦爛生動的演奏和流暢明晰的聲響，都讓人印象深刻。這是一個優美、遼闊、大氣磅薄的版本，而且最後一樂章所帶出的酣暢動態，淋漓奔放的活力，更讓人陶醉不已。也因此，當回顧孟德爾頌交響曲的書寫開始進行時，我第一時間就想介紹這個版本，同時也想重溫舊情，再次感受當年被孟德爾頌這首交響曲感動的時刻。那是一個相對容易滿足的時代，對於音樂的美，豐盈的觸發，都有著坐井觀天的滿足，簡單的耽溺。

        如同南方前輩所言：誰還在聽克倫貝勒？的確，Klemperer的詮釋早已成為歷史遺跡的一部份，年輕的愛樂者恐怕很難接受他的聲響美學。但是還是有聆聽之耳願意找出老大師的音樂來聽，這些人，大概是對於老大師心存懷念的愛樂者，會不時想重溫熟悉的厚實、飽滿、沉穩的聲響，會不時想起關於不死鳥的傳奇，會不時想起曾經蒐集大師錄音的時期。

        如果已經習慣Maag生動鮮活的節奏和流暢飽滿的速度，那麼Klemperer就是完全迥異的聲響特質，更慢的速度、更沉穩的節奏、飛揚不起來的厚實表情，這樣的詮釋適合Mendelssohn嗎？還好我曾經迷過Klemperer，否則被Maag或卡拉揚洗腦後，根本吞不下Klemperer這堅實深沉的音樂磐石。可是一旦進入Klemperer的速度，跟上他略微遲緩卻穩固無比的音樂塑造，會發現在Maag的暢快淋漓與Karajan的絕美抒情中，自成一格的扎實飽滿。第一樂章蒼茫的歷史感，更為堅毅深沉了，在緩慢的速度下營造出的踏實、沉穩的步伐，讓蘇格蘭原野更為滄桑、岩石更為峻峭剛毅，屹立不搖，但又流露出觀照世事遷變的灑脫情懷，投身塵世與超然俯瞰，巧妙地交織在一起。第二樂章更切合Mendelssohn的速度提示，不太急的速度，卻能在推進中，傳達出一種悠然愜意的情緒，又與Maag的盡興快意不同。第三樂章是Klemperer唯一比Maag版更快的樂章，淡雅的歌詠性，自有其不刻意煽情的淡然處理，顯現出Klemperer不在細部琢磨的大氣性格，可能也是其優美性感染力不足之處。但是更精采之處在於其後的共響齊鳴，Klemperer都是以自然的推進速度（比想像中更快更流暢）讓音樂匯聚高潮而後舒緩鬆弛，轉折自然，氣力悠長，也自有其內在的一種悠遠感和淡然情懷，這是最能展現Klemperer美學的樂章（第一樂章亦然）。第四樂章雖然在舞蹈性格和快意流利的飛揚意興上，不如Maag版，Klemperer比之足足多了兩分鐘多，可是只要從第一樂章開始就進入Klemperer的聲響世界，也不覺得此樂章會有拖沓、不夠盡興的缺點，反而最後營造、堆疊的壯麗結尾，更讓人回味不已。Klemperer的詮釋，其佳處乃是樂曲的主要輪廓和骨架都十分清晰，透過逐步推展的力量匯聚，自然營造出高潮，沒有刻意安排或討好聽眾的機心，順勢而來，自有渾厚雄健的氣魄。因此他對於細部的琢磨或呼應，就沒有太多著墨或出乎人意料之外的安排。但是Klemperer的音樂，自有某種一聽難忘的個人氣質灌注其中，即使樂團並非德國名團如柏林愛樂，但是Klemperer和愛樂管絃樂團的長期合作，讓音樂既能保有厚實沉穩的精神，又照應到樂曲優美動人的管絃樂燦爛色澤，不也是一種絕佳的搭配嗎？轉而被Klemperer洗腦後，我反而流連忘返於這種充實之謂美的體會中，快不快意有何妨!

以下聽的是Klemperer & Philharmonia Orchestra演出蘇格蘭交響曲